„Scherben/Shards“

Çiğdem Üçüncü & Steffi Weismann

Video

10.09.2021, 19-22 Uhr/7-10 p.m.

in Gedenken an/ in rememberance of:

Ferhat Unvar, Mercedes Kierpacz, Sedat Gürbüz, Gökhan Gültekin, Kaloyan Velkov, Hamza Kurtović,Vili Viorel Păun, Said Nesar Hashemi, Fatih Saraçoğlu

Nach den rassistischen Anschlägen in Hanau begeben sich zwei Künstlerinnen in einen Dialog und entwickeln aus ihren verschiedenen persönlichen Perspektiven eine gemeinsame audiovisuelle Arbeit. Die Materialität von gebrochenem Glas und daraus entwickelte Klänge bilden die Basis, mit der sich Handlungen und Erinnerungen verflechten: Auf der einen Seite eine performative Intervention auf der Straße, die sich über eine empathische Geste mit den Gedenkplakaten "say their names" auseinandersetzt. Auf der anderen Seite ein Text, der die Kindheit als türkeistämmiges Mädchen in Hanau reflektiert und Verletzungen anspricht, die durch den Terroranschlag in brutaler Form sichtbar geworden sind. Das Werk verbindet abstrakte künstlerische Mittel mit Botschaften in verschiedenen Sprachen. Deutsche, kurdische, türkische, bulgarische, rumänische und englische Stimmen sind ineinander verwoben und lassen ein unbeteiligtes Betrachten nicht gelten, sondern scheinen zu fragen: Wann ist der Punkt erreicht, wo ich die Entscheidung treffe,mich zu involvieren?

After the racist attacks in Hanau, two artists practicing in different fields enter into a dialogue and develop a collective audiovisual work. The materiality of broken glass and sounds developed from it form the basis with which actions and memories are interwoven: The first part of the work shows a performative intervention on the street, which consists of the empathic gesture of repairing the commemorative posters of the victims of the Hanau attack. The second part of the video involves a text that reflects on the childhood memories of a girl with foreign origins in Hanau and addresses injuries that have become brutally visible through the terrorist attack. The work combines abstract artistic methods with messages in different languages. German, Kurdish, Turkish, Bulgarian, Romanian and English voices are interwoven and do not allow a passive gaze. They rather seem to ask: When is the point reached where I make the decision to get involved?

Eine Produktion im Rahmen von/A production in the frame of AARC (Artists Against Racism Collaborative)

GRENZZIEHUNG

Hans Hs Winkler

im Rahmen von/as part of Re-Imagining America

14.08.-29.08.2020

Eröffnung/Opening: 13.08.2020, 19:00

Öffnungszeiten/Opening hours:

Do-Sa/Thu-Sat: 15:00-18:00

Hans Hs Winkler, Grenzziehung

In Hans Hs Winkler‘s Ausstellung Grenzziehung innerhalb der Projektreihe Re-Imagining America werden exemplarisch vier in den USA realisierte Projekte/Interventionen vorgestellt, die sich mit der Geschichte der Vereinigten Staaten und ihren Grenzen auseinandersetzen.

Die Reise nach Kaho’olawe, Intervention, Hawaii, 2018

2018 wurden Karten von Hawaii publiziert, aber ohne die Insel Kaho’olawe. Die Reise nach Kaho’olawe setzte diesem Verschwinden eine eigene Landkarte, Postkarte und Briefmarke entgegen, welche „die Leerstelle“ markieren. (Die Briefmarken sind in Kooperation mit den Vereinten Nationen in New York publiziert und in Umlauf gebracht worden.)

Seit Hunderten von Jahren ist Kaho’olawe ein kulturelles Zentrum der Hawaiianer/Polynesier. 1942, während des Zweiten Weltkriegs, wurde die Insel von der Navy der US-amerikanischen Armee besetzt und bis in die 1980er-Jahre als Ziel für Bombentests und als Trainingsgelände genutzt. Schon Ende der 1960er-Jahren war Kaho‘olawe der „meist bombardierte Ort der Erde“. Dort erprobte man Techniken und Strategien des Luftkrieges, ebenso neues Bombenmaterial für unterschiedliche Kriege, unter anderem schon für Berlin im Zweiten Weltkrieg. Derzeit unbewohnt ist die Insel vorrangig nur für die polynesische Bevölkerung im Rahmen von kulturellen und geistigen Aktivitäten sowie für Aufbau- und Pflanzarbeiten zugänglich.

Buy a Revolution, Intervention, San Francisco, 2010

Für die Intervention mietete Hans Hs Winkler einen Pick-up-Truck mit Fahrer und heuerte zehn mexikanische Tagelöhner an, die mit Armeekleidung, schwarzen Fahnen und Macheten ausgestattet wurden. Mit kriegerischer Geste fuhren sie durch die Stadt, in Richtung Rathaus (City Hall). Die Aktion dauerte eine Stunde und fand im Mission-District statt. Die Idee zur Aktion Buy a Revolution – „Selbst eine Revolution kann man kaufen“ − entstand während einer Wanderung entlang der mexikanisch-kalifornischen Grenzmauer bei Tijuana.

New Yorker Eisleiter, Intervention, Manhattan, 2001

Die Wassertürme über den Dächern Manhattans sind Symbole der Stadt. Im Januar 2001 veränderte sich das Erscheinungsbild eines Wasserturms für einen Tag, womit nicht zuletzt Bezug auf die wechselhafte Geschichte Manhattans genommen wurde.

Apache-Deutsch-Wörterbuch für drei Gefängnisse, Intervention, Chemnitz, Zwickau, Waldheim, 2010

Durch das Apache-Deutsch-Wörterbuch erfolgt ein sehr spezifischer Blick von Deutschland aus auf die USA und auf das indigene Volk der Apachen. In Chemnitz, Zwickau und Waldheim verbüßte der Schriftsteller Karl May (1842−1912), unter anderem wegen Hochstapelei, mehrere Haftstrafen. Die Zeit hinter Gittern verbrachte er vor allem mit dem Studium von Entdeckungs- und Forschungsliteratur; er begab sich gleichsam auf eine eigene fiktive Reise zu den Mescalero-Apachen (New Mexico). Seine daraus entstandenen Romane, etwa um den Apachen-Häuptling Winnetou, beeinflussten mehrere Generationen in Deutschland nachhaltig und ebneten vielen seiner Leser*innen den Zugang zur „First Nation“-Bevölkerung der USA. Bis heute erfreuen sich etwa Indianercamps und die Karl-May-Festspiele großer Beliebtheit. Interessanterweise stehen diese Bücher heute auch in den Regalen der Apachen. In ihrer Sprache wird das Wort „Kultur“ mit „wo Leute Orientierung finden“ umschrieben. Das Projekt wurde vom 7. August vom 11. September 2010 im Rahmen der Ausstellung Stadt ausrichten in Chemnitz realisiert.

Hans Hs Winkler lebt und arbeitet seit 1995 sowohl in Berlin als auch in New York. Sein Hauptinteresse gilt dem öffentlichen Raum und dessen Symbolen. Von 1988 bis 2000 realisierte er unter dem Namen p.t.t.red (paint the town red) zusammen mit Stefan Micheel unter anderem die Stadtraum-Installationen goldener Schnitt durch Berlin, 1988–1990, und 1996 die Statue of Liberty in Red in New York. Hans Hs Winkler co-kuratierte Ausstellungen wie legal/illegal (2004) in der ngbk Berlin und „looking for mushrooms“ − Counterculture in San Francisco der 1950er bis 1960er-Jahre im Museum Ludwig, Köln (2008). Zwischen 2005 und 2008 publizierte er unter dem Titel walking newspaper Zeitungsprojekte in Istanbul, Johannesburg, New York, Havanna, Bonn und San Francisco.

English version

Hans Hs Winkler, Grenzziehung (Border Demarcation)

In Hans Hs Winkler's exhibition Grenzziehung within the project series Re-Imagining America four projects that were realized in the USA will be presented, each of which grappling with the history of the United States.

Die Reise nach Kaho’olawe (The Trip to Kaho’olawe), Intervention, Hawaii, 2018

In 2018 maps of Hawaii were published, but the island of Kaho’olawe were missing. Die Reise nach Kaho’olawe marks this disappearance with its own map, postcard, and postage stamp where the “empty space” is clearly marked. (The stamps were published and brought into circulation in collaboration with the United Nations in New York City.)

Kaho’olawe has been a cultural center for Hawaiians and Polynesians for hundreds of years. During the Second World War, in 1942, the island was occupied by the Armed Forces of the United States and was used well into the 1980’s by the U.S. Navy as a training ground and target for blast tests. By the end of the 1960’s Kaho‘olawe was often called “the most bombed out place on Earth”. There new techniques and strategies for air campaigns were tried out, as well as new bomb materials for various wars – even including for Berlin in World War II. The island is currently uninhabited and is only accessible by Native Hawaiian peoples for cultural and spiritual activities, as well as for reconstruction and the reestablishment of vegetation.

Buy a Revolution, Intervention, San Francisco, 2010

For this intervention Hans Hs Winkler hired a driver with a pick-up truck and ten Mexican day laborers, and then equipped them with battle fatigues, black flags, and machetes. They drove through the city with militaristic gestures in the direction of city hall. The entire action lasted for one hour and took place in the Mission District. The idea behind Buy a Revolution – “You Can Even Buy a Revolution” emerged during a hike along the Mexico-California border wall near Tijuana.

New Yorker Eisleiter (New York Ice Ladder), Intervention, Manhattan, 2001

The water towers on the roofs of Manhattan are a symbol of the city. In January 2001 the appearance of a water tower changed for one day, connecting it to the changing history of Manhattan.

Apache-Deutsch-Wörterbuch für drei Gefängnisse (Apache-German Dictionary for Three Prisons), Intervention, Chemnitz, Zwickau, Waldheim, 2010

A very specific view from Germany on the United States and the indigenous Apache people is created through the Apache-German Dictionary. The writer Karl May (1842−1912) served multiple prison sentences for fraud, among other crimes, in Chemnitz, Zwickau, and Waldheim. He spent most of his time behind bars studying exploration and research literature; and went in a way on his own fictional trip to the Mescalero Apaches in New Mexico. The resulting novels about the Apache Chief Winnetou sustained a strong influence over multiple generations in Germany, and introduced their readers to the Native American tribes of the continental United States. To this day some people still enjoy “Indianercamps” and the Karl May Theater Festival is immensely popular. Interestingly, these books stand in the shelves of the Apache. In their language the word culture is translated as, “where people find focus”. The project was realized in Chemnitz as part of the exhibition Stadt ausrichten from the 7th of August to the 11th of September 2010.

Hans Hs Winkler has lived and worked in both Berlin and New York City since 1995 . His main artistic interests are public spaces and their symbols. From 1988 to 2000 he made urban space installations with Stefan Micheel under the name p.t.t.red (Paint the Town Red) including among others goldener Schnitt durch Berlin (1988-1990) and Statue of Liberty in Red in New York (1996). Hans Hs Winkler co-curated the exhibition legal/illegal (2004) at the NGBK in Berlin and Looking for Mushrooms − Counterculture in San Francisco from the 1950’s to the 1960’s at the Ludwig Museum in Cologne (2008). Between 2005 and 2008 he published the Walking Newspaper in Istanbul, Johannesburg, New York, Havana, Bonn, and San Francisco. 

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"PEACE - dont make me laugh

// You A Two Minute Brother"

ONE NIGHT GROUP SHOW

Freitag/Friday, 29.11.2019, 19:00

Künstler*innen/Artists:

Boris Abel, Michelle Alperin, Mario Asef, Matthias Bade, Jürgen Baumann, Thomas Behling, Jennifer Bennett, Hannes Berwing, Roland Boden, Manuel Bonik, Gunnar Borbe, Johannes Bünemann, Matthew Burbidge, Sonja Burbidge, Astrid Busch, Saskia Breitenreicher, Daniel Chluba, Kyung-hwa Choi-ahoi, Chris Costan, Annedore Dietze, Meike Dölp, Knut Eckstein, Irena Eden & Stijn Lernout, Niki Elbe, Christel Fetzer, Sven-Ole Frahm, Tom Früchtl, Heike Gallmeier, Anne Gathmann, anna onno gatjal, Ingo Gerken, Monika Goetz, Kim Dotty Hachmann, Stephan Homann, Birgit Hölmer, Irène Hug, Henrik Jacob, Hubi W. Jäger, Thomas Jocher, Uwe Jonas, Sven Kalden, Werner Kernebeck, Silke Koch, Karen Koltermann, Karsten Korn, Simone Lanzenstiel, Michael Lapuks, Niina Lehtonen Braun, Sabine Linse, Ingeborg Lockemann & Elke Mohr, Michael Luther, Mahony, Matthias Mayer, Paula Muhr, Leo de Munk, Berit Myreboee, Richard Neal, Joe Neave, Kirsten Palz, Kathrin Rabenort, Nika Radic, Maria-Leena Räihälä, Monika Rechsteiner, Benjamin Renter, Cornelia Renz, Regine Rode, Julia Rüther, Andreas Sachsenmaier, Katrin Salentin, Jochen Schneider, Iris Schomaker, Ann Schomburg, Olivia W. Seiling, Sandra Setzkorn & Emma Grün, Heidi Sill, Johanna Smiatek, Erik Smith, Sean Smuda, Elisabeth Sonneck, Gabriele Stellbaum, Stoll & Wachall, Max Sudhues, Alex Tennigkeit, Anja Teske, Thea Timm, Julian Villaret, Gabriele Volanti, Anke Völk, Linda Weiss, Bettina Weiß, Anke Westermann, Claudio Wichert, Markus Wirthmann, Sibylle Zeh, Gloria Zein, Ella Ziegler, Christof Zwiener

Seit 2005 titelten Zitate vergangener Dekaden (meist aus den 1980er Jahren) die jährlichen One Night Group Shows im Spor Klübü. Dieses Jahr stehen zwei Zitate zur Verfügung, auf die die eingeladenen Künstler*innen Bezug nehmen können: "PEACE - dont make me laugh" und "You A Two Minute Brother". Beide haben ihren Ursprung Beginn der 1990er Jahre und kommen aus der afroamerikanischen Hip-Hop- bzw. Rap-Szene. "PEACE - dont make me laugh" ist die Anfangstextzeile des Songs "Endangered Species (Tales From The Darkside)" von Ice Cube‘s 1990 erschienenem Album "AmeriKKKa's Most Wanted". Der Song richtet sich gegen ein durch Polizeigewalt geprägtes rassistisches Amerika. Im gleichen Kontext sind auch die Texte und die Musik von BWP a.k.a. Bytches With Problems verortet - mit dem Unterschied, dass sie aus einer feministischen Sicht heraus kommen und mit dem männlichen (Rapper-)Patriachentum mächtig aufräumen. Das Zitat "You A Two Minute Brother" stammt aus dem Song "Two Minute Brother" von BWP's ersten und einzigen (veröffentlichten) Album "The Bytches".

"PEACE - dont make me laugh" – transferiert man diesen Ausspruch in das aktuelle politische Zeitgeschehen, so könnte man es nicht besser ausdrücken. Nachdem sich das „Fake- oder Falschreden“ auf politischer Ebene mehr denn je etabliert hat, werden nunmehr kriegerische Absichten und Völkerrechtsverletzungen zu Friedensmissionen erklärt. Man braucht die handelnden Personen nicht nennen, denn ihr Stil ist - wie sie - nicht nur bekannt, sondern erzeugt auch kein Erschrecken mehr oder einen kollektiven internationalen Aufschrei. "You A Two Minute Brother". Nur wenige weibliche Hip-Hop-Musikerinnen haben es geschafft, ihren männlichen Kollegen in Sachen derber Songtexte mit verachtenden Ausdrücken gegen das andere Geschlecht ebenbürtig zu sein. Die „Bytches“ taten genau das und verkörperten dabei Gerechtigkeit, auch wenn sie das auf die gleiche vernichtende Art taten. In "Two Minute Brother" schlagen sie eine Kerbe in das Machogehabe und treffen die (vorgegebene) Männlichkeit an empfindlicher Stelle - beim Sex.

English:

Since 2005, quotations from past decades (mostly from the 1980s) have been the titles of the annual One Night Group shows at Spor Klübü. This year there are two quotes available to which the invited artists can refer: "PEACE - dont make me laugh" and "You A Two Minute Brother". Both have their origins in the early 1990s and come from the Afro-American hip-hop and rap scene. "PEACE - dont make me laugh" is the opening line of the song "Endangered Species (Tales From The Darkside)" from Ice Cube's 1990 album "AmeriKKKa's Most Wanted". The song is directed against a racist America marked by police violence. The lyrics and music of BWP a.k.a. Bytches With Problems are also located in the same context - with the difference that they come from a feminist point of view and powerfully clear up the male (rapper) patriarchy. The quote "You A Two Minute Brother" comes from the song "Two Minute Brother" from BWP's first and only (published) album "The Bytches".

"PEACE - dont make me laugh" - if you transfer this saying into current political events, you couldn't put it better. Now that "fake or false talk" has established itself more than ever on the political level, warlike intentions and violations of international law are now being declared peace missions. There is no need to name the people involved, because their style is - as they are - not only known, but also no longer generates fright or a collective international outcry. "You A Two Minute Brother. Only a few female hip-hop musicians have managed to equal their male counterparts in terms of crude lyrics with contemptuous expressions against the opposite sex. The "Bytches" did exactly that and embodied justice, even if they did it in the same devastating way. In "Two Minute Brother" they make a notch in the macho behaviour and hit the (given) masculinity in a sensitive place - during sex.

"MOVEMENT OF EMOTIONS / DEFENSE"

Ella Ziegler

Andrei van Wyk, Jarrett Erasmus (sound/composition)

Jan Maribe (sculpture)

31.08.-15.09.2019

Eröffnung/Opening: 30.08.2019, 19:00

Öffnungszeiten/Opening hours:

31.08. + 01.09.2019: 15:00-18:00

02.-11.09.2019 nach tel. Vereinbarung/by appointment

12.-15.09.2019, 13:00-16:00 (Berlin Art Week)

„Erinnerst Du dich an das Spiel, das wir hier als Kinder gespielt haben ... wir haben an die Haustüren der Leute geklopft und sind dann weggelaufen ... bis ein Mann mit einer Pistole in der Hand die Tür geöffnet hat."

