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Über art.endart

Liste der teilnehmenden Künstler

Künstlerische Vita

DIE GESICHTER DES BILDES / FACES OF IMAGE

DIE GESICHTER DES BILDES / FACES OF IMAGE

Projektraum art.endart in Berlin

25.11.2022 Vernissage ab 19:00 Uhr

Ausstellung vom 26.11 bis 10.12.2022

Participants of the exhibition: Andrzej Banachowicz, Anna Bochenek, Rafał Boettner-Łubowski, Marina Burani, Milan Cieslar, Joanna Imielska, Sebastian Krzywak, Dáša Lasotová, Hanna Maria Ograbisz-Krawiec, Aleksander Radziszewski, Sonia Rammer, Andrea Vettori.

The exhibition is an international art project entitled Faces of Image (head and initiator of the project: Rafał Boettner-Łubowski PhD, professor at the Poznań University of the Arts / collaboration: Aleksander Radziszewski, M.A., assistant)

The international project FACES OF IMAGE aims to present selected contemporary possibilities of artistic creation of an image: from a traditional painting, through an image inspired by anti-illusionist (including expressionist and abstract) means of imaging, through photographic, film and digital imaging, and also imaging taking advantage of the possibilities of modern digital print on non-standard surfaces. The project includes also a presentation of works with images of visual quotations in various original creative depictions. Polish, Czech and Italian artists, who represent different generations and media of contemporary visual art, have been invited to participate in the project. The project does not have an artificially set curatorial statement (thematic or theoretic) but rather it is intended to present various current ways of creating an image, as well as various narrations, which can be thus proposed to contemporary audience. Therefore the assumptions of the project do not limit and close the explored subject but lead to revealing its potential, multithreading and wealth of creative possibilities. Present interest in creating various images is indeed vastly lively and it connects with numerous strategies (sometimes definitely opposing), assumptions, sensitivities or artistic preferences, sometimes resulting in works that are hybrid in terms of style or media. It is a precious and pluralistic situation, impossible probably to research totally and ultimately, yet possible to fragmentarily observe and research-also through revealing artistic attitudes and solutions which seem very valuable but are not significantly present and promoted in the official, mainstream artistic circulation. The initiator and head of the project FACES OF IMAGE is professor Rafał Boettner-Łubowski PhD, professor at the Magdalena Abakanowicz University of the Arts assisted by Aleksander Radziszewski, M.A., assistant, who also works at the University.

The FACES OF IMAGE project was initiated with an international exhibition in the Czech Republic, staged at the Půda Gallery in Český Těšín in the early autumn of 2022. The second exhibition of the project is the presentation at Projektraum art.endart in Berlin, organised in November 2022, while the third exhibition of the initiative will take place in Poland, in Poznań, at the beginning of 2023. In the case of the second and third exhibitions mentioned above, apart from the works that were presented at the Půda Gallery, art objects by several other artists will also be shown, making each of the subsequent exhibitions in the FACES OF IMAGE series also a new artistic event in its contextual aspect.

The project FACES OF IMAGE is financed by the Ministry of Science and Higher Education in 2022 as a result of research activity of professor Rafał Boettner-Łubowski PhD, employee at the Faculty of Art Education and Curatorial Studies at Magdalena Abakanowicz University of the Arts in Poznań.

The Dean of the Faculty of Education at the University of Ostrava, associate professor Daniel Jandačka, PhD, has offered his patronage to the international art project Faces of Image, including the exhibition connected with the project at Půda Gallery in Český Těšín in 2022, as well as subsequent exhibitions of the project in Germany and Poland. He has also made alliances in terms of artistic collaboration with the Head of the project, professor Rafał Boettner-Łubowski PhD, professor at the Magdalena Abakanowicz University of the Arts and his team (Aleksander Radziszewski, M.A., assistant; and the employees of the Faculty of Art Education and Curatorial Studies at Magdalena Abakanowicz University of the Arts in Poznań), to help accomplish the realization of the project.

PIPE DREAMS

Lost & Found

Stories of the City

Exploring etymology of cities language in form of visual conversation

Gruppenausstellung mit:

Zuzanna Rozanska (Kollagen) und

Marcin Kozak (Malerei, Digital Art, Skulpturen, Schmuck)

Ausstellung vom 25.02 - 27.02.2022

Vernissage am Freitag 25.02.2022 um 19:00 Uhr

Samstag & Sonntag von 14:00 - 18:00 Uhr offen.