Abrie Fourie

MOVEMENT OF EMOTIONEN/DEFENSE ist eine künstlerische Kollaboration, die die Unmittelbarkeit der Darstellung von Emotionen in den künstlerischen Medien Fotografie, Video, Text, Sprache und Ton untersucht.

Der besondere Fokus von Ella Ziegler liegt auf Verteidigungsstrategien, die Menschen und Tiere entwickeln, wenn sie körperlich oder emotional bedroht oder angegriffen werden. In Zusammenarbeit mit den südafrikanischen Künstlern Andrei van Wyk und Jarrett Erasmus entwickelte sie eine audiovisuelle Installation für den Projektraum SPOR KLÜBÜ, die sich mit den Bedingungen und Folgen der zunehmenden Kriminalität in der südafrikanischen Stadt Johannesburg befasst und dort vor Ort entwickelt wurde.

Einer der Hauptgründe für die Angst in Südafrika ist die Kriminalität und eine der größten Hoffnungen sind Mauern, Zäune und intelligente Sicherheitssysteme, die vor Kriminalität schützen, aber keine Kriminalität bekämpfen. Viele Südafrikaner leben in einem Käfig - sind hinter sehr hohen Mauern und digitalen Sicherheitssystemen von der Außenwelt abgeschirmt. Private Lebensräume fühlen sich zunehmend wie Festungen an, die dystopischen Orten ähneln und vom öffentlichen Raum vollständig isoliert sind.

Die wachsende Sicherheitsbranche in Südafrika investiert zunehmend in die Entwicklung von Sicherheitstechnologie und verspricht ihren Kunden mit absurden und übertriebenen Sicherheitssystemen ein Leben ohne Angst. Dies steht im Gegensatz zu der Tatsache, dass sich nur ein sehr kleiner Prozentsatz der südafrikanischen Bevölkerung hohe Mauern und intelligente Sicherheitssysteme leisten kann, während das große Armutsproblem, das die Hauptursache für Kriminalität darstellt, ungeklärt bleibt. So werden höhere Mauern und Zäune oder intelligentere Sicherheitssysteme zu Symbolen für die Kluft zwischen Armut und Wohlstand.

Ella Ziegler erweitert ihre Recherchen, indem sie sowohl Verteidigungsstrategien von Tieren betrachtet, als auch die verheißungsvolle Rhetorik der Werbeslogans für Sicherheitssysteme zitiert.

Skulpturen des südafrikanischen Künstlers Jan Maribe sind Teil der Installation.

Diese Ausstellung ist Jan Maribe gewidmet, der während der Entwicklung dieses Projekts verstorben ist.

„Remember the game we here playing as children ... we were knocking on people’s doors and then ran away ... until a man with a gun in his hand opened the door."

Abrie Fourie

MOVEMENT OF EMOTIONS / DEFENSE is an artistic research project that looks at and investigates the immediacy of the performance of emotions in the artistic media of photography, video, text, spoken word, and sound.

Ella Ziegler's specific focus is on defense strategies that people and animals develop when they are physically or emotionally attacked or threatened. In collaboration with the South African artists/musicians Andrei van Wyk and Jarrett Erasmus, Ella Ziegler developed a sonic and visual environment, which resonates with the increasing crime in the South African city Johannesburg. One of the significant reasons for fear in South Africa is crime and one of the greatest hopes are walls, fences, and smart security systems, which protect from crime but don't fight crime.

Many South Africans live a "caged-in" existence, shut out from the outside world behind intense security systems and very high walls. Living spaces then start to resemble armored fortresses with a distinctly dystopian flavour. The security industry in South Africa has invested heavily in the development of technology usage in home security, in most cases, absurd and over-the-top installations. This stands in contrast to the fact that a tiny percentage of people in SA are building higher walls whilst the vast poverty issue, which is the main cause of crime, remains unaddressed. So higher walls and fences and smarter security systems become icons for the gap between poverty and wealth.

The theme of self-defense strategies and security systems then gradually widens into a broader question of animal defense strategies and the advertising rhetoric of companies selling security systems.

Sculptures by South African artist Jan Maribe will be part of the installation.

This exhibition is dedicated to Jan Maribe who died in the process of developing this project.

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It doesn’t have a Shape, it has a Shadow

Michelle Atherton, Jette Gejl and TC McCormack

30.03.-12.04.2019

Eröffnung/Opening: 29.03.2019, 19:00

Öffnungszeiten/Opening hours:

Sa./Sat., 30.03. + So./Sun., 31.03.: 15:00-18:00

01.04.-12.04. nach tel. Anmeldung/by appointment

Most stories have a shape to them, well this story doesn’t have any shape, but it does have a shadow. We could try to describe the shadow (of it), but by the time we get to the end... the sun will have shifted position and the dimensions of the story’s shadow will be a geometric perversion of what they were at the start.

‘The biologist Stuart Kauffman speaks of what he calls the adjacent possible. This consists of “all those [entities] that are not members of the actual, but are one reaction step away from the actual.” Something is adjacently possible if it can be actualized in a single step: like a point mutation, or a chemical reaction leading to a new configuration of matter. ... Steven Johnson, amplifying Kauffman’s idea, describes the adjacent possible as “a kind of shadow future, hovering on the edges of the present state of things, a map of all the ways in which the present can reinvent itself.... What the adjacent possible tells us is that at any moment the world is capable of extraordinary change, but only certain changes can happen.’1

This exhibition is conceived as a site of excavation. Michelle Atherton, Jette Gejl and TC McCormack have assembled a group of material gestures and phenomena that draw on our past imperfect to speculatively reach into a shadow future.

Michelle Atherton

Backdrop: The Repository of Irrational Gestures (RIG’s) ♯ IIII

A looped video work with printed backdrop and lights.

Situated in a landscape, a blow-up of a C16 engraving intermittently illuminated by coloured lights, RIG’s ♯ IIII brings together a new dissonant sequence of irrational gestures that evolve and are clashed together over the duration of the video. If we can agree that the irrational describes those actions, thinking and behaviours that appear to be more illogical than other alternatives; then, the artwork opens up a space to consider past and present conceptualisations of irrationality.

With contributions from Anita Delaney, Jessica Harrington, Dr Wendy Leeks and Lucy Lound.

Jette Gejl

I like beige and beige likes me

This work offers a reinterpretation of Joseph Beuys piece ‘I like America and America likes me’ and seeks, from an idiosyncratic angle, to heal the collective hysteria surrounding the encounter with the unknown. The work consists of the VR work ‘Beige Space’ which shall be experienced using a head mounted display, a poster with DNA mapping of the two wolf species ‘Canis Latrans - Canis Lupus’, a plinth with the calcareous clay ‘Mergel’ and a text.

TC McCormack

All our Ships are at Sea

A looped audio work, with video diptych, a mural pattern, suspended fabric prints and set of images.

At its centre, this assemblage features a spoken text, were voices speak of a divergent fragmentation, a dissembling and of displacement. Likewise the visual language alludes to an ungraspable slippage of content. The imagery adapts evasive optical registers, drawn from a stealth technology and topological features. Foregrounding the spatial qualities of patterned surface with the temporal conditions of sound, enables a move away from more conventional narrative structures to explore a more immersive and intimate environment.

1. Unpredicting the Future (2018), by Steven Shaviro https://alienocene.com/2018/04/01/futurity-and-science-fiction/

Biographies

Michelle Atherton is an artist working with images and temporal states, that is researching particular moments or sets of conditions in our collective histories. The aim of the work is to probe these entanglements and the complexities that surround us. All her work is image-based, holding a long-standing fascination with the fact that images appear to be all front. Part of the research investigates the potency of the image in its rhetorical and ambiguous forms; and our encounters with it. The work often incorporates video, photography, sound, collage and writing. The work cultivates a type of image-dissonance, through a series of after or pre-images. Her artwork and research has been supported by the Arts Council UK and the Arts and Humanities Research Council and shown throughout Europe in variety of contexts including galleries and museums, festivals, and conferences, and via publication.

Jette Gejl is a visual artist and academic at Aarhus University, Denmark. Her work balances between a deep idiosyncratic self-reflection and an understanding of the collectives socio-historical culture-bearing icons - such as memory. She often seeks more criticality in dialogue with the viewer, which often involves them entering into performative or participation with her work. Recent exhibitions include: Fregatten Jylland vs Ks. Jylland, Ebeltoft 2019, All Shadow Shines, Udsmykning Niels Bohr Institut, 2018. Interwoven Landscapes vol. 2, Ks. Jylland, Jens Søndergaard Museum, Heltborg, 2018. As Much about Forgetting, Viborg Kunsthal. 2018. Interwoven Landscapes vol. 2, Den Gyldne, Rundetårnet, Kbh.2018. THEY ARE STICKY, PERHAPS YOU CAN SAY MAGNETIC, KunstRaum, Linz, Austria 2018. ART BY NUMBERS, Sydhavnsgade 7, Aarhus, 2016. There Is Something Rotten in The State of Denmark, Galleri Grundstof, Denmark, 2016.

TC McCormack is an artist who’s central preoccupation has always been with how we navigate the space between the legacy of modernism and the reach of contemporaneous media. He makes work that explores the aesthetics of cultural memory and considers various phenomena of resistance space. His work is primarily based in film and installation, yet also spans collage, photography and text. This cross disciplinary approach enables me to inhabit a number of artistic, curatorial and research strategies. His research involves searching through archives and speculative contexts, in the social sphere, architecture, film history, sculpture, technology, museology and urban planning. TC has exhibited widely internationally and the UK, his work is commissioned by arts institutions and galleries. www.tcmccormack.co.uk

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TRANSIT #3

„CUT TRANSIT“

Birgit Hölmer

Fr., 22.02.2019, 19.00 Uhr

Ort: FORD TRANSIT - Parkplatz vor den Uferhallen, Uferstr. 8, 13357 Berlin–Wedding

Birgit Hölmers CUTS, die seit einiger Zeit immer wieder in – meist Berliner –Fensterscheiben zu sehen sind, entstehen fast immer ohne Auftrag. Die Künstlerin sucht selbst nach leerstehenden Erdgeschoßräumen, deren Scheiben sie nutzen kann, ohne um Erlaubnis fragen zu müssen.

Die Verbindung des zerbrechlichen Materials Glas mit dem Begriff CUT kann zunächst vermuten lassen, dass die Künstlerin Schnitte im Glas vornimmt, was von weitem und auf den ersten Blick auch so aussehen mag. Die geraden oder gekrümmten, fast wie Schraffuren parallel geführten Linien befinden sich jedoch nicht in, sondern befinden sich auf der Scheibe, sie selbst bleibt – zumindest durch Birgit Hölmers Intervention – unversehrt. Die Künstlerin setzt eine Technik ein, die sich kaum in traditionelle Kategorien wie Zeichnung, Malerei oder Collage einordnen lässt. Die CUTS entstehen durch das Aufkleben schmaler, unterschiedlich farbiger Randstreifen, die bei der Herstellung von Klebestickern abfallen.

In einer Druckerei, in der solche Sticker auf großen Bögen ausgeprintet werden, holt Birgit Hölmer die Abschnitte, die beim zurechtschneiden der Bögen entstehen und die sonst im Abfall landen oder vielleicht recycelt werden würden, regelmäßig ab und füllt mit ihnen die Ladefläche ihres Autos. So hat sie ihr Material stets parat, wenn sie sich als motorisierte Flaneurin auf die Suche nach geeigneten Orten für neue CUTS begibt

In Birgit Hölmers CUTS ist eine subtile Kritik an der Gentrifizierung implizit enthalten. Die CUTS nisten sich gleichsam in den Nischen ein, die es meist nur temporär in einer Stadt gibt, deren Immobilienbestand immer mehr durch das Agieren von Großinvestoren bestimmt ist. Die Orte, an denen Künstler leben und arbeiten können, gehen zunehmend verloren oder werden für sie unbezahlbar. So führt Birgit Hölmers Kunst, die quasi aus einem mobilen Atelier heraus im öffentlichen Raum entsteht, letztlich mit rein ästhetischen Mitteln vor, was in Zukunft vielleicht für viele Künstler noch die einzige Arbeitsmöglichkeit sein könnte: sich ohne Atelier und ohne Auftrag Orte anzueignen, an denen man sie überhaupt noch Kunst machen lässt. So finden sich viele indexikalische Verweise auf den urbanen Kontext, in dem Birgit Hölmers CUTS entstehen. Dazu ist es gar nicht nötig, dass die Kompositionen selbst eine soziale oder politische Aussage enthalten. Ihre Schönheit und Vielfalt können sich in ihrer ästhetischen Autonomie frei entfalten und behaupten.

(Ludwig Seyfarth)

„CUT TRANSIT“

Die Serie „TRANSIT“ ist dadurch gekennzeichnet, dass sie den räumlichen Wandel vor dem Hintergrund der Gentrifizierung thematisiert. Wenn Birgit Hölmer nun die Fensterscheiben des Ford Transits in ihrer einzigartigen Art und Weise bekleben wird, dann treffen zwei gleiche Aussagen aufeinander bzw. erhöhen sich gegenseitig. Die Projektidee wird mit sich selbst multipliziert. Auch der Ford Transit wird als Ort der Verdrängung gekennzeichnet. Hölmer‘s Kunstgriff könnte in eine apokalyptische Zukunft weisen. Schaffensräume – seien sie aus der Not noch so spontan und minimalistisch entstanden - könnten auch ganz unmöglich werden. Kunst und Künstler*innen in der Zwangsjacke an ihrem absoluten Ende angekommen. Dieses trickreiche Ausrufezeichen könnte im Sinne des Projektkonzepts mit der freien Ortswahl der Künstler*innen für den Stellplatz des Ford Transits nicht geschickter platziert sein. Auf dem Gelände der Uferhallen, das jüngst Geschichte machte, weil es der Profitgier der Investoren endgültig zum Opfer fiel und den Totentanz der Künstler*innen herauf beschwor.

(Text: Matthias Mayer)

"TRANSIT series"

Unzentral. Ab vom Schuss. In der Peripherie. Der Laderaum eines Ford Transit Baujahr 1995 wird zum Ausstellungs- und Interventionsort für Kunst. Der Abstellort des Fahrzeuges korrespondiert mit der Raumsituation der „wachsenden“ Stadt. Urbane Orte der Sehnsucht, des peripheren Trubels oder der Einsamkeit werden für eine Nacht Teil eines Gesamtkunstwerks. Sieben Kubikmeter Ladung, die Ausdruck darüber verleiht, was in der Stadt blüht, sich ständig erneuert und manifestiert. Ungezügelt und wild wie die Flora und Fauna im Kampf gegen Beton und Asphalt. Aufblühende Transit-Kunstlandschaften im Lückenraum der sich verdichtenden Stadt im Clinch mit gesellschaftlichen Dogmen, neoliberalem und kapitalistischem Gedankengut. Experiment. Freude. Und Glück. Im Abseits doppelt wahr.

Die neue Serie „TRANSIT“ als Teilaktivität der Projektraums Spor Klübü umspinnt Themen wie Ökonomien, Verdrängung und Wandel. Sie spielt im urbanen Raum und öffnet neue Horizonte. Eingeladene Künstler*innen bestimmen ihren Ausstellungsort selbst. Der Raum folgt – er begibt sich zum Wunschort und wird dort installiert. Kein „White Cube“, eher blue cube, brown cube, black cube, shiny cube, rainy cube, cold cube, rockin‘ cube - eben „NoCube (at all)“. Die Kunst (er)scheint auf der Durchreise und doch ist sie immer schon da!

TRANSIT #2

„Kackt auf's Kapital“

Uwe Jonas

25.01.2019

„Kackt auf's Kapital“ - Ein Graffiti in der Nähe des Ausstellungsortes ruft hierzu auf und wurde teils mit einem Regenbogen übermalt. Hört sich infantil und nach Vergangenheit an, trotzdem hat es etwas von morgen, dem Aufbruch zur Rebellion, nur ein Gefühl, dass sich etwas ändern sollte. Um dieses Unspezifische geht es an dem unwirklichen Ort einer Stadtvision der 1970er Jahre, neben der Stadtautobahn, oben die Schnellstraße, im Blick der Bierpinsel an einem funktionslosen Unterstand. Einmal die durchkapitalisierte neoliberale Lebenswirklichkeit vergessen, an einem Ort, der vor fast 60 Jahren das Bild einer glorreichen Zukunft zeichnete und heute aus dem Blick der Verwertungsinteressen gefallen ist.

Ort: FORD TRANSIT, geparkt hinter Parkhaus Dünther Str., 12163 Berlin-Steglitz auf der Rückseite in der Düppelstr. vorm Treppenaufgang zur Joachim-Tiburtius-Brücke

ÖNV und Wegbeschreibung von Station: U9-Schloßstraße, südlicher Ausgang Schildhornstr, weiter Richtung Ausgang Florastr., Rolltreppe hoch, links am Spielwarenladen unter der Brücke vorbei, Fußgängerweg geradeaus unterhalb der Brücke entlang, über Dünther Str. auf der linken Seite am Parkhaus vorbei zur Düppelstr., Parkplätze gegenüber vor Treppenaufgang Brücke

Uwe Jonas (geb. 1962, Studium der Politikwissenschaften, Dipl. pol.) arbeitet seit 1993 als Bildender Künstler und Kurator in Berlin. Er verfolgt einen konzeptionellen, kontextorientierten Ansatz mit dem Fokus auf gesellschaftliche Transformationsphänomene. Ausstellungen neben Berlin u.a. in Bengalore, Buenos Aires, Dakar, Den Haag, Helsinki, Innsbruck, Jekaterinburg, Wien. Initiierte und kuratierte Projekte u.a. Pilotprojekt Auwiesen (im Rahmen des Festivals der Regionen, Linz) 2009, ab 2011 „Lichtenberg Studios“, 2000-2013 Betreiber des Projektraums „Neues Problem“, ab 2015 Kurator „studio im HOCHHAUS“.

„ÄRMEL AUFKREMPELN ZUPACKEN AUFBAUEN!"

ONE NIGHT GROUP SHOW

Freitag, 30.11.2018, 19.00 Uhr

Künstler*innen:

Boris Abel, Sonja Alhäuser, Mika Andersen, Robert Barta, Matthias Beckmann, Thomas Behling, Hannes Berwing, Antje Blumenstein, Pedro Boese, Gunnar Borbe, Saskia Breitenreicher, Johannes Bünemann, Matthew Burbidge, Astrid Busch, Alexander Callsen, Till Cremer, Rolf Czulius, Nataly Dietz, Knut Eckstein, Irena Eden & Stijn Lernout, Niki Elbe, Frederik Foert, Björn Geipel, Monika Goetz, Massoud Graf-Hachempour, Ben Greber, Thomas Grötz, Lise Harlev, Alekos Hofstetter, Stephan Homann , Birgit Hölmer, Sonja Hornung, Irène Hug, Henrik Jacob, Hubi W. Jäger, Jakob Jensen, Thomas Jocher, Uwe Jonas, Klaus Jörres, Sven Kalden, Silke Koch, Karen Koltermann, Karsten Korn, Simone Lanzenstiel, Julia Lazarus, Lichtstrahl & Bleiche, Simon Lindhardt, Sabine Linse, Ingeborg Lockemann und Elke Mohr, Christine Lohr, Martin Löhr, Frank Maier, Gerhard Mantz, Matthias Mayer, Stefanie Mayer, Wolfgang Mayer, Ulrike Mohr, Peter Müller, Paula Muhr, Leo de Munk, Berit Myrebøe, Kirsten Palz, Manfred Peckl, Kathrin Rabenort, Thomas & Renée Rapedius, Maria-Leena Räihälä, Benjamin Renter, Cornelia Renz, Ioannis Savvidis, Katalin Schaak, Olivia W. Seiling, Johanna Smiatek, Erik Smith, Elisabeth Sonneck, Anne Staszkiewicz, Gabriele Stellbaum, Vassiliea Stylianidou mit Justice for Zak / Zackie Block Berlin (queer activists from greece and Soli Tsoli group), Stoll & Wachall, Max Sudhues, Anja Teske, Lina Theodorou, Peter Torp, Chryssa Tsampazi, Micki Tschur, Kata Unger, Julien Villaret, Gabiela Volanti, Anke Völk, Florian Wagner, Christine Weber, Linda Weiss, Anke Westermann, Barbara Wille, Markus Wirthmann, Michaela Zimmer, Christof Zwiener

Nach einem Jahr Aussetzen kommt sie nun wieder, die One-Night-Group-Show im Spor Klübü. Und nachdem seit 2005 zehn Exemplare dieses Ausstellungsformats Zitaten aus den 1980er Jahren gewidmet waren, werden sie nun auch aus anderen Dekaden kommen. Den Beginn dieser Öffnung bestreitet Franz Josef Degenhardt mit dem Zitat „Ärmel aufkrempeln - zupacken – aufbauen“ aus dem Jahr 1968. Viele Alben, aber nur wenige Singles hat er zu Lebzeiten veröffentlicht. „Vatis Argumente (Ärmel aufkrempeln-zupacken–aufbauen)“ war seine erste Veröffentlichung als Single (später auch als Maxi-Single erschienen).

Das im Lied festgehaltene Gespräch führt „Vati“ nicht etwa mit Rudi Dutschke persönlich, sondern es wird erzählt aus der Sicht des Kindes als imaginäres Gespräch. In einer emotionalen Rede preist „Vati“ seine Leistungen und Errungenschaften im Abgleich mit Dutschke und seinesgleichen. Idealtypisch beschreibt der Text die generationsbedingten unterschiedlichen gesellschaftlichen und politischen Perspektiven einer Eltern-Kind-Beziehung zu Zeiten der linksgerichteten Studentenbewegungen der 1960er Jahre. Armer und fleissiger Aufbauer versus Revoluzzer, Scharlatan und Faulenzer. Er - „Vati“-  hat so unglaublich Recht, denn letztendlich hat er den Grundstein dafür gelegt, dass andere nun ein freigeistiges Leben führen können und zu allem Überfluss dann auch noch „klugscheissen“. Klingt eigentlich korrekt, aber leider bemerkt „Vati“ nicht, dass er inhaltlich nicht viel zu bieten hat und mit seiner rückwärts gerichteten und verklärten Sicht auch völlig alleine steht bzw. eher Verachtung als Lob erntet.

Was bedeutet das damalige Gespräch eigentlich für heute? Ist es immer noch das gleiche generationsbedingte konfliktgeladene Phänomen, oder lässt sich das heute gar nicht mehr so eindeutig lokalisieren? Weil es etwa diesen „Vorsprung“ der jungen Generation, diese frische neue Ernsthaftigkeit im Umgang mit Gesellschaft und Politik, die im Grunde automatisch zu einer engagierten Haltung führen muss, nicht mehr gibt? Fehlen die großen Impulse dafür? Gründe hat bzw. hätte man ja ausreichend, sogar mehr denn je, oder?  Was wären „gesunde“ Anzeichen für eine Wiederholung dieser Geschichte von 1968? Cool bleibt jedenfalls „Vati“ trotzdem. Ärmel hochkrempeln – zupacken – aufbauen. Das klingt wirklich cool!

„GESCHIEBE“

Ulrike Mohr

27.10.-03.11.2018

Ulrike Mohr / Geschiebe, 2018

Am Grund entlang schleifende grobe Steine und Äste, die gurgeln, schieben, kratzen, fallen, poltern, schrammen und kritzeln und nicht im Wasser schweben, bezeichnet man als Geschiebe. Die im Sommer 2018 am Gotthardmassiv entstandene Arbeit „Geschiebe“ beschäftigt sich mit dem Aufzeichnen von Zeit und Naturkraft, deren Manifestationen Ulrike Mohr auf zwei Kupferplatten zeigt.

Ulrike Mohrs künstlerische Haltung nutzt Transformationsprozesse von Materialien, die wiederum von komplexen Forschungsergebnissen, tradiertem Wissen, aber auch von Zufällen beeinflusst werden. Ausgehend von Naturbeobachtungen besitzen ihre Arbeiten eine eigene stoffliche Präsenz, die die Künstlerin in artifizielle Räume, den öffentlichen Raum oder den Ausstellungsraum überträgt. Ihre Position als Bildhauerin ist das Resultat eines prozessorientieren Umgangs mit kontextbezogenen Materialien, die sie in poetische Installationen, Interventionen und großformatige Raumzeichnungen überführt. Dabei gilt ihr Interesse der Sichtbarmachung von Beziehungen zwischen Ästhetik und Wissenschaft - Gegenwart und Vergangenheit.

Ulrike Mohr wurde 1970 in Deutschland geboren, lebt und arbeitet in Berlin. Sie stellt regelmäßig in internationalen Einzel- und Gruppenausstellungen aus und realisiert diverse Arbeiten im öffentlichen Raum, u.a. Kunstverein Arnsberg; Kunstverein Heidelberg; ARTER, Istanbul; Center of Contemporary Art, Polen; Z33, house for contemporary art, Begien und Kunsthal 44 MØEN, Dänemark. Sie war Teilnehmerin von: Sinopale, International Sinop Biennial, “Transposition", Sinop, Türkei; 6th Nordic Biennial, "Momentum - Imagine Being Here Now", Norway; 5. Berlin Biennale für Zeitgenössische Kunst, "When things cast no shadow", Berlin. Ulrike Mohr erhielt das Elsa-Neumann-Stipendium des Landes Berlin und zahlreiche Stipendien wie das Kulturaustauschstipendium des Berliner Senats nach Istanbul und das Arbeitsstipendium der Stiftung Kunstfonds.

TRANSIT #1 

„Karthamazän“

Johannes Bünemann

Wohin mit dem Plastikgehirn? Ehemals Brutstätte oder Nest kühner Ideen, Spekulationen und Ideologien, Erzeuger der Wahnbilder, der Götzen, die längst ausgedient haben. Jahrhunderte haben sich längst auf den Augenblick zusammengezogen. Sehnsüchte und Erwartungen brauchen keine stammelnden Worte mehr, die kurze Ansage ist das was zählt.

Für ein paar Taler mehr kommt sie dann auch fix an, die neue Verpackung. Die Tüte, die Tube, der Schlauch, der Sack, die Kiste, der Karton. Danach dann Haufen, Halde, Berg oder Insel. Nicht der Inhalt zählt, sondern das Äußere. Die Form ist was bleibt – die eigentliche Hinterlassenschaft. Dieser Stoff - lange unterschätzt, weggeworfen, verbrannt, zerknüllt, und zerrissen, und doch nicht aus der Welt zu schaffen. Höchste Zeit für eine Remythologisierung!

Wir können es schaffen! Neue Götzen müssen her!! Erklären wir die inhaltslose Form zur höchsten Form, die entleerte, ausgequetschte, ausgelutschte, ausgelaufene, ausgelöffelte, ausgedrückte Form. Die maximale Ausdrucksform!

(Text: Johannes Bünemann)

Die Installation und Performance von Johannes Bünemann bildet den Auftakt der Serie „TRANSIT“ des Projektraums SPOR KLÜBÜ. Erster Ort der Intervention ist ein großer Parkplatz in Lichtenberg Bornitzstr./Ecke Ruschestr., der scheinbar im Niemandsland zwischen Brache und Ruine, Baustelle, Handel und Gewerbe auf der Rückseite eines gewerblich genutzten Gebäudes liegt.

Adresse: Ruschestraße 64, 10365 Berlin (Der dunkelblaue Ford Transit steht hinter dem Gebäude in der Ruschestr. 64 im hinteren Bereich des Parkplatzes, der an die Brache anschließt). Beginn: 18.00 Uhr

TRANSIT series

Unzentral. Ab vom Schuss. In der Peripherie. Der Laderaum eines Ford Transit Baujahr 1995 wird zum Ausstellungs- und Interventionsort für Kunst. Der Abstellort des Fahrzeuges korrespondiert mit der Raumsituation der „wachsenden“ Stadt. Urbane Orte der Sehnsucht, des peripheren Trubels oder der Einsamkeit werden für eine Nacht Teil eines Gesamtkunstwerks. Sieben Kubikmeter Ladung, die Ausdruck darüber verleiht, was in der Stadt blüht, sich ständig erneuert und manifestiert. Ungezügelt und wild wie die Flora und Fauna im Kampf gegen Beton und Asphalt. Aufblühende Transit-Kunstlandschaften im Lückenraum der sich verdichtenden Stadt im Clinch mit gesellschaftlichen Dogmen, neoliberalem und kapitalistischem Gedankengut. Experiment. Freude. Und Glück. Im Abseits doppelt wahr.

Die neue Serie „TRANSIT“ als Teilaktivität der Projektraums Spor Klübü umspinnt Themen wie Ökonomien, Verdrängung und Wandel. Sie spielt im urbanen Raum und öffnet neue Horizonte. Eingeladene Künstler*innen bestimmen ihren Ausstellungsort selbst. Der Raum folgt – er begibt sich zum Wunschort und wird dort installiert. Kein „White Cube“, eher blue cube, brown cube, black cube, shiny cube, rainy cube, cold cube, rockin‘ cube - eben „NoCube (at all)“. Die Kunst (er)scheint auf der Durchreise und doch ist sie immer schon da!

„Fig. 1.“

Hervé Humbert

06.10.-13.10.2018

Eröffnung: Freitag, 05.10.2018, 19.00 Uhr

Öffnungszeiten: Sa., 06.10. und So., 07.10., 15.00-18.00 Uhr

sowie von 08.- 13.10.2018 nach telefonischer Vereinbarung

„Scène ouverte“ (Produktion „tropez“ 2017), ist eine modulare Struktur aus Baugerüstelementen, die als Bühne verwendbar ist. Das Baugerüst, das normalerweise der Konstruktion und Renovierung dient, wird selbst zur „leichten Architektur“. Die in Form und Aussehen - je nach Verwendung - variabel und immer wieder neu erdachte und gebaute bunte Skulptur steht u.a. zur Verfügung für Tanzvorführungen, Talks, Konzerte, Lesungen und Filmabende. Die Farbgebung der einzelnen Stangen, Füße und Verbindungselemente ist der des Fells des europäischen Bienenfressers nachempfunden.

In Spor Klübü geht „Scène ouverte“ jetzt mit "Fig.1." auf ihre Ursprünglichkeit – sozusagen den Nullpunkt - zurück und symbolisiert damit in konzentrierter Weise das Schaffensspektrum der Skulptur an sich. Unentfaltet, kompakt als Bausatz in der Mitte des Raums gestapelt, liefert sie hier den Ansatz, der es jeder Nutzerin/jedem Nutzer ermöglichen würde, nach freier Anleitung und je nach Bedarf, eine ggf. verwendbare Struktur selbst entstehen zu lassen.

Hervé Humbert‘s Arbeiten beschäftigen sich an der Schnittstelle zwischen Kunst, Design und Architektur. Immer wieder greift er auf bestehende Elemente des Stadtraums bis hin  zur Modeindustrie zu und lädt sie durch gezielte Eingriffe symbolisch zu Kunstgegenständen auf. Mit "Fig.1." thematisiert er auch ein gesellschaftliches und industrielles Phänomen. Ähnlich der Produkte in Selbstabholer-Möbelmärkten findet man in der Anordnung von "Fig.1." einen vergleichbaren Ansatz. Den Verwerter*innen wird es ermöglicht, einen Nutzgegenstand zusammenzubauen. Mit dem Unterschied, dass bei Hervé Humbert das Ergebnis nicht bereits im Voraus festgelegt ist.

Selected works from Ira Schneider's enormous film and video archive

28.08.2018, 19.00-21.30

Screening

im Rahmen des Project Space Festival 2018

Ira Schneider sagte kürzlich: "Ich bin der Großvater der Videokunst". Und tatsächlich ist seine Geschichte in der Videokunst älter als die der meisten Menschen auf diesem Planeten. Legendär ist die Multi Channel Video Installation „Wipe Cycle“, die er zusammen mit Frank Gillette 1969 bei der ersten Videokunst Gruppenausstellung "TV as a Creative Medium" in der Howard Wise Gallery in New York City ausgestellt hat. Seit dem ist eine ungeheuere Menge an Arbeiten und Videomaterial entstanden, das Schneider bis heute immer wieder neu zusammenstellt und bearbeitet. Circa 20 kürzere Arbeiten bzw. Video-Collagen aus den letzten 50 Jahren wird er im Spor Klübü in einem 2,5-stündigen Screening präsentieren.

Ira Schneider recently said, "I'm the grandfather of video art." And indeed, his history in video art is older than that of most people on this planet. Legendary is the multi-channel video installation "Wipe Cycle", which he exhibited together with Frank Gillette in 1969 in the the first group video exhibition "TV as a Creative Medium" at the Howard Wise Gallery in New York City. Since then, a tremendous amount of work and video material has been created, which Schneider continues to rearrange and process to this day. He will present ca. 20 shorter works or video collages from the last 50 years in Spor Klübü in a 2.5-hour screening.

„Licht auf Bornholm“

Ingeborg Lockemann und Elke Mohr

Videoprojektion

30.06.-07.07.2018

Eröffnung: Freitag, 29.06.2018, 19,00 Uhr

Öffnungszeiten: Sa., 30.06. und So., 01.07., 15.00-18.00 Uhr

sowie von 02.- 07.07.2018 nach telefonischer Vereinbarung

Das Video „Licht auf Bornholm“ zeigt die beiden Künstlerinnen zunächst in verschiedenen Räumen eines Rohbaus. Ihre mitunter synchronen Bewegungen und Bemühungen unterscheiden sich von solchen, die man auf einer Baustelle bei der Herrichtung von Gebäuden und Räumen erwarten würde. Im Gegenteil: Sie weisen auf Tätigkeiten hin, die der umbaute Raum im Grunde schon verunmöglicht hat.

Drehorte sind eine Großbaustelle für Eigentumswohnungen der gehobenen Kategorie, ein Kleingarten in der Anlage Bornholm I im Bezirk Berlin-Pankow sowie unterschiedliche Situationen in der Gartenkolonie Oeynhausen in Berlin-Wilmersdorf. Weitere Akteure sind die Band Harald Wilk & Friends und die Linedancer der Kleingartenanlage Bornholm II.

Ausgangspunkt der Arbeiten von Ingeborg Lockemann und Elke Mohr sind der Raum und seine kultur- und architekturgeschichtlichen Bestimmtheiten. Gegebenheiten und Situationen des öffentlichen Raums werden zur Bühne für ihre performativen Handlungen und Narrationen. Der lokale Bezug wird vernetzt mit weiteren Kontexten, was die Untersuchung in einen neuen Rahmen stellt. Oft sind diese Kombinationen skurril und ermöglichen ungewohnte Perspektiven der Wahrnehmung.

Die Fotoserien und Videos der Künstler*innen bilden häufig Körperhaltungen und Bewegungen ab. Den vorgefundenen Settings werden mitunter einfache Accessoires, ausgeliehene Gegenstände oder installative Elemente hinzugefügt.

Ingeborg Lockemann und Elke Mohr leben und arbeiten in Berlin. Seit ihrer gemeinsamen Studienzeit an der Berliner Kunsthochschule Weißensee entwickeln sie gemeinsame Projekte.

„THE PARTY“

Jérôme Chazeix

24.03.-31.03.2018

Eröffnung: Freitag, 23.03.2018, 19.00 Uhr

Öffnungszeiten: Sa., 24.03. und So., 25.03., 15.00-18.00 Uhr

sowie von 26.03.- 31.03.2018 nach telefonischer Vereinbarung

Mit seiner Arbeit „THE PARTY“ beschließt Jérôme Chazeix die Projektreihe „THE PARTY/ PSYCHORAMA“, die in Zusammenarbeit mit indischen Künstler*innen insbesondere mit dem indischen Animationsstudio Vivi5 entstand.

„THE PARTY“ ist eine Videoinstallation und -animation und steht im Mittelpunkt der Ausstellung. Abbilder aus der Modeindustrie, Kunst, Popkultur und Wissenschaft fließen in die Videoanimation mit ein und verkörpern die immersive Welt von „Zeix Berlin“ - einem Pseudo-Modelabel unter dem Chazeix bereits die verschiedensten Kunstprojekte realisiert hat. Die Motive für die Animation stammen aus der aktuell von Chazeix produzierten Serie "The P.I.G. (The Post Industrial Grid)“, einer Serie von 18 bedruckten Seidentüchern. Die Gestaltung der Seidentücher lässt an die Luxusmarke Hérmes erinnern. Erst auf den zweiten Blick treten die der Marke gegenüber völlig untypischen und stark kontrastierenden Abbildungen hervor.

Interessiert an Prozessen der Identitätsbildung durch Aneignung parodiert Jérôme Chazeix – unter dem Pseudonym seiner Marke – zu Fragen der Authentizität. Die Installation beschäftigt sich mit künstlich geschaffenen Parallelstrukturen, die bewusst erzeugt aber nur unterschwellig wirkend der Gesellschaft einen Spiegel vorhalten.

Jérôme Chazeix überträgt dabei Alain Touraine‘s Konzept der postindustriellen Gesellschaft auf den Umgang mit der ungefiltert auf uns einstürzenden Bilderflut. So wie auch in Chazeix ́s Installationen, steht ein Bild nie allein, sondern bekommt Sinn durch Kombination mit anderen Elementen. Alle Bilder sind verschiedenen Ursprungs - haben den gleichen Stellenwert. Unterschiedliche Ebenen und Kontexte werden zusammen und übereinander gelegt.

Let´s have „THE PARTY“! - Ein Projekt von Jérôme Chazeix,

Musik: Nikhil Narendra, Videoanimation: Vivi5*, Produktion: Marc Pohl

THE PARTY/ PSYCHORAMA wurde gefördert von: KUNST-SToFF e.V., Peter-Dornier-Stiftung, Hypo-Kulturstiftung und Goethe-Institut/Max Mueller Bhavan Bangalore

"Stein der Weisen"

Ingo Gerken

25.11.–09.12. 2017

Eröffnung: Fr., 24.11.2017, 19.00 Uhr

Stein der Weisen

Zum Abschluss der thematischen Ausstellungsreihe „Changes on the fly“ setzt Ingo Gerken im Projektraum Spor Klübü ein visuelles Ausrufezeichen. Er bezieht sich dabei auf einen räumlichen Veränderungsprozess in der unmittelbaren Nachbarschaft des Projektraums. Mit dem dortigen Abriss der gewerblich genutzten Gebäude und der sich nun anbahnenden Neubebauung stehen die Zeichen im Soldiner Kiez auf eine weitere Veränderung der Mieterschaft und Verdrängung von Bewohner*innen. Noch ist das Bauschild nicht errichtet, noch unklar, wer hier zukünftig einziehen wird. Es liegt Spannung im Raum.

Genau diese Spannung und Luftleere macht sich Ingo Gerken zu eigen, um sie in einer Installation zu verdeutlichen, quasi im Voraus aufzulösen. In der für den Künstler charakteristischen minimalistischen und pointierten Bildsprache schreibt er die gegenwärtige Situation in einer Fiktion fort, die so fiktiv nicht zu sein scheint. Sie strahlt weit über die Grenzen des Soldiner Kiezes hinaus. Proteste gegen die herrschenden Verhältnisse in Berlin zeigen sich an vielen Stellen der Stadt. Sie treten hervor wie offene und klaffende Wunden. Der sogenannte Stein des Anstosses ist bei Ingo Gerken der Stein der Weisen. Das klingt weit hergeholt, aber trifft die Sache auf den Punkt. Bloß: Wer sind überhaupt die Weisen?

Ingo Gerken entwirft vor diesem Hintergrund eine raumgreifende Situation, bei der Off- und Urban-Space dialogisch miteinander in Verbindung treten und klare Grenzen an Durchlässigkeit gewinnen. Gerken´s Szenario ist eine minimalistische Erdbewegung hinein in die Tiefe des Raumes, eine Grundsteinlegung zur kurzfristigen Umwertung bestehender Verhältnisse. Was ausgestellt wird, ist ein Spekulationsobjekt, das ziemlich laut darüber nachdenkt, wer Opfer und wer Täter ist im „monopolyesken“ Spiel der Kräfte. Die Arbeit argumentiert demonstrativ aus der Aussenperspektive und steckt doch mittendrin: nicht nur im Diskurs, sondern auch im Dilemma. 

"Stein der Weisen" ist Teil der Serie “Changes on the fly” zum künstlerischen Umgang mit räumlichen Veränderungsprozessen in Berlin

Initiiert und realisiert von Matthias Mayer; gefördert von der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa

„Hill Climbing with Random Restarts"

Lucy Powell

28.10.–11.11. 2017 

Eröffnung/Opening: Fr., 27.10.2017, 19:00

Hill Climbing with Random Restarts

In der Installation „Hill Climbing with Random Restarts“ zeigt Lucy Powell zwei Videoprojektionen, bei denen der Start- und Endpunkt einer sogenannten „induzierten Emigration“ von „Temnothorax-Ameisen“ in einem Laborexperiment in Echtzeit dargestellt wird. Zu diesem Zweck wird eine Kolonie dieser winzigen Ameisenart, die gemeinhin als „Hausjagdameisen“ bezeichnet wird, mit verschiedenen Farben bemalt, die einem

Kodiersystem entsprechen, das es erlaubt, die Ameisen als Individuen zu verfolgen und zu analysieren. Das Experiment simuliert eine Naturkatastrophe, bei der ein Ameisennest zerstört, das Dach abgehoben und die Kolonie gezwungen wird, ein neues Zuhause zu suchen und zu beziehen. Mit solchen Experimenten werden unter anderem die Entscheidungsprozesse von Schwarmintelligenzen untersucht, die wiederum zur Gestaltung von verschiedenen Optimierungsalgorithmen genutzt werden. Ein Optimierungsalgorithmus ist es auch, der der Installation ihren Namen gibt.

Als soziale Tiere wurden Ameisen in eine lange Kulturgeschichte eingeschrieben. So dienten sie der Religion, Ideologien des politischen Spektrums, der High-Tech-Industrie, der Unternehmenswelt allgemein und dem Militär z.B. als Vorbilder von menschlicher Tugend, hinsichtlich der Arbeitsethik, dem Aufbau einer Gesellschaft, Effizienz und Waffen. Sie wurden mit einbezogen in das neoliberale Projekt, das sich mit dem Neo-Darwinismus verbündet hat, um den Fortschritt des Kapitalismus zu „naturalisieren“ und die Natur als die ultimative „Problem-Lösungsmaschine“ einzusetzen.

Mit der Entscheidung den Laborversuch selbst zu inszenieren, hat die Künstlerin sich auf eine Reise begeben, die man als „Fieldtrip in die Materialität des Digitalen“ beschreiben könnte. Die Geschichte davon wird sie als analoge Ergänzung zu den Videoprojektionen erzählen. Die Ausstellung ist teil von Powells fortlaufender künstlerischer Erforschung von Wissen und dem Streben danach sowie der Schnittstellen von tierischen und künstlichen Intelligenzen.

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„Hill Climbing with Random Restarts" ist Teil der Serie “Changes on the fly” zum künstlerischen Umgang mit räumlichen Veränderungsprozessen in Berlin

Initiiert und realisiert von Matthias Mayer; gefördert von der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa

Engl.:

Hill climbing with random restarts

In the installation “Hill Climbing with Random Restarts” Lucy Powell shows a two-screen video, restaging in real time the start and end point of an induced emigration of Temothorax ants in a laboratory experiment. To this end a colony of this tiny ant species, commonly referred to as “house-hunting ants” are painted with different colours which correspond with a coding system that allows the ants to be tracked and analysed as individuals. The experiment simulates a natural disaster in which an ant nest is destroyed, lifting the roof off their home and forcing the colony to search out and move into a new home. Such experiments are used to study among other things, the decision-making processes in swarm intelligence and have been used to help program a number of optimization algorithms in computational design. It is also an optimization algorithm that gives the installation its name.

As social animals, ants have been written into a long cultural history, serving religion, ideology across the political spectrum, the tech industry, the corporate world and the military as models of everything from human virtue, the work ethic, how to build a society, efficiency and weapons. They have also been co-opted into the wider neoliberal project that has joined forces with Neo-Darwinism to naturalize the advance of capitalism, casting ‘nature’ as the ultimate problem-solving machine.

The decision to restage the experiment took Powell on a journey which might be described as a field trip into the materiality of the digital world. She will tell this story as an analogue complement to the video projections. The exhibition forms part of the artist’s continuing exploration of the nature and pursuit of knowledge and the intersection of animal and artificial intelligences.

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„Hill Climbing with Random Restarts" is part of the series “Changes on the fly” concerning the artistic handling of spatial change processes in Berlin

Initiated and realized by Matthias Mayer; funded by the Berlin Senate Department for Culture and Europe

"The city does not have a plan"

Lise Harlev

30.09.-14.10.2017 

Eröffnung: 29.09.2017, 19.00 Uhr

The city does not have a plan

In der Ausstellung „The city does not have a plan“ zeigt Lise Harlev acht Siebdrucke mit auf Linienführungen reduzierten Zeichnungen. Im einheit- lichen Größenschema sind doppelflügelige Hauseingangstüren dargestellt. Auf jeder dieser Türen befindet sich ein weißes Schild ähnlich einem Hinweisschild wie „Ausfahrt freihalten“. Harlev’s Schilder transportieren aber keine von Menschen ersonnenen Hinweise bzw. Ge- und Verbote, sondern hier wird von der Stadt erzählt, so als wäre sie eine fiktive Person. Über das, für was sie steht, was sie „denkt“ und „fühlt“.

Wie würde sich die Stadt zu ihrer eigenen Vergangenheit, den räumlichen Veränderungen der Stadt und den Einwohner*innen gegenüber verhalten? Harlev postuliert das in kurzen Sätzen und „gießt“ es in Hinweisschilder. Die entstehende Verfremdung macht uns nachdenklich, führt uns weg von unserer täglichen Betroffenheit und Argumentation gegenüber Sach- verhalten, die wir engagiert und kritisch über spezifische Zusammenhänge oder Dritte äußern. In den Vordergrund tritt eine Zeitlosigkeit und Leere, die beruhigend wirkt im Sinne von „Who cares?“.

In Harlev’s Arbeit spielt die Auseinandersetzung mit der Stadt als räumlicher und psychologischer Rahmen schon länger eine bedeutende Rolle. Die Auswirkungen „der Stadt“ auf die Emotionen ihrer Bewohner*innen stilisie- ren sie – die Stadt – zu einer wahren Persönlichkeit, obgleich sie nicht mehr, als nur ein Spiegelbild der Wünsche und Pläne der Menschen sein kann. Im Vergleich zu den Bewohner*innen scheint die Stadt unsentimental, offen und widerstandsfähig zu sein – und auch alles das, was man von ihr wünscht oder nicht wünscht.

So sprechen Lise Harlev’s „Stadthinweise“ auf Türen auch eine negative Sprache. Sagen das, was sie – die Stadt – nicht ist. Sie weiß nicht, dass sie populär ist, weiß nicht, wann ihre Bewohner*innen sie verlassen, sie kümmert sich überhaupt nicht um die Zukunft – ähnlich wie die Türen selbst, die diese Hinweise auf sich tragen. Sie tritt zurück, wird unsichtbar, ist da und auch nicht da. 

„The city does not have a plan" ist Teil der Serie “Changes on the fly” zum künstlerischen Umgang mit räumlichen Veränderungsprozessen in Berlin 

Initiiert und realisiert von Matthias Mayer; gefördert von der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa

„DIORAMA"

Richard Schütz    

26.08.–09.09. 2017 

Eröffnung: Fr., 25.08.2017, 19.00

Künstlergesräch am letzten Tag der Ausstellung:

Sa., 09.09., 18.30

Welcher Art könnte eine Erkenntnis sein, die nicht mehr auf die Wahrheit einer Öffnung zur Welt bezogen wäre, sondern einzig auf das Leben und sein Umherirren? Und wie wäre ein Subjekt nicht im Verhältnis zur Wahrheit, sondern vom Verhältnis zum Irrtum zu denken?

(Giorgio Agamben, Wahrheit als Irrsal)

DIORAMA.   Irrtum als Offenbarung.

Bezeichnend für die Fotografien von Richard Schütz ist die lakonische Abwesenheit einer Bilderzählung. Der Betrachter ist konfrontiert mit der Präsenz aufgegebener Konstellationen, zerfallender Ordnungssysteme und einer beunruhigenden Erfahrung von Leere in der Allgegenwart von Dinglichkeit. Dennoch ergibt sich ein fragiles Gleichgewicht in der Art und Weise wie alles im Bild zusammenkommt und zwischen dem Noch-Nicht und Nicht-Mehr-Sein besteht.

Die fotografische Werkserie DIORAMA ist zwischen 2004 und 2010 im Kontext der Sanierung einer museal bedeutsamen Schausammlung zu europäischen Biotopen entstanden. Richard Schütz verfolgt mit der Fotokamera den Prozess der Veränderung eines in sich geschlossenen Bedeutungsraumes. Er erfasst das Vereinzeln, Entwerten, Massieren und Verschieben bis zum Verschwinden von dessen Bedeutungsträgern als reale wie absurde Akte eines „Theatrum Mundi“ im Schaukasten.

Eine burleske Wendung und Sinnverschiebung bietet der fragmentarische Zeitungsausschnitt „Eine Künstlerfahrt" an. Einst vom Hersteller eines Dioramas auf die Rückwand eines der Schaukästen kaschiert, ergibt sich eine verblüffend zeitlose Lesart des auf gegenseitige Projektion beruhenden Zerrbildes vom „Künstler“ versus der „Allgemeinheit“. Weltfremdheit trifft auf Missachtung, persönliche Idealvorstellung scheitert an gesellschaftlicher Norm – was ist an dieser Inszenierung bedeutsam und was lediglich trivial? Ist diese Bühne nicht schon längst gestürmt?

Einen anderen Ausblick gewährt die Interpretation des Urbanen als Biotop; besonders der Mythos Berlin als „stage of history“ rekonstruiert sich hier zusehends als „backstage for gentrification“.

„DIORAMA" ist Teil der Serie “Changes on the fly” zum künstlerischen Umgang mit räumlichen Veränderungsprozessen in Berlin 

Initiiert und realisiert von Matthias Mayer; gefördert von der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa

Ausstellungsserie „Changes on the fly“

„The Real Estate Show Extended/Berlin“

Gruppenausstellung zum Thema „Gentrifizierung,

Immobilienspekulation und der Ausverkauf der Stadt“ 

kuratiert von Matthias Mayer

03. 06.–24.06.2017

Eröffnung: Freitag, 02.06.2017, 19:00

c/o KUNSTPUNKT BERLIN, Schlegelstr. 6, 10115 Berlin

Podiumsdiskussion/Performance: Samstag., 03.06.2017, 18:30

Podiumsdiskussion mit Mitgliedern der New Yorker Ausstellung „The Real Estate Show“ von 1980 mit: Becky Howland, Peter Mönnig, Alan Moore, Joseph Nechvatal, Moderiert von Howard McCalebb (Dada Post, Berlin)

Performance: „Inner City Wars against the Poor“, Ina Wudtke aka T-INA Darling

Künstler*innen:

Boris Abel, Volker Andresen, Astali/Peirce, Matthias Bade, Sheila Barcik, Fides Becker, Roland Boden, Gunnar Borbe, Saskia Breitenreicher, Alexander Callsen/Boris Jöns, Till Cremer, Nataly Dietz, Knut Eckstein, Irena Eden & Stijn Lernout, Annette Erlenwein/Anja Weber, Xenia Fink/Jinny Yu/Guillermo Trejo, Ingo Gerken, Robert Gfader, Monika Goetz, Mariola Groener, Vanessa Henn, Alekos Hofstetter, Birgit Hölmer, Becky Howland, Irène Hug, Institut für kosmische Architektur, Uwe Jonas, Silke Koch, Pia Lanzinger, Julia Lazarus, Jens Christian Madsen, Antje Majewski, Matthias Mayer, Stefanie Mayer, Peter Mönnig, Oliver Möst, Alan Moore, Morgenvogel Real Estate (Maria-Leena Räihälä & Manuel Bonik), Paula Müller, Joseph Nechvatal, Daniel Permanetter, Kathrin Rabenort, Monika Rechsteiner, Benjamin Renter, Kirstin Rogge, Adrian Schiesser, Alexander Schippel, Richard Schütz, Olivia W. Seiling, Eva Seufert, Erik Smith, Elisabeth Sonneck, Gabriele Stellbaum, Vassiliea Stylianidou, Caro Suerkemper, Anja Teske, Anke Völk, Gabriela Volanti, Linda Weiss, Anke Westermann, Maja Weyermann, Ina Wudtke, Sibylle Zeh

Wie setzen sich die Berliner Künstler*innen mit der Veränderung ihrer Stadt, den veränderten Lebens- und Arbeitsgewohnheiten auseinander? Viele verlieren ihre Ateliers, weil Eigentümer auf höhere Mieten und lukrativere Verträge mit neuen zahlungskräftigen Mietern abzielen. Neue bezahlbare Ateliers sind nicht ausreichend verfügbar. Entstandene Arbeiten der letzten Jahre werden kurzerhand entsorgt, weil Raum – auch Lagerraum – nicht bezahlbar ist. Das Nomadentum der KünstlerInnen kommt an seine Grenzen, weil selbst in den Außenbezirken alternative Immobilien schon vergeben sind. Wie macht sich dieser äußere Druck in den Arbeiten der Künstler*innen bemerkbar?

"The Real Estate Show"

Dokumentation der Original Show von 1980 aus dem Archiv des erhaltenen Projektraums "ABC No Rio" / Documentation of the original show from 1980 from the Archive Collection of the extant project space "ABC No Rio"

Organisiert von / Organized by Becky Howland & Matthias Mayer

27. 05. - 17. 06. 2017

Eröffnung / Opening: Fr., 26. 05. 2017, 19:00

Mit Reproduktionen ausgewählter Werke (Flyer, Planungsunterlagen, Kunstwerke etc.) von /

With reproductions of selected works (flyers, planning documents, artworks, etc.) by

Robert Cooney, Mitch Corber, Peter Fend, Coleen Fitzgibbon, Bobby G (Robert Goldman), Ilona Granet, Becky Howland, Christof Kohlhofer, Gregory Lehmann, Ann Messner, Peter Moennig, Alan Moore, Joseph Nechvatal, Cara Perlman, Scott Pfaffman, Christy Rupp, Robin Winters, among others

"The Real Estate Show" is a documentation of the original show from 1980 from New York's Lower East Side with reproductions of selected works (flyers, planning documents, artworks) from the Archive/ Collection of the extant project space "ABC No Rio"; organized by Becky Howland and Matthias Mayer.

In New York's speculator-eldorado Lower East Side, artists occupied a storefront at the beginning of the 1980s to stage an exhibition on the topic of Real Estate. This was cleared shortly afterwards by the police. The documentation exhibition provides an introduction to the series of exhibitions "Changes on the fly", which deals with the topic of gentrification and the impact on artists. 

Links:

"The Real Estate Show" is part of the series “Changes on the fly” concerning the artistic handling of spatial change processes in Berlin

Initiated and realized by Matthias Mayer; funded by the Berlin Senate Department for Culture and Europe

„Changes on the fly“

Ausstellungsprojekt- und serie zum künstlerischen Umgang mit räumlichen Veränderungsprozessen in Berlin 

Intro 

Wie setzen sich die Berliner Künstler*innen mit der Veränderung ihrer Stadt, den veränderten Lebens- und Arbeitsgewohnheiten auseinander? Viele verlieren ihre Ateliers, weil Eigentümer auf höhere Mieten und lukrativere Verträge mit neuen zahlungskräftigen Mietern abzielen. Neue bezahlbare Ateliers sind nicht ausreichend verfügbar. Entstandene Arbeiten der letzten Jahre werden kurzerhand entsorgt, weil Raum – auch Lagerraum – nicht bezahlbar ist. Das Nomadentum der KünstlerInnen kommt an seine Grenzen, weil selbst in den Außenbezirken alternative Immobilien schon vergeben sind. Wie macht sich dieser äußere Druck in den Arbeiten der Künstler*innen bemerkbar? Die Ausstellungsreihe startet mit einem Beispiel aus New York City Anfang der 1980er Jahre. Im damaligen Spekulanten-Eldorado Lower East Side besetzen Künstler*innen ein Ladenlokal, um die Ausstellung „The Real Estate Show“ zum Thema Immobilienspekulation zu inszenieren. Diese wird schon kurze Zeit später von der Polizei geräumt. Eine Dokumentationsausstellung dieser Ausstellung, organisiert in Kooperation mit Becky Howland, liefert den Einstieg in die Reihe, gefolgt von der auf Berlin bezogenen Gruppenausstellung „The Real Estate Show Extended/Berlin“ mit 63 Künstler*innen.

Vier weitere Einzelausstellungen bilden den Fortgang der Serie (Richard Schütz, Lise Harley, Lucy Powell, Ingo Gerken). Im Unterschied zu den beiden ersten Ausstellungen der Serie („The Real Estate Show“ und „The Real Estate Show Extended/Berlin“) findet der Themenbezug zur Serie in den vier Einzelausstellungen auf einer übergeordneten Ebene statt. Vorausgesetzt wird, dass eine jede Künstlerin/ ein jeder Künstler, der in Berlin lebt und arbeitet sich mit den Mechanismen der Verdrängung durch steigende Mieten für Wohn- und Arbeitsraum konfrontiert sieht – unter diesem Einfluss ihr/sein Wirken gestaltet. Der konkrete Themenbezug bleibt somit freigestellt.

"Changes on the fly"-Ausstellungsserie:

• „The Real Estate Show“, 27.05.–17.06.2017 EröInung: Fr., 26.05.2017, 19.00 Uhr, Spor Klübü

• „The Real Estate Show Extended/Berlin“, 03.06.–24.06.2017, EröInung: 02.06.2017, 19.00 Uhr
  c/o KUNSTPUNKT BERLIN, Schlegelstraße 6, 10115 Berlin

• „DIORAMA“, Richard Schütz, 26.08.–09.09.2017 EröInung: 25.08.2017, 19.00 Uhr, Spor Klübü

• „The city does not have a plan“, Lise Harlev, 30.09.–14.10.2017 EröInung: 29.09.2017, 19.00 Uhr, Spor Klübü

• „Hill Climbing with Random Restarts“, Lucy Powell, 28.10.–11.11.2017 EröInung: 27.10.2017, 19.00 Uhr, Spor Klübü

• „Stein der Weisen“, Ingo Gerken, 25.11.–09.12.2017 EröInung: 24.11.2017, 19.00 Uhr, Spor Klübü 
  
  

„Inglan Is A Bitch“

ONE NIGHT GROUP SHOW

Eröffnung: Fr., 25.11.2016, 19 Uhr

mit: Boris Abel, Michelle Alperin, Volker Andresen, Caroline Bayer, Fides Becker, Antje Blumenstein, Gunnar Borbe, Sabine Bokelberg, Sascha Boldt, Tanya von Barnau, Ben Cottrell, Rolf Czulius, Nataly Dietz, Thomas Draschan, Knut Eckstein, Irena Eden & Stijn Lernout, Niki Elbe, Frederik Foert & Olivia W. Seiling, Kathrin Ganser, Ingo Gerken, Robert Gfader, GODsDOGs, Massoud Graf-Hachempour, Mariola Groener, Hlynur Hallsson, Pablo Hermann, Marie von Heyl, Irène Hug, Annika Hippler, Thomas Jocher, Uwe Jonas, Sven Kalden, Silke Koch, Karsten Korn, Anastasia Khoroshilova, Joke Lanz/Simon Parfrement, Daniela Lehmann-Carrasco, Christine Lohr, Matthias Mayer, Stefanie Mayer, Paula Müller, Leo de Munk, Joe Neave, Rainer Neumeier, Florence Obrecht, Kirsten Palz, Axel Pahlavi, Manfred Peckl, Maria-Leena Räihälä, Benjamin Renter, Cornelia Renz, Römer + Römer, Ann Schomburg, Richard Schütz, Michael Schultze, Stefanie von Schroeter, Amelia Seymour, Raaf van der Sman, Johanna Smiatek, Erik Smith, Elisabeth Sonneck, Anne Staszkiewicz, Max Sudhues, Gabriele Stellbaum, Sarah Strassmann, Jaro Straub, Vassiliea Stylianidou, Maki Takano, Alex Tennigkeit, Anja Teske, Thea Timm, Peter Torp, Julius Weiland, Linda Weiss, Anke Westermann, Sibylle Zeh, Michaela Zimmer, Oliver Zwink

Seit 2005 initiiert Spor Klübü-Macher Matthias Mayer eine Reihe von Gruppenausstellungen, die sich thematisch mit Zitaten aus den 1980er Jahren beschäftigen. Jetzt bereits zum zehnten Mal veranstaltet, hat er KünstlerInnen aus seinem Umfeld aufgerufen, dieses Jahr Arbeiten zum Zitat von Linton Kwesi Johnson von 1980 "Inglan is a bitch" für die „One-Night-Ausstellung beizusteuern.

"Inglan is a bitch" vereint Musik, Literatur und Politik und ist Titel von LKJ‘s Textsammlung (erschienen London 1980) sowie Songtitel (Album "Bass Culture", Island Records 1980). Geboren in Jamaika und in seiner frühen Jugend nach England übergesiedelt wird Linton Kwesi Johnson Poet und Musiker. LKJ hat das Genre "Dub-Poetry" mit ins Leben gerufen. Er kreiert seine eigene Sprache aus Jamaican Creole, Jamaican English und English English. Er vertritt die Stimme der Arbeiterklasse und thematisiert die fortdauernde Unterdrückung der Immigranten in der englischen Gesellschaft seit der Kolonialzeit.

Obwohl seine Dichtung für ihn im Vordergrund steht, ist er ein weltweit bekannter und erfolgreicher Reggae-Musiker. Im Juli 1989 spielt er beim bekannten Loreley Summer Jam-Festival (vormals Reggae Sunsplash-Festival) mit weiteren Größen der Reggae-Szene (Jimmy Cliff, Black Uhuru, Osibisa, Ltd. Stitchie, Salif Keita, Youssou N'Dour, Wailers, Inner Circle).

Liste der vergangenen Gruppenausstellungen in dieser Reihe mit den dazugehörigen Zitaten:

2005 "Very Sporty Jack" (aus Jim Jarmusch's "Down by law"), 2006 "U can't touch this" (Song von MC Hammer), 2007 "Sllörrrrr wip wop wop (aus Charles Bukowski's "Fuck Machine"), 2008 "Jeder Mensch ist ein Künstler" (Joseph Beuys), 2009 "Nelson Mandela must fe free" (Free Mandela-Kampagne), 2010 "Stranded in The Future" (Song von Kim Fowley), 2012 "Cocaine – blows my brain..“ (aus der 1980er-Szene), 2014 "IWF Mördertreff“ (Demonstrations-Slogan, Berlin 1988), 2015 "You knee them in the chin...“ (aus "War Story“ von George Starbuck, verwendet von der Musikgruppe "Schaumtüte“).

„Renaissance“

Ole Wulfers

29.10.-05.11.2016

Eröffnung: Freitag, 28.10.2016., 19.00 Uhr

Öffnungszeiten: Sa., 29.10. und So., 30.10., 14.00-17.00 Uhr

sowie von 31.10.-05.11. nach tel. Vereinbarung

Wulfers ist begnadeter Bastler. Seine komplexen Apparaturen verstehen noch nicht mal Fachleute.

Doch dient die Technik lediglich als Instrument zur Vermittlung einer zentralen Idee. In seiner

Installation "Renaissance" untersucht er verschieden Skalen notierter Musik, zerhackt sie und fügt

sie neu zusammen, um sie in einer neuen elektro-akustischen Klangwelt wieder auferstehen zu lassen.

„EXPÓSITO - EXPOSITOR“

Irène Hug

28.05.-04.06.2016

Eröffnung: Freitag, 27.05.2016., 19.00 Uhr

Öffnungszeiten: Sa., 28.05. und So., 29.05., 14.00-17.00 Uhr

sowie von 30.05.-04.06. nach tel. Vereinbarung

Irène Hugs Thema ist die visuelle Erscheinung der Sprache: die Schrift. Sie ergründet dabei ihre beiden essentiellen Eigenschaften; die Schrift als Form, Ding oder Gegenstand und das, was sie  bezeichnet. Das ist, anders gesagt, die Beziehung zwischen Verpackung (Schrift) und Inhalt (Bedeutung). Was repräsentiert was? Wenn wir durch irgendeine Stadt in der Welt spazieren, treffen wir überall auf Texte, die um unsere Aufmerksamkeit wetteifern. In einer Nische unseres Gehirns mischen wir ihre tendenziösen Botschaften halb bewusst durcheinander, wissend, dass die schiere Menge von Information, Werbung und Anweisungen mithelfen, die Details zu vergessen. Ihre Appelle bleiben meist unbeantwortet. Irène Hug nimmt sie aber beim Wort und gibt ihnen Kontra. Sie demontiert diese Claims zu reinen Formen und Materialien: Typographie an Wänden, Fahnen, Schilder, Skulpturen, Leuchtschriften werden zum Spiel und Träger ihrer eigenen Aussagen. Ihre Subtexte, eingesetzt in Fotos von dicht „beschrifteten“ urbanen Plätzen, können von Umgangssprache, Schlagzeilen bis zu philosophischen Zitaten stammen, zu Themen der lokalen oder globalen aktuellen sozialen, politischen Situationen. Die Wirkung ist verstörend und unterhaltend zugleich. Ihre  Installationen sind oft site-specific, setzen den ganzen Ausstellungsraum in Szene und verweisen auf vielfältige inhaltliche Links (Text: Bettina Carl).

"If you are dating me, you don't need chemicals/Part One: Valley of the Dolls"

Niki Elbe, Xenia Fink, Cornelia Renz

30.04.-07.05.2016

Eröffnung: Freitag, 29.04., 19.00 Uhr

Welche Abgründe lauern hinter der heilen Fassade? Der zweite Blick erst macht das Monströse evident, das den Betrachter fesselt und ihn zugleich in eine Sphäre entführt, wo Libido und Panik, Sentimentalität und Schrecken, das Unschuldige und das Abgebrühte eine unheilige Allianz eingehen. “If you are dating me, you don’t need chemicals“ ist eine Ausstellungsserie, die die Schnittmengen der drei Künstlerinnen untersucht, welche die BetrachterInnen durch ihre klare technische Ausführung in ein Universum eintauchen lässt, welches sie mit Abgründigem und Beunruhigendem konfrontieren. Ihre Heldinnen – im Zentrum stehen oft die ‚Lolitas‘, und ‚Lulus‘ der Literatur, denen in den 1990ern die provokanten ‚Riot-Girls‘ folgten – sind nicht so nett und unschuldig wie sie wirken. Unter ihrem ansehnlichen Äußeren scheinen sich Monster zu verbergen, lauernde Kreaturen, die die männliche Idealisierung der weiblichen Unschuld konterkarieren.

„If you are dating me, you don’t need chemicals/Valley of the Dolls“ ist der erste Teil der Ausstellungsreihe. Jede dieser Ausstellungen baut sich um einen Film mit weiblichen Antiheldinnen auf, die sehr wohl „chemicals“ brauchen – so sind die drei Protagonistinnen aus „Valley of the Dolls“ abhängig von ihren ‚Uppers’ and ‚Downers’. Diese sind Variationen eines klassischen Archetyps: des Mädchens von nebenan. Mit unterschiedlichen Strategien – Talent, Sex-Appeal und konventioneller Schönheit – streben sie nach Bestätigung, Freiheit, Liebe und Erfolg. Niki Elbe, Xenia Fink und Cornelia Renz spüren in diesem Stoff die Semiotik des Melodramas und seiner Charaktere auf und destillieren aus seiner Trivialität eine Quintessenz, die beunruhigend alltäglich ist. Die Filmheldinnen kämpfen um Anerkennung. Sie variieren in ihren Mitteln. Sie variieren in ihrem Erfolg. Zum Schluss variieren Sie auch im Scheitern. Aber sie scheitern alle. If I am dating you, I do need chemicals.

Infos zu den Künstlerinnen:

NIKI ELBE (1970 geboren in Aachen, lebt und arbeitet in Berlin)

Niki Elbe studierte 1991-1998 freie Kunst an der Hochschule für Künste in Berlin und war dort von 1998–2001 Meisterschülerin von Prof. Christiane Möbus. Zu ihren Auszeichnungen zählen: Reise- und Arbeitsstipendium nach Salvador da Bahia, Brasilien, 1999; Reise- und Arbeitsstipendium nach Südafrika, 1999; Atelierstipendium der Karl-Hofer-Gesellschaft e.V., Berlin, 2001-2003; Atelierpreis der Karl-Hofer-Gesellschaft e.V., 2002; 1. Preis Wettbewerb zur Gestaltung der Brandwand Joachimstaler Str. 20, Berlin (mit Felix Müller), 2006.

Sie hatte Einzelausstellungen in der Galerie morgen-contemporary, Berlin, 2014; in der Galerie Morgen, Berlin, 2009; in der Galerie Tinderbox, Hamburg, 2008; im Offenen Atelier Öllermann, Berlin, 2005; im Theater Brandenburg, 2004; im museu de arte moderna, Salvador da Bahia, 1999. Ihre Werke wurden gezeigt in Gruppenausstellungen in der Rathausgalerie Reinickendorf, Berlin, 2015; in der Galerie BADH, Berlin, 2013; im Kunstmuseum Erlangen, 2013, 2012 und 2011; in der Swiss Art Institution, Karlsruhe, 2009; in der Kunsthalle Mannheim, 2007; in der Verena Foundation, Hydra, Griechenland, 2007; am Haus am Waldsee, Berlin, 2005 und 2003; im Haus am Kleistpark, 2002; im Kunstverein Braunschweig, 1998; im Corcoran Museum of Art, Washington DC, 1998.

XENIA FINK (1979 geboren in São Paulo, lebt und arbeitet in Berlin)

1998-2002 studierte Xenia Fink an der Hochschule für Kunst und Design Burg Giebichenstein Halle. Nach ihrem Diplom in Illustration an der Hochschule für Angewandte Wissenschaften in Hamburg 2005 studierte Fink Freie Kunst an der Universität der Künste in Berlin und beendete ihr Studium 2009 als Meisterschülerin. Sie hat 2012 ein Katalogstipendium und 2010 ein Arbeitsstipendium der Kunststiftung Sachsen-Anhalt erhalten, sowie 2011 ein New-York-Stipendium am iscp.

Sie hatte 2015 und 2013 Einzelausstellungen bei Morgen Contemporary, Berlin; 2012 am Instituto Cultural de León, Mexiko; 2011 in der Galerie Schuster, Miami; 2010 in der Galerie Schuster, Berlin und in der Galerie im Volkspark, Halle. Ihre Arbeiten wurden gezeigt in Ausstellungen u.a. in der Fondazione Giorgio Cini, Venedig, als Teil eines Public Art Projektes in Kooperation mit ifa Galerie, Berlin, 2015; Zebra Film Festival, Berlin, Schau Fenster, Berlin, Alter Garnisonfriedhof, Berlin, 2014; bei The Wand, Berlin, Motorenhalle, Dresden, und bei Pierogi, NY, 2013; in der Dezer Schauhalle, Miami, der Kunststiftung Sachsen-Anhalt, Halle, bei Illuminated Metropolis Gallery, New York, 2012; am iscp, New York, 2011; in der Galerie Schuster, Miami und Berlin, 2009; im Künstlerhaus Bethanien, Berlin, Galerie Neurotitan, Berlin, 2008.

CORNELIA RENZ (1966 geboren in Kaufbeuren, lebt und arbeitet in Berlin)

Cornelia Renz studierte 1993–98 Malerei und Grafik an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig und war dort von 1998–2001 Meisterschülerin von Sighard Gille. Zu ihren Auszeichnungen zählen: Stipendium des Künstlerhauses Schloss Balmoral, 2014; Stipendium des Else-Heiliger-Fonds, 2012; Villa Aurora Stipendium, Los Angeles, 2011; Förderpreis der Schering Stiftung, 2005; Marion-Ermer-Preis, 2001; Graduiertenstipendium des Freistaates Sachsen, 1999; Stipendium der Stiftung Germination, 1998; Schüngel-Preis, 1996.

Sie hatte Einzelausstellungen in der LSD Galerie, Berlin, 2014; bei TS art projects, Berlin, 2013; im Kunstverein Konstanz, 2011; in der Nolde Stiftung, Berlin, 2010; Galerie Anita Beckers, Frankfurt am Main, 2010 und 2007; Kunsthalle Göppingen, 2008; bei Goff & Rosenthal, New York, 2007 und 2005. Ihre Werke wurden gezeigt in Gruppenausstellungen in der Städtischen Galerie Nordhorn; im Kunstverein Bregenz; Kunsthaus Erfurt, 2013; Contemporary Art Center Louisiana, New Orleans; Brevard Art Museum, Melbourne/USA, und Museum Villa Rot, Burgrieden-Rot, 2011; Kunstmuseum Solingen, 2010; Temporäre Kunsthalle, Berlin; Museum Montanelli, Prag, 2009; Berlinische Galerie, Berlin, 2007; Overbeck-Gesellschaft, Lübeck, 2004. Die Künstlerin wird von TS art projects, Berlin, vertreten.

„Museum of Modern Art, Department of Gestures“

Matthew Burbidge

27.02.-05.03.2016

Eröffnung: Freitag, 26.02.2016, 19.00 Uhr

Öffnungszeiten: Sa., 27.02 und So., 28.02., 14.00-17.00 Uhr

sowie 29.02.-05.03. nach telefonischer Vereinbarung

Matthew Burbidge, geboren 1970, hat in Manchester und London studiert und arbeitet multimedial. Philosophische sowie kunsthistorische Betrachtungen, Annäherungen an Personen der Kunstgeschichte und gesellschaftlche Phänomene nutzt er intensiv, um Objekte, Skulpturen, Installationen und „Nicht-Bilder“ zu fertigen. Die dabei enstehende subjektive Gedanken- bzw. Sinnebene, die die Ursprungsebene künstlerisch fortschreibt, dient ihm widerum zur sach- und fachlichen Erklärung seiner Arbeiten. Es nimmt anarchische Züge an, wenn er im finalen Arbeitsschritt die Ästhetik der Theorie überstellt, währenddessen er seine Arbeiten genau an jenem theoretischen Gerüst präzise aufbaut. Letztendlich könnte man ihn als einen Vertreter der Konzeptkunst bezeichnen. Wer dies tut, wäre allerdings auf sein intelligentes Spiel zwischen theoretischem Ansatz und ästhetischer Praxis hereingefallen. Er lässt sich nicht einfach einordnen. Trotz der zahlreichen Zitate verliert er nie die Bodenhaftung, denn das ist sein eigentliches Ziel. In Bezug zur Gegenwartspunkt und dem Kunstmarkt ist seine Grundhaltung prinzipiell ablehnend. Eine Überhöhung des Künstler-Genies verachtet er. Er liebt den „Punk der Gedanken“.

In der aktuellen Ausstellung „Museum of Modern Art, Department of Gestures“ zitiert Matthew Burbidge schon im Titel die Ausstellung „Museé d’Art Moderne, Département des Aigle“ von Marcel Broodthaers von 1971. Broodthaers’ berühmte Installation versteht Burbidge als Zusammenstellung emblematischer Gesten vor dem eigentlichen Anlass der Erschaffung einer Installation. Das Symbol des Adlers diente Broodthaers als Emblem der Macht – auch der Macht der Institutionen - und wurde von ihm durch die scheinbar belanglose Abbild-Sammlung konterkariert. Noch einen weiteren großen Künstler der Kunstgeschichte zieht Burbidge heran: Marcel Duchamp. Er setzt ihn in Beziehung zu Broodthaers. Duchamp's Readymades und Broodthaers' Installation waren „absolut nötig“ (Zitat M. Bubidge), denn sie dienten dem Widerstand gegen die Machtverhältnisse. Für Burbidge selbst stehen jetzt „Che“, ein Fuchs, folkloristische Figuren und menschliche Körperteile „emblematisch“ in der Ausstellung nebeneinander – als „Museum der Gesten“.

Gemeinsam mit seiner Frau Sonja Bubidge hat Matthew Burbidge zwischen 2010 und 2012 den Projektraum Essays And Observations in Berlin-Wedding betrieben und dort zahlreiche thematische Ausstellungen mit internationalen KünstlerInnen kuratiert.

Don't Think Twice, It's All Right

Daniel Permanetter

30.10. bis 07.11.2015

Eröffnung/Opening: Fr., 30.10.2015, 19h

“Don't Think Twice, It's All Right” | 2015 | Room filling installation. Mixed Media:

Die Entwicklung in Permanetters neueren Arbeiten, in denen Dylan als Figur vorkommt, geht in dieser Serie einen Schritt weiter in der metaphorisch angestrebten Beziehung zwischen der Ikone und dem Künstler, weg vom scheinbar obsessiven Bezug zu Dylan, hin zu einer abstrakteren Darstellung des Themas, das allen Arbeiten zu Grunde liegt: der Sehnsucht.

English:

The work is part of an ongoing series of installations and videos Daniel Permanetter created over the last years involving a life-sized puppet that looks a lot like the elderly Bob Dylan. The puppet appears in strange, metaphorical situations often combined with a narrative layer sound or music. They seem to be telling a story that remains unclear and to refer to tales or myth as well as to different contemporary issues and pop culture. Reinforced by the puppet’s closed eyes and transfixed expression a sense of death or loss is inherent in all the works.

In the progression of Permanetter’s recent work that involves Dylan as a medium, this series is a step further into the metaphorical aspired relationship between the idol and the artist. A step further away from the seemingly obsessive reference to the icon Dylan but towards a more abstract representation of the strongest subject in all of Permanetter's works: longing.

reenter your life

Astrid Busch

26.09.-03.10.2015

Eröffnung: Freitag, 25.09.2015, 19.00 Uhr

geöffnet: Sa., 26.09. und So., 27.09., 14.00 – 17.00 Uhr

sowie vom 28.09. - 03.10. nach tel. Vereinbarung

Architektonische Elemente inspiriert durch Ferienparadiese am Mittelmeer mit ihrer oft der Science-Fiction entlehnten Künstlichkeit, Erinnerungsfragmente aus der persönlichen Vergangenheit und ihre Dekorationsrituale bilden die Grundlage für die Installation im Spor Klübü. Durch Fragmentierung und Rekontextualisierug werden assoziative Spuren in verschiedene Richtungen ausgelegt und die Energie sowie die poetische Kraft von Architektur und Alltag und deren wechselseitige Durchdringung hervorgehoben.

OUAAA

Stella Geppert

27.06. bis 08.07.2015

Eröffnung: Freitag, 26.06.2015, 19.00 Uhr

geöffnet: Sa., 27.06. und So., 28.06., 14.00 – 17.00 Uhr

sowie vom 29.06. - 08.07. nach tel. Vereinbarung

OUAAA

a) kurz vor dem Sturz

b) der Sturz selber

c) die Verhinderung des Sturzes durch Ausbalancieren des Körpers

d) ein Lautschrei, der aus einem heraus bricht, wenn: etwas gefallen ist, einem etwas entglitten ist oder aber etwas unerwartet über einen herein bricht 

e) ein Klangwort, das in der Comicsprache eine Gefahr heran kommen sieht, der nicht mehr ausgewichen werden kann

f) eine künstlerische Arbeit, die von einer gängigen Tanzbewegung abgeleitet und  eingebettet ist in ein mehrstufiges Ausstellungssetting, welches Aufmerksamkeits- und Aufzeichnungsstudien in sich vereint

Die jüngst von Stella Geppert entwickelte Installation «Hieroglyphendecke» ist eine auf Kommunikation und Begegnung angelegte Arbeit und wird Teil einer Choreografie sein. «Hieroglyphendecke» zeichnet flüchtige und unbewusste Bewegungen des Kopfes auf – die dabei entstehenden Linien verdichten sich zu einer Struktur. Die Besucher und Besucherinnen der Ausstellung sind Teil der Installation und bringen die künstlerischen Arbeiten durch ihre Handlungen erst hervor. Die «Enzyklopädie der Dialoge», in welcher die Zeichnungen archiviert werden, macht in einem weiteren Schritt die Qualitäten und Intensitäten der aufgezeichneten Bewegungen und somit auch die Relationen der Personen untereinander sichtbar. 

MMM

Peter Jap Lim 

28.02.-07.03.2015 

Eröffnung Fr, 27.02.2015, 19 Uhr 

Öffnungszeiten: Sa, 28.02. und So, 01.03.2015, 14-17 Uhr sowie vom 02.-07.03.2015 nach tel. Vereinbarung

„Monaden mit Mozarella, Monsieur!“

Schwarrrze Materie und MMMaterie, die unbelichteten Unbekannten und jene Dinge, die uns in ihren Abstufungen aus der Farbkugel erscheinen. Vom gräulichen Dunkel, zur Bräune des Kerns, bis hin zum Bunt des Äquators und zum weißblendenden Pol, prächtiges Wissen, schwärzestes Missen. Diese Sichtkugel, sonderbarer Globus und beschränktes Froschauge, ist MMM – www. auf dem Kopf: stofich, materiell, dabei nahbarer und unnahbarer. Kein Hack, höchstens Hicks. Ein sich endlos wiederholender, neigender Raum, Bild, Zelle, Körper des Anfangs: auf der Jagd nach dem Schlussgespenst.

(Text: Peter Jap Lim, www.japlim.de)

the absolute outside

Marie von Heyl, TC McCormack, Matthew Noel-Tod, Richard Sides, Oliver Zwink

kuratiert von TC McCormack

31.01. bis 07.02.2015

Eröffnung: Freitag, 30.01.2015, 19.00 Uhr

geöffnet: Sa., 31.01. und So., 01.02., 14.00 – 17.00 Uhr

sowie vom 02. - 07.02. nach tel. Vereinbarung

Der von Quentin Meillassoux geprägte Begriff The Absolute Outside (Das absolute Außen) beschreibt einen Raum, der jenseits der Begrenzungen unseres Denkens existiert, der ursprünglich woanders ist. Er behauptet, dass „das Denken nie aus sich selbst heraustreten kann, um der Welt so zu begegnen wie sie wirklich ist“. Alles was wir wissen können, ist „wie die Welt für uns ist, nicht wie die Welt an sich ist“. Einen Blick auf die Möglichkeiten, sich diesem „spekulativen Außen“ zu nähern, zeigen uns die ausgewählten Arbeiten der ausstellenden KünstlerInnen. Auch wenn sie jeweils ihre eigenen Anliegen verfolgen, so bewegen sich doch alle auf jenem spekulativem Gebiet. In diesem Geist des ursprünglichen Woanders-Seins liegt die Hoffnung, dass die Ausstellung dem Betrachter einen Moment des Selbstzweifels beschert und ihn zu einer einfachen Frage führt: Wo stehe ich hier in diesem Raum?

Die Ausstellung zeigt Arbeiten von fünf Künstlern aus Berlin und Großbritannien: Marie von Heyl, TC McCormack, Matthew Noel Tod, Richard Sides und Oliver Zwink.

Marie van Heyl (geb.1981 in Stuttgart)

Marie von Heyls Arbeiten resultieren aus der poetischen Spannung und den produktiven Missverständissen die entstehen, wenn unterschiedliche Realitätsmodelle aufeinander prallen, sich überlappen oder nicht ganz zusammenpassen. Von besonderer Relevanz sind dabei Objekte die als Vermittler zwischen unterschiedlichen Glaubenssystemen oder als Träger sentimentaler Werte fungieren, wie zum Beispiel Kultgegenstände, Fetische, Erbstücke und Souvenirs.

TC McCormack (geb.1970 in Belfast, Nordirland)

In seiner multidisziplinären, kreativen und diskursiven Praxis betrachtet er Konstellationen von Festlegungen: von der veränderlichen Identität der Materialität, der Abwesenheit menschlicher Tätigkeit, bis zum Phänomen widerständigen Raums. Seine Arbeit zeigt sich in zahlreichen Erscheinungsformen: Film, Assemblage, Zeichnung, Veranstaltungen, kuratierte Projekte, Publikationen.

Matthew Noel-Tod (geb.1978 in Stoke-on-Trent, UK)

Seine Filme deuten das Erzählkino um, indem er ein Zusammenhang zum experimentellen Film zur Konzeptkunst sowie zu Literatur und Philosphie herstellt. Noel-Tod der seine Arbeiten seit 1999 international ausstellt hat sein Fähigkeiten im Erstellen vieldeutig aussdrucksstarker Videos stetig weiterentwickelt und verfeinert. Die Filme stellen unterschiedliche Ästhetiken zur Schau und untersuchen das Wechselspiel zwischen Wort und bewegtem Bild.

Richard Sides (geb.1985, Rotherham, UK)

Sides setzt in seiner Arbeit eine Vielzahl an Medien ein. Dabei untersucht er Vorstellungen von Komplexität, Präsenz, Zeitlichkeit, Widerspruch und die Möglichkeit „einer Ontologie der Kommunikation”. Seine facettenreichen Produktionen von Videos, Installationen, Soundarbeiten, Perfomances und Collagen gehen ineinander über und bringen Charaktere und abstrakte Ideen von Bewußtsein hervor, die aus dem komplexen Mix aus sozialen Lebenswelten hervortreten.

Oliver Zwink (geb.1967 in Heidenheim/Brenz)

Der Großteil von Oliver Zwinks Arbeiten der letzten Jahre setzt sich vor dem Hintergrund urbaner Wirklichkeit mit der Wechselbeziehung von gebautem und unbewusstem Raum auseinander. Seine Serie digitaler Prints bestehen aus behutsam arrangierten, angereicherten Oberflächen, die einen veränderten Sinn für den Ort suggerieren. Die durchgearbeiteten Bilder wirken befreiend, indem sie unser kollektives Durcheinander entfernen. Tatsächlich verweigern sie die Darstellung von Sprache (sichtbare Auslöser für irrationale Bedürfnisse) und lassen uns die Welt an sich erblicken.

English version:

the absolute outside

Marie von Heyl, TC McCormack, Matthew Noel-Tod, Richard Sides, Oliver Zwink

curated by TC McCormack

31.01.-07.02.2015

Opening: Friday, 30.01.2015, 7 pm

Opening times: Sat., 31.01. + Sun., 01.02., 2-5 pm

and 02.-07.02. by appointment

the absolute outside, is a term coined by Quentin Meillassoux to describe a space that exists beyond the limits of our thoughts, of being genuinely elsewhere. He argues that thought ‘can never get outside itself to encounter the world as it really is’. All we can ever know is ‘how the world is for us, not how it is in itself.’ The potential to entertain this speculative exteriority can be glimpsed in the selected work of the exhibiting artists; though their practices each have distinct concerns, all have strayed onto this speculative territory. In this spirit of being genuinely elsewhere, there is the hope that this exhibition can offer the viewer a moment of self-doubt; to see the viewer ask a simple question; where should-I-stand-in-here?

This exhibition brings together five artists from Berlin and the UK: Marie von Heyl, TC McCormack, Matthew Noel Tod, Richard Sides & Oliver Zwink

Marie van Heyl (b.1981 in Stuttgart, Germany)

Marie’s work draws from the poetic friction and productive misunderstandings that emerge when different models of reality collide, overlap or not quite fit together. Of particular relevance are objects that serve as mediators between different belief systems or carriers of sentimental value, such as cult objects, fetishes, heirlooms and souvenirs.

TC McCormack (b.1970 in Belfast, N.Ireland)

His multidisciplinary practice is a creative and discursive site, considering a constellation of preoccupations; from the shifting identity of materiality, the absence of human agency, to the phenomenon of resistance space. His work takes a range of outcomes, often combining: film, assemblage, drawing, events, curation and publications.

Matthew Noel-Tod (b.1978 in Stoke-on-Trent, UK)

His films reframe narrative cinema in relation to experimental moving image, conceptual art, philosophy and literature. Having exhibited internationally since 1999, Noel-Tod has explored and refined his ability to create multi-expressional videos that display a range of aesthetics and explore the interplay between words and the moving image.

Richard Sides (b.1985, Rotherham, UK)

Sides’ work uses a variety of media to explore notions of presence, temporality, complexity, conflict and the possible idea of ‘an ontology of communication’. His multifaceted output in video, installation, sound, performance and collage blurs seamlessly allowing characters and abstract notions of consciousness to emerge from the complex social composite environments he creates in his work.

Oliver Zwink (b.1967 in Heidenheim/Brenz, Germany) His recent series of digital prints are carefully arranged expanded surfaces; that produce an altered sense of place. His seamless images offer a release, in removing our collective clutter, indeed they deny us language (visual triggers to irrational wants) to leave you looking at the world in itself.

TRACHT & HABITUS (Sprites)

Markus Wirthmann

26.09.-04.10.2014

Eröffnung: Fr., 26.09.2014, 19 Uhr

geöffnet: Sa., 27.08 und So, 28.08.2014, 14-17 Uhr

sowie vom 29.08.-04.10.2014 nach tel. Vereinbarung

„TRACHT & HABITUS (Sprites)“ ist eine Anordnung, die im Wesentlichen aus einer Anzahl von Dewargefäßen, den „Sprites“, besteht. Ein Dewargefäß dient der thermischen Isolierung seines Inhalts. Diese Gefäße werden mit heißer Salzlösung gefüllt, welche sich im Anschluss langsam abkühlt. Die Verringerung der Temperatur geht mit einer Abnahme der Lösefähigkeit der Flüssigkeit einher, das Salz fällt aus und formt Kristalle. Nach vollständiger Abkühlung der Salzlösung auf Umgebungstemperatur setzt sich der Kristallisationsvorgang durch Verdunstung des Lösungsmittels fort. Dieser Vorgang kann während der Laufzeit der Ausstellung nicht von außen beobachtet werden.

(Markus Wirthmann, 2014)

Markus Wirthmann ist ein Künstler, der seine Arbeiten aus ephemeren und amorphen Materialien entwickelt. Wasser, Sand, Licht und Luft finden sich in technischen Experimenten, welche naturwissenschaftliche Prozesse als ästhetisches Mittel einbinden. Während die materiellen Rahmenbedingungen vom Künstler gesetzt werden, bleibt die Hervorbringung der Form gewöhnlich maschinellen Vorrichtungen überlassen. Sie reproduzieren Phänomene, die dem Anschein nach natürliche sind, bilden etwa die Erzeugung von Sanddünen oder einer Sonnenfinsternis nach. Diese Vorrichtungen und die Werke, die durch sie hervorgebracht werden, sind in zahlreichen Ausstellungen des Künstlers nebeneinander zu sehen. Durch diese Kombination meidet der Künstler eindeutige metaphysische oder poetische Zuschreibungen. Stattdessen ist Wirthmanns skulpturale Arbeit in einem ständigen Fluss, aus dem immer wieder ein Bild gerinnt, das die Bedingungen seiner eigenen Entstehung offenbart.

(Craig Campbell, Amherst, Mai 2014)

light: look at the sun

Annika Hippler

28.08. - 06.09.2014

Eröffnung: Do., 28.08.2014, 19 Uhr

geöffnet:

Sa., 30.08. und So., 31.08., 14 - 17 Uhr

sowie von 01.09. - 06.09. nach tel. Vereinbarung

Annika Hippler erzeugt mit Laserstrahlen hypnotische Raum- und Bildkompositionen. Ihre Arbeit experimentiert mit gebündelten Photonen und untersucht die malerischen Qualitäten von Lichtfrequenz und Wellenlänge. Ihre Bilder leuchten und sind im Dunkeln sichtbare Resonanzfelder eines elektromagnetischen Farbspektrums. Hipplers installative Arbeiten sind immer genau austarierte Lichteinfälle zwischen Konkretion und Diffusion. Verborgene Strukturen und Oberflächen verdunkelter Räume, Hallen oder gar Landschaften werden abgetastet und mit Spiegeln, Prismen, Folien in magisches Flirren versetzt. Es sind sublime Fata-Morgana-Systeme zwischen purem Minimalismus und sanfter Trance, deren räumliche Grenzen erst technisch präzise eingefangen, dann wieder völlig aufgelöst und unendlich erweitert werden. Es entstehen eigenständige, teilweise sich selbst überlassene Lichtuniversen, in denen von Chaostheorie und Kepplerschen Gesetzen die Rede ist.

Während im Moment der grosse helle Stern von Otto Piene besonders strahlend über der Stadt steht und in der Nationalgalerie noch einmal laut die Stunde Null der deutschen Lichtkunst schlägt, lässt Hippler als Hommage dazu im Spor Klübü eine dunkle Sonne scheinen. Die Nacht wird dazu sanft verstärkt, die Rolläden heruntergelassen, und vor der Tür eine Strassenlaterne gelöscht. Drinnen quellt und schlummert tief und fest ein majestätisches Volumen, während sich draussen irgendwann ein Pünktchen Licht von der Erdanziehung lösen wird und bald darauf als kleiner Schimmer in der Atmosphäre seine Umlaufbahn erreicht.

Annika Hippler wurde 1978 in Berlin geboren, wo sie heute auch lebt. Sie studierte an der UdK in Berlin und an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig u.a. bei John M Armleder. Ihre Lichtinstallationen wurden beispielsweise im Kunstverein Hannover, im ZKM Karlsruhe und im Zverev Center for Contemporary Art in Moskau gezeigt. 2011 wurde ihre Laserinstallation „Orbit“ vom ZKM Karlsruhe mit dem Kunstpreis „Gewebtes Licht“ ausgezeichnet. Aktuell ist Annika Hippler für den „International Light Art Award“ vom Zentrum für internationale Lichtkunst in Unna nominiert.

(Text: Ingo Gerken)

FLING FLING

Flamenca Fleming

27.06. - 05.07.2014

Eröffnung: Fr., 27.06.2014, 19.00 Uhr

geöffnet: Sa., 28.06. und So., 29.06., 14.00 – 17.00 Uhr

sowie von 30.06. - 05.07. nach tel. Vereinbarung

Flamenca Fleming (*1930) begann ihre künstlerische Arbeit im Frankreich der Nachkriegszeit. Ihre Arbeiten sind außergewöhnlich und dennoch in Deutschland so gut wie unbekannt. Ihre Skulpturen, Installationen, Assemblagen und Malereien erscheinen funkelnd neu, leuchtend und brisant. "Fling Fling" wurde von der Künstlerin in Zusammenarbeit mit ƒƒ zusammengestellt und zeigt sowohl Arbeiten früherer Schaffensperioden wie auch ganz neue Arbeiten.

Flamenco Fleming ist emeritierte Professorin für Performance-Kunst am Art Institute of Chicago und momentan als Gastforscherin an der Harvard University, Cambridge tätig. Sie wurde 1930 in Venezuela geboren, studierte an der École des Beaux-Arts in Paris und am California Institute of the Arts und zeigte ihre erste Einzelausstellung bei Leo Castelli, New York 1961. Fleming war eine Mitbegründerin des Feministischen Programms für Kunst in Fresno und am Cal Arts und eine der wichtigsten Teilnehmerinnen am legendären "Womanhouse“ mit ihrem “Gehäkelten Environment“ und ihrer ersten “fling fling" Performance. Ihre Arbeiten waren u.a. in "Les Magiciens de la Terre" (1989) und in "WACK! Art and the Feminist Revolution" (2007) zu sehen.

FLING FLING

Flamenca Fleming

27.06. - 05.07.2014

Opening: Fr., 27.6.2014, 7 pm

Opening times: Sat., 28.06. and Sun., 29.06., 2-5 pm

and from 30.06.-05.07. by appointment

Flamenca Fleming (*1930) began her artistic career in postwar France. Her artworks while extraordinary, are virtually unknown to a larger public in Germany. Her sculptures, installations, assemblages and paintings sparkle with vigor; her approach is crystalline in focus, slicing to the quick of the medium. "Fling Fling" was curated by the prolific artist in collaboration with ƒƒ and shows classical artworks from her oeuvre alongside fresh new implements.

Flamenca Fleming is Professor Emerita of performance art at the School of the Art Institute of Chicago, and currently a visiting scholar at Harvard University, Cambridge. Born 1930 in Venezuela, Fleming studied at École des Beaux-Arts in Paris and the California Institute of the Arts and had her forst solo show with Leo Castelli, New York in 1961. Fleming was a co-initiator of the Feminist Art Programs in Fresno and at Cal Arts, and key contributor to the "Womanhouse“ exhibition with "Crocheted Environment“ and her first "fling fling" performance. Her works were shown in the exhibitions "Les Magiciens de la Terre" (1989) and "WACK! Art and the Feminist Revolution" (2007).

A Life Of Metal

Tatiana Echeverri Fernandez

25.04. – 04.05.2014

Eröffnung: Fr., 25.04.2014, 19.00 Uhr

geöffnet:

Sa., 26.04. und So., 27.04., 14.00-17.00 Uhr

sowie vom 28.04. bis 03.05. nach tel. Vereinbarung

Performance in 3 Teilen

Sonderöffnung zur Performance Teil 2

(Teil 1 und Teil 3 nicht öffentlich):

Di., 29.04., 7.58-8.10 Uhr

Finissage/Präsentation der Arbeiten aus der Performance:

So., 04.05., 17.00 Uhr

mit Ausschank von "Danziger Goldwasser" aus der Weddinger “Preußischen Spirituosen-Manufaktur”

In den 1930er Jahren, bevor es Farbfotografie gab, produzierte Lili Kolisko Chromatogramm-Bilder. Sie ließ eine 1-prozentige Goldchlorid-Lösung an Filterpapieren hochsteigen, trocknete sie im Sonnenlicht und setze sie in eine weitere Flüssigkeit in größerer Menge, um an den Filterpapieren hochsteigen zu lassen. Einige violette Farbnuancen wurden sichtbar. Einige dieser Arbeiten machte sie frühmorgens am 19.06.1936, ein paar Stunden nach einer Sonneneklipse (Textübersetzung nach Nick Kollerstrom).

Tatiana Echeverri Fernandez zeigt neue Arbeiten, die prozesshaft die lebenden Eigenschaften von Metall untersuchen. Eigens dafür richtet sie ein temporäres provisorisches Labor im Spor Klübü ein. In der Annahme, dass Gold ein Gedächtnis besitzt, das über ein Strukturgedächtnis hinausgeht, wird sie außerdem mit Hilfe der Photosynthese von einer bestimmten Pflanze, der man eine Traumata lösende Wirkung nachsagt, versuchen, das Gold von seiner Vergangenheit zu „befreien“. In 3 Phasen - vor, während und im Anschluss an die Sonneneklipse, die am 29. April um 07.52 Uhr stattfinden wird – wird sie „Steigbilder“ erstellen. Lediglich zur Phase 2 - während der Sonnenfinsternis - wird man der Performance beiwohnen können.

Im Falle der hergestellten Bilder von Silber erkennt man, dass die Menge an entstandenen Formen so groß ist, dass es unmöglich wäre, ein Bild nur von Silber zu zeigen….. Im Falle von Gold sind die Farben so reich, dass viele Bilder observiert werden müssen, bevor man die Natur und den Charakter des Metalls realisieren kann. Die erscheinenden Farben reichen von purem Gelb bis zu dunklem Violett (Textübersetzung nach Lili Kolisko).

Camping Europa

Timea Anita Oravecz

28.03. bis 06.04.2014

Eröffnung: 28.03.2014, 19.00 Uhr

geöffnet: Sa., 29.03 und So., 30.03., 14.00 – 17.00 Uhr

sowie von 31.03. - 06.04. nach tel. Vereinbarung

Einführung

In „Camping Europa“ erarbeitet die ungarische Künstlerin Timea Anita Oravecz eine komplexe Installation zum Thema Einwanderung. Am Beispiel des Flüchtlingscamps auf dem Oranienplatz in Berlin-Kreuzberg geht sie der Frage nach, wie Menschen aus verschiedenen Kulturen mit der Stadt in ihrem täglichen Lebensablauf verbunden sind. Ihre Arbeit verknüpft persönliche und kollektive Erfahrungen mit kulturellen, historischen und sozio-politischen Themen.

Hintergründe

Mitten im Bezirk Berlin-Kreuzberg leben MigrantInnen ohne Papiere in einer improvisierten Zeltstadt und protestieren. Sie möchten sich gerne in die deutsche Gesellschaft integrieren, aber ihre Forderungen nach Bleiberecht, Abschaffung der Residenzpflicht und Arbeitserlaubnis sind bisher nicht erfüllt worden. Rund 200 Asylsuchende verließen im Oktober 2012 ihre offiziellen Unterbringungsorte in verschiedenen deutschen Städten und zogen nach Berlin, um auf ihre Notlage aufmerksam zu machen.

Ihr Protest findet immer noch statt - auch während im Oktober 2013 vor der italienischen Insel Lampedusa Hunderte von Flüchtlingen im Meer den Tod fanden, nachdem ein Schiff mit MigrantInnen aus Eritrea und Libyen Feuer fing und sank. Eine Hilfsorganisation bezeichnete diese größte Flüchtlingskatastrophe im Mittelmeer als „Europa's Krieg gegen Migranten“. EU-Offizielle verlangten darauf von Deutschland eine größere Anzahl von Asylsuchenden zu akzeptieren, aber Deutschland ist immer weniger bereit, neue Flüchtlinge aufzunehmen.

Die ungarische Mythologie unterteilt die Welt in drei Bereiche: die „Oberwelt“ (Felső világ), in der die Götter leben, die politische, zentrale oder irdische Welt (Középső világ), in der wir leben und die „Unterwelt“ (Alsó világ), die eine perfekte Spiegelung der „Mittelwelt“ bzw. irdischen Welt ist. Nach bestimmten Theorien war diese Ansicht auch üblich in früheren Bevölkerungsgruppen aus der Türkei, dem Ural und der Mongolei, sowie ähnlich vorzufinden bei nomadischen Bevölkerungsgruppen auf der ganzen Welt.

Ausstellungsinstallation

Der Besucher im Spor Klübü „steigt“ in die „Unterwelt“: Im Raum sind vier Iglu-Zelte kopfüber an der Decke installiert. Ein bedrückendes Szenario, das auf die Situation der EinwanderInnen in die EU verweist. Oravecz hat den Ausstellungsraum in ein imaginäres Stadtquartier mit Ausblick auf eine visionäre Stadtlandschaft - eine kopfüber an die Wand gemalte Silhouette von Stadtgebäuden - verwandelt. Eine übergroße EU-Flagge deckt den gesamten Boden des Ausstellungsraums ab und fordert zum Betreten auf.

Die kreisförmige Anordnung der Sterne - der Kreis an sich - steht symbolhaft für eine radikale Kraft, für die Unmöglichkeit, einer bestimmten politischen, wirtschaftlichen und sozialen Situation zu entfliehen. Die „Hinterland-Situation“ - die Stadtsilhouette - hält die Personen in dieser mit Fakten angehäuften Umgebung gefangen und macht sie zu wehrlosen Opfern.

Timea Anita Oravecz

(www.timeaoravecz.com)

(http://berlininterviews.com/?p=1112)

Seit über 15 Jahren hat Timea Anita Oravecz, gebürtige Ungarin, in verschiedenen europäischen Ländern gelebt. Gegenüber dem, was sie im sozialistischen Regime in Ungarn während ihrer Kindheit erlebt hat, zeigt sie sich begeistert von den kulturellen und sozialen Ansätzen in westeurpäischen Ländern. Mit den Erfahrungen, die sie als Migrantin macht, entwickelt sie ein starkes Interesse an den Beziehungen zwischen Integration, Herkunftskultur und persönlicher Indentität.

In Bezug auf alltägliche sozio-kulturelle Hintergründe in Stadträumen mit dem Thema

Migration realisiert sie von 2008-2010 das Projekt „Kiezhaus Container“ mit MigrantInnen in Berlin-Marzahn, um deren Situation mehr Sichtbarkeit zu verleihen. In dem Container-Treffpunkt organisiert sie Workshops, macht Performances, Installationen, Foto- und Videoprojekte.

In ihrem letzten Projekt arbeitet sie zusammen mit einer Berliner Aussiedler-Gemeinde von „Russlanddeutschen“ - Deutschen aus Russland. Sie waren Opfer der ethnischen Säuberungen während Stalin's Terror und dem Kommunismus. Ihnen wurde verboten, ihre Sprache auszuüben. Sie lehrt den Kindern der Aussiedler die alten Gesänge, die bei ihren Eltern in Vergessenheit geraten sind. In einer Zweikanal-Videoinstallation stellt sie die Gesänge, vorgetragen von einem Kinder- und einem Erwachsenenchor, sowie Interviews mit den Frauen und Aufnahmen von der Arbeit mit den Kindern gegenüber.

Ende

Manfred Kirschner

28.02.-08.03.2014

Eröffnung: Freitag, 28.02.2014, 19.00 Uhr

geöffnet: Sa., 01.03. und So., 02.03., 14-17 Uhr,

sowie vom 03.03. bis 08.03. nach tel. Vereinbarung

mANFRED kIRSCHNER - eNDE

Das Werk von Manfred Kirschner ist medial vielfältig und wechselhaft. Es umfasst Zeichnung, Performance, Video, Malerei und Objekt. In dem Unternehmen, sich der Freiheit der Künstlerrolle zu nähern, sympathisiert es am ehesten mit den Auffassungen des Neostrukturalismus.

In der Ausstellung „Ende“ bezieht sich Kirschner ästhetisch auf Endtitel im Film und setzt deren erzählerische Struktur frei. Die Einblendung des Filmendes ist Grenzzeichen der Sphären, das Reale drängt zurück. Über die Codierung ruft das Filmbild den Betrachter aus dem imaginären Reich zurück in sein Leben. Kirschner verarbeitet dazu Einkaufstaschen, Abbildungen aus Merian-Heften sowie auf der Straße gefundene Malereien in seiner sehr eigenen „Allover-Collage-Technik“.

Im Wald hinter seinem Elternhaus hat Kirschner gemeinsam mit einer Freundin eine Videoarbeit für die Ausstellung realisiert, die ein Filmende spielt. Der Film als Zitate-Collage wirkt schräg und doch seltsam gewohnt. Es wird deutlich, dass wir das Universelle durch ständige Wiederholung und Zitat erst kreieren.

Text: Gloria Regensburg

Dark Star

Monika Goetz

29.11. – 07.12.2013

Eröffnung: Freitag, 29.11.2013, 19.00 Uhr  

geöffnet: Sa., 30.11. und So., 01.12., 14-17 Uhr

sowie vom 02.12. bis 07.12. nach tel. Vereinbarung

Seit mehreren Jahren setzt sich Monika Goetz in ihren Installationen direkt mit der Raumarchitektur und der Abwesenheit von Licht auseinander. Durch gezielte Eingriffe werden neue Wahrnehmungswelten geschaffen. In ihrer Ausstellung im Spor Klübü konzentriert sich Monika Goetz auf die beiden gegenüberliegenden Seitenwände. In zwei wandfüllenden Installationen stehen sich dunkel glitzerndes Schleifpapier und ein aus den Schmauchspuren abgebrannter Wunderkerzen entstandener Stern gegenüber. Die Rauhheit des schwarzen Schleifpapiers (40-Körnung) läßt die BetrachterInnen einerseits Abstand wahren, gleichzeitig entwickeln die kleinen funkelnden Steinchen aber auch eine starke Anziehungskraft.

Dem gegenüber erstrahlt ein schwarzer Stern. Einige hundert Wunderkerzen werden beim Abbrennen direkt an die Wand gedrückt, ihre Glut und die seitlich sprühenden Eisenpulverfunken hinterlassen somit sichtbare Brandmarkierung auf der Wand. Diese wiederum ergeben eine eingebrannte Wandzeichnung, deren feine Linien sich über die gesamte Wand ausdehnen. Steht man in der Mitte des Raumes -zwischen beiden Arbeiten- so scheint man die Energie der dunklen Materien spüren zu können.

Observer

Von der bevorstehenden Veränderung

222. Konsultativkonferenz der Philosophischen Bauern

25.10.-01.11.2013

Eröffnung: Freitag, 25.10.2013, 19.00 Uhr

geöffnet:

Sa., 26.10. und So., 27.10., 14-17 Uhr,

sowie vom 28.10. bis 31.10. nach tel. Vereinbarung

Schlussveranstaltung: Freitag, 01.11.2013, 19.00 Uhr

Auszug aus dem Grußwort von Johann Andreas Naumann, Konferenzpräsident und Gründer der Philosophischen Bauern: „Als langjähriger Konferenzpräsident erfüllt es mich mit großer Freude, Sie in diesem Jahr zur 222. Konsultativkonferenz der Philosophischen Bauern begrüßen zu können. Und ich bin stolz, dass in diesem Jahr namhafte Organisationen teilnehmen, die sich um die Beobachtung der Veränderung in vielfacher Weise verdient gemacht haben:

• Amt für Apokalyptische Aufklärung (Patmos, Griechenland),

• Ethno-Maieutik & Reduce Ltd. (Peacock Island, Berlin, Deutschland),

• The Waldron Institute (Buffalo, NY, USA),

• und – natürlich – Die Philosophischen Bauern (Köthen & Berlin, Deutschland).

Wir werden uns in den kommenden acht Tagen gemeinsam mit den hochkarätigen Experten der Frage widmen, wie wir mit den Techniken der Beobachtung der bevorstehenden Veränderung auf die Spur kommen können. Und Sie können gewiss sein: Die Beiträge in den acht Sektionen werden Sie in Ihren Grundfesten erschüttern.“

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Sonya Schönberger

Christof Zwiener

Eröffnung: 27.09.2013, 19.00 Uhr

Laufzeit: 27.09. bis 05.10.2013

Öffnungszeiten: Sa., 28.09. + So., 29.09., 14-17 Uhr

sowie 30.09.-05.10. nach tel. Vereinbarung

Viel wurde über die Auswirkungen der Wende und die enormen Transformationsprozesse für Neubundesbürger seit der Wiedevereinigung geschrieben. In ihrer neuen gemeinsamen Ausstellung im Spor Klübü widmen sich Sonya Schönberger und Christof Zwiener diesem Thema auf skulpturale und installative Weise. Gebrauchs- und Alltagsgegenstände oder Symbolträger, die zu DDR-Zeiten auf Grund ihres besonderen Designs und der Vermittlung von politischer Ideologie bedeutsam waren, haben nach der Wende in vielen Fällen ihren Wert und ihre Bedeutung verloren. Die Menschen im Osten Deutschlands haben sich zum größten Teil direkt von Gegenständen und der Symbolik, die sie mit ihrer Vergangenheit verbunden haben getrennt, und maßen diesen im Vergleich zu allem, was aus dem Westen kam, keine Bedeutung mehr zu. Der Wille zum Neuanfang und das schnelle Verdrängen der Vergangenheit als Ausdruck deutscher Mentalität steht in der Ausstellung von Schönberger und Zwiener im Focus. Das spontane und oft unbedachte Niedereißen, Abtragen oder Zerstören von Geschichte und der Erinnerungen an die DDR steht das Bestreben des Verstehens und Begreifens durch Aussenstehende und die nachfolgenden Generationen entgegen.

Sonya Schönberger (*1975) begab sich für ihr Langzeitprojekt "nix zu reißen und zu beißen" auf eine höchst intime Spurensuche. Für die Recherchearbeit mit deutschen Zeitzeugen des Zweiten Weltkriegs in Deutschland und in den USA führte sie über 60 Gespräche im privaten Rahmen. Sonya Schönberger möchte die Auswirkungen der Traumata einer ganzen Nation auf die nachfolgenden Generationen untersuchen. Gerade in den persönlichen Gesprächen erfährt sie von einem spezifischen Charakter dieser Kriegsgeneration. Verdrängen, schweigen, weitermachen sind kollektiver Ausdruck einer Täternation, die auch gleichzeitig Opfer war. Mit dieser Arbeit thematisiert sie die individuelle Erinnerungs- und Bewältigungskultur persönlicher sowie gesellschaftlicher Historie.

Christof Zwiener (*1972) hinterfragt in seinen Arbeiten die kollektiven und subjektiven Wahrnehmungen historischer Spuren im öffentlichen Raum. Seit 2011 recherchiert und dokumentiert er zur speziellen Thematik des DDR-Fahnenmasts in Ost- Berlin, welcher ein wichtiger Träger der allgegenwärtigen und massiven Staatssymbolik war. Hierbei entstand eine höchst eigene Art der Topografie. Ähnlich einer Stecknadel, die Orte auf einer Karte markiert, vermessen diese letzten Relikte der DDR-Staatsmacht subtil den Raum und folglich die Geschichte. Mit der Fotoserie Twenty Years Of Solitude (2011-2013) dokumentierte Zwiener Fahnenmasten an 250 Orten in ganz Ost-Berlin, die seit dem Ende der DDR ungenutzt im öffentlichem Raum als stille Monumente verblieben sind. Des Weiteren setzt er mit seinem aktuellen Projekt ADN Pförtnerhaus einem weiteren Überbleibsel, dem DDR Pförtnerhaus, ein Denkmal.

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The Author as Consumer

Michael Schultze zeigt Michael Alfred Laurent

Eröffnung: Freitag, 03.05.2013, 19.00 Uhr

Laufzeit: 03.05. - 11.05.2013

Geöffnet: Sa., 04.05. + So., 05.05, 14.00 bis 17.00 Uhr

sowie nach tel. Vereinbarung (0179-8593744)

Michael Schultze im Gespräch mit/in conversation with Michael Alfred Laurent

So can you tell me a bit more about the show?

So talking about the show, trying to explain the show, to be honest - I can’t read one more press release. I’ve read too much of them- in fact I think I am reading nothing else than press releases. One is bombarded with this utterly crap. It is truly annoying, it produces a silly contemporary state of mind, one is sucked in a second hand downgrade of ... In fact reading press releases ruins everything, your live your perception, your believes. I can’ tell you how all this bores me to death.

So can you tell me then more about this idea of the „The Author as Consumer“ which gave the show its title?

See, we talk, and we could talk about truly interesting things, about freedom, about love, if this would be possible, to talk about love, which I came to think is impossible, well anyway, the world is rich, I think the baroque did got that right at least, they saw this world as a folded one where the different and opposing things -love, freedom, belief etc. might come together in a weird spatial fold certain practices like art could provide. But also meditation, activities like … well...

So could you emphasize this point of consumption and the corresponding role of the artist in contemporary culture?

Photography is the most evil consumption possible, it eats the world. But I can’t let go of it. It’s a shame. It’s both a ready-made and a produced thing, which makes it even more evil. its the devils gift to the modern world. it killed all things beautiful…

….

But it doesn’t stop here, you see - we are so used to his idea of plurality - and art was always in a way opposed to this idea, it dealt with the one thing, that one sublime object transcendents everything. Now plurality and the need to choose are the main obsessions in contemporary society, one might call it the core of our attempt to seek transcendence in choice - and consumerism is only nothing else then the easy way out of this trap.

This is where the problem of decision comes into play. It is no wonder that Kant wrote his „Critique of Judgement“ at the dawn of the French revolution, which was in fact a bourgeois revolution, and started what later would have become modernism. I am now interested in the other end of this game, and that is doubt, Doubt with a capital D. The ready-made idea of the choice ends in a fatal and greedy consumption and Doubt is an inevitable side-effect of this. You can overcome this metaphysical doubt while shopping or with pressing the shutter of a camera. 1/125 th of a second of decisive relief in our world lacking of final solutions.

No not at all, there is no critique involved, which is really hard. We learned from so early on - not just in artschool but much earlier, it might be the earlyest programming we underwent - that we have to be critical. In fact this is precisely the neoliberal state of mind: you have to be critical to fulfil your role as a member of late-capitalist society - you have to learn principles of judgement to be a consumer, it is your task to be judgemental because you deal with so much questions of choice: between 100 sorts of tomato sauce, mobile phones, toilet paper etc. you have to make the right decision. Same goes for culture, your choice of lifestyle etc… this very much relates to what we discussed earlier, this immanent duty to choose. So the ready-made is a wonderful symptom of this, a consumerist solution, which is does in fact complicate things.

One could be polemic and claim that the whole so called „critical practice” is in fact grounded on this paradox: to quote a famous critic: “nobody wants to be creative anymore”. The paradigm of being creative, once the core quality of an artist, has become highly suspicious. As an artist nowadays you have to be critical. But that leaves one thing completely unrecognised: that we all are highly critical subjects already and that there is this weird virtual commodity of criticality which is a highly sought after good and is being traded in society overall because it became the basis of our lives. So what I try to do at the moment is to just leave criticality behind, and search for a transcendence between failure and doubt.

Transcript of an interview with Michael Alfred Laurent by Michael Schultze, Berlin, April 2013

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talk

Al Masson (DK), Stefanie von Schroeter (DE), Roland Wegerer (AT), Stefanie Mayer (DE)

23.02. - 01.03.2013

Eröffnung: Freitag, 22.02.2013, 19.00 Uhr

Die Berliner Künstlerin Stefanie Mayer hat drei künstlerische Positionen eingeladen mit ihr gemeinsam im Spor Klübü auszustellen, intuitiv sind die Künstler und Werke kombiniert. Talk, „Sprich!“ oder Gespräch, lautet der Titel der Ausstellung. Wie angeregt sich die verschiedenen Werke unterhalten, kann man in der Ausstellung sehen und hören. Auch das Zwiegespräch mit jedem einzelnen gezeigten Werk funktioniert, es antwortet tatsächlich. Ein Film, Plastiken, Objekte, eine Wandarbeit aus Zeichnungen und Collagen und ein Gemälde sind zu sehen. Gemeinsam ist den Arbeiten die Umnutzung gefundener Gegenstände, der Destruktion und Konstruktion und der Anschein des Leichten, fast einer sommerlichen Atmosphäre, die in Spannung steht mit einer eigenartigen Schwere.

Obwohl sie zerstört sind, strahlen Stefanie von Schroeters Schirm-Objekte etwas Frisches, Lebendiges aus,unterstützt von der Bewegung im Raum und dem Betrachter. Durch die Schirme hindurch strahlt das Gemälde Super Loop 7 in Orange, Gelb, Violett, Silber. Die Linien wirken gebremst, abgebrochen, aber dennoch ergeben sie flüssige Ornamente, die sich durch die Ebenen des Bildes schlängeln.

Al Masson mischt komplexe Zeichnungen, Ausgeschnittenes, Cut-Outs, menschliche und tierische Figuren mit reduzierten Cartoons. „It stops here“, gibt eine Person vor und weist nach unten, auf ein offenes Gebilde. Was stoppt? Die Zeichnung, die unvollendet bleibt (ein symbolisch aufgeladener Weg oder Baum), oder die Arbeit an der Wandarbeit oder die Gedanken des Betrachters, die an dieser Stelle einhaken? Wie obsessiv Al Masson Wände ausstatten kann, in denen die Zeichnungen den gesamten Raum ausfüllen, hat ihren Vorlauf z.B. in der Arbeit Ideal Atelier. Es ist fast keine weiße Fläche mehr ersichtlich, immer mehr Ideen, Fragen, „Talks“ erobern sich ihren Platz und schmälern die restliche Fläche.

Roland Wegerer hat speziell für die Ausstellung eine Videoperformance konzipiert. Der Mund steht im Mittelpunkt seiner Arbeit Mouth Adjustment. Was kann man alles mit dem Mund anstellen? Sprechen, essen, trinken, spucken, ein- und ausatmen, küssen, liebkosen, beißen etc. Mehl, Kerze, Seifenlauge dienen als Experimentiermedien.

Spender heißt eine der Arbeiten von Stefanie Mayer. Wie so oft gibt die Künstlerin ihren Skulpturen aus Gips und weiteren Materialien einen poetischen, manchmal vieldeutigen Titel. Ist das Gebilde ein Wasser- oder Samen- oder Organspender? Eine Auflösung ist nicht intendiert, eher das Spiel mit den Assoziationen des Betrachters. Es könnte sich auch um eine Figur mit einer besonders aufgetürmten Haarpracht handeln. Kleiner Soldat ist gar nicht so klein. Er steht uns auf Augenhöhe gegenüber auf einem Sockel und blickt aus einem zerklüfteten Gesicht in die Welt. Die Jute, die um das Holz des Sockels gelegt ist, könnte ihn wärmen oder als Verpackungsmaterial dienen, das um die Transport- oder sargähnliche Kiste, den Holzsockel, gelegt wird.

So verschieden die Werke auch sind, in der in talk versammelten Auswahl spürt man etwas von der Versehrtheit, die mit Würde und einer gelassenen Selbstverständlichkeit präsentiert wird.

Text: Julia Wirxel

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SUBVERSION & ABGRUND

Eine Ausstellung der Künstlergruppe BEWEGUNG NURR (Alekos Hofstetter/Christian Steuer/Florian Göpfert) mit Werk- und Materialbeiträgen von:

Boris Abel, Michelle Alperin, bankleer, Rainer Bellenbaum, Tina Born, Lukas Feireiss, Peter Funken & Andreas A. Koch, Jörn Gerstenberg, Frauke Hehl, R. J. Kirsch, Andreas Koch (mit Andreas Schimanski und Angelika Middendorf), Ins A Kromminga, Käthe Kruse, Esther Horn, Joe Neave, Jens Meinrenken, Robert Sokol, Sabeth Buchmann, Tanja Vonseelen, Christine Weber und Daniel H. Wild

Eröffnung/Opening: Freitag, 25.01.2013, 19.00 Uhr       

Laufzeit: 26.01.-02.02.2013

Geöffnet am 26.01. und 27.01. von 14.00 bis 17.00 Uhr

sowie vom 28.01. bis 02.02. nach telefonischer Vereinbarung (0179-8593744)

Programm: Samstag, 02.02.2013

19.00 Uhr: Podiumsdiskussion zum Thema "Subversion und Kunst"

TeilnehmerInnen: Julia Lazarus, Kerstin Karge, Jens Meinrenken, Andreas Koch, Moderation: Peter Funken

21.00 Uhr: Live-Performance "BURQADIZCOMASCHINE"

Chris Dreier, D. Holland-Moritz, Ursula Döbereiner feat. Dancemaschines (Dreier/McLovla)

Es gibt im heutigen System keine echte Subversion. Im Gegenteil: jegliche Form der Subversion wird vereinnahmt (neudeutsch: kooptiert) und ihrer Kraft enthebelt. Dies gilt insbesondere für die Ansprüche der Kunst. Daß man deshalb durch Unterwanderung nur bestätigt, ist daher völlig klar und keine besonders hilfreiche Beobachtung. Subversion ist dementsprechend kein positiver Begriff oder eine effektive Gegenbewegung, sondern eine naive und illusorische Erwartungshaltung, die wenig bewirken kann.

Ein interessanter Lösungsansatz für diese Unwirksamkeit von Subversion liegt daher in ihrem Gegenteil, nämlich in der Affirmation. Kann man ein System dadurch unterwandern, in dem man es völlig bestätigt? Ist die wahre Subversion nicht diejenige, die ein System ausdrücklich aufrecht erhält und es konsequent auf seine Spitze treibt? Es daher "aufhebt" im doppelten Sinne? Diese Überlegung gibt dem Prinzip Subversion eine ironische Utopie zurück: nur durch eine vollendete Bestätigung kann das System seiner Macht beraubt werden, obschon auch diese Umkehrung genauso naiv wie der Glaube an eine subversive Kraft ist. Und dennoch persifliert dieser Glaube die Hoffnung auf eine Unterwanderung und gibt dadurch dem affirmativen Handeln im System eine Bedeutung zurück, die der Dekonstruktivismus uns ja allenthalben versprochen hatte, während er gleichzeitig auf einen alten Denkansatz im dialektischen Materialismus zurückgreift. (Wir warten allerdings immer noch auf die Erlösung.)

Wir sind also nach wie vor mit der Frage beschäftigt, was im Wirklichen den Platz für das Mögliche freihält. Es ist ein bekanntes Problem. Genauso könnte ja ein Spießer behaupten, er unterwandere den Kapitalismus von innen heraus, indem er subversiv Porsche fährt. Diese Eckpunkte weisen auf das hin, was die BEWEGUNG NURR uns ausrichten möchte: es sei Aberglaube, daß auch diejenigen, die es sich im System gemütlich gemacht haben, zu seinem Untergang beitragen werden.

Text: Daniel H. Wild, 2013

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ARBEITSTITEL

Zora Jankovich, Charlotte Duale, Juri Kußmaul, Zoe Kahlert, Evgenia Osimova, Jihye Hong, Stijn Lernout

Eröffnung: Freitag, 18.01.2013, 19.00 Uhr_One Night Show

Heuristik bezeichnet die Kunst, mit begrenztem Wissen und wenig Zeit zu guten Lösungen zu finden. Es bezeichnet ein analytisches Vorgehen, bei dem mit begrenztem Wissen über ein System mit Hilfe von Mutmaßungen Schlussfolgerungen über das System getroffen werden. Die damit gefolgerten Aussagen können von den optimalen Lösungen abweichen. Aus dem Diskurs um Skulpturale Rhetorik entwickelt, stellt die Präsentation der „gestalteten Masse“ in Form verschiedener Skulpturen und Objekte diese erneut zur Diskussion. Zu einem Ensemble verdichtet bildet sich eine Akkumulation unterschiedlicher Materialien und Volumina welche für sich stehend, ihre Präsenz nicht unbegrenzt entfalten können. Die Ausstellung entsteht anläßlich eines von Stijn Lernout an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee geleiteten Seminars.

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PARADE OF PROGRESS - PART I

Katharina Albers, Dina Bashir, Johannes Bünemann, Ole Brolin, Marek Cihal, Christina Dumont, Leon Eisermann, Lonny Fechner, Joana Maloup Mendez Flascha, Okka Hungrbühler, Tom Doughboy, Johannes Klever, Anne-Sophie Kneer, Cindy Korne, Georg Krause, Eun-Hee Lee, Merav Leibküchler, Paula Maak, Zoe Miller, Ayaka Nakamura, Kerstin Podbiel, Luisa Pohlmann, Cyryl Polaczek, Mary Ramirez, Esther Sibiude, Robert Stieghorst, Milena Thun, Linda Werner, Phillip Zaiser, Thomas Zipp

Eröffnung: Freitag, 14.12.2013, 19.00 Uhr_One Night Show

Die UdK-Klasse von Professor Thomas Zipp zeigt Arbeiten der letzten zwei Jahre und startet hiermit eine Serie von Ausstellungen, die den Arbeits- und Entwicklungsprozess der Klasse demonstriert. Eine Installation teilt den Ausstellungsraum in ein Aufnahmestudio und in einen Zuschauerraum. Die Trennwand zwischen den beiden Räumen hat eine zweifache Funktion. Sie ist sowohl provisorische Sichtblende zum Studio als auch Projektionsfläche für die Live-Übertragung aus dem Studio in den Zuschauerraum. An der Rückseite des Zuschauerraums gegenüber der Projektion hängen in einer Art Matrix aktuelle Arbeiten der StudentInnen der Klasse. Sie werden dort abgehängt und ins Studio gebracht, um in einer moderierten Situation und u.a. in Anwesenheit der KünstlerInnen besprochen zu werden. Im kleinen Studioraum befindet sich außerdem eine kleine Tribüne für weitere ZuschauerInnen.