Über die Künstler:

Zuza Rozanska - Making sense of the absurd

Collage as a medium offers me the chance to address the randomness of reality, its insistent clash of forms that we must make sense of to generate our understanding of reality. Here I can both evoke the absurdity of the world, and accept it, by drawing from my personal catalogue of symbols and associations in order to form a narrative, in defiance of this randomness, whilst still acknowledging it. Thus, for me, the means of creation is as important as the final pieces.I only use found objects for my collages: scraps of coloured paper, supermarket magazines,art books, little boxes - the ridiculous meets the sublime when I combine elements that Imeet by pure chance. The conviction that only found objects should be used is based onthe desire to faithfully deal with the randomness of reality: I do not wish to control things, Ionly wish to place them in a way that makes sense to me.When I add the element of language, another dimension arises, changing or enhancing themeaning of the imagery. Sometimes, the text inspires the image, and sometimes the imageinspires the text. The books I cut are also books that come to me by chance - books left ona bench, unread and unloved. I leaf through them and let words jump at me. The phrasesthat end up on the collages are at the same time mine as well as somebody else’s. I canhide as much as I like behind the cutouts of a stranger’s text.

(instagram : zuza_collage )

Marcin Kozak

Berlin based artist since 2013.

Creating in different types of mediums, such as paintings, digital art, street art, sculptures and uttility forms, many times combine with eachother.

Thru those forms he is trying to estabilish the dialogue with the city.

He is focusing at dynamics in relation between city-human and how it influences both sides.

Town language of pareidolia,(wikipedia) "tendency for perception to impose a meaningful interpretation on nebolous stimulus,

usually visual,so that one sees an object,pattern,or meaning where there is none"

- in forms created by spots found all around the town (digital art)

Monologue between city-citizen(street art)

Human beeing in metropolis(utility forms)

Exhibition Lost and Found: Stories of the City represents artists search for meaning thru those forms.

(instagram: fleck._paint )

United Mix

UNITED MIX

Media Art Exhibition - Weekend Kolonie Wedding e.V.

Within the framework of the exhibition UNITED MIX in Projektraum art.endart will present their

works: Przemysław Degórski , Markus Feiler, Xenia Torska + special guest Maryolkah (Saturday 29.01.2022 live sound performance)

Opening: Friday, 28.01.2022 19h

Saturday from 17-22h

Sunday from 16-20h

The Task of the UNITED MIX exhibition is to explore how the processes of multiculturalism affect the person´s perception of the same reality and how reality itself becomes a multicultural environment. Artists, born in different countries, each with their own cultural and traditional background use in their works repetitive patterns, which, despite their seemingly simplicity and imaginary unambiguous perception interpreted in completely different ways. The viewer is drawn into the game of interpretation and ambiguity and becomes a participant in intersubjective relations with art.

ABOUT ARTISTS

PRZEMYSŁAW DEGÓRSKI

Title: Speculative Timbres

Sound Installation

DESCRIPTION

The project is a speech prosody studium of timbral and rhythmic properties. The installation invites to explore connections between the semantic content (or lack thereof) of created words with intonation, melody, rhythm, silence and accentuation. The tradition of composing and shaping speech dates back to antiquity, when it was common to use feet - the accented and unaccented syllables - as rhythmical units (i.e. yambs, trochees, dactyls, anapests and others). They were popularly present in the western ancient literature and played an equal role in building an affective plot as importantly as the semantic layer itself.In this work the prosody becomes a contribution to thinking about the structure of creating transcultural communication - it explores its diversity, possibility of occurrence and translation into its different perspectives.

PRZEMYSŁAW DEGÓRSKI - composer, conductor, media artist, sound designer; graduated from Adam Mickiewicz University in 2018 (Interactive Media and Performance, Sound Engineering); and from Ignacy Jan Paderewski Academy of Music (Orchestral Conducting) in 2020. In 2018 started PhD studies at Institute of Theatre and Media Art. His research is based on exploring direct relationships and interactions between the sound and the movement, analysing sonic relations within the sound and the visual environments and applying the new materialism approach to sound studies contexts.

MARKUS FEILER

Title a: NEON CUBE

Acrylic on Canvas 2020, 50c50cm

Title b: LIFE No. 1

Five Rubik´s Cubes on acrylic glass, mounted on paper and wood (60 x 80 cm) 2011

DESCRIPTION

How to deal with complexity? With his neon-coloured interpretation, the artist brings back Rubik's Cube as a metaphorical learning tool.

MARKUS FEILER

(*1977 in Rotenburg an der Fulda) is a German conceptual artist. With his works he questions routines and opens aesthetic spaces that invite thinking, perception and the determination of one's own position. His works comprise mainly photography, object art and painting, without limiting his approach to individual techniques. Feiler's works are represented in numerous private collections and are shown in exhibitions in Germany and other European countries. He lives and works in Berlin.

„His working method is akin to an iconographic breakdown. He often raises complex contexts with the help of a single motif that has a high metaphorical value for him. This results in an interaction between aesthetic minimalism and depth of interpretation. “ Dr. Martina Pfeiffer, German journalist

XENIA TORSKA

Title: INFLUENCE

Process Installation

DESCRIPTION

This work is the artist's self-reflection on the subject of internal changes of a person during the impact of various external factors on them.

What affects us and how does it affect us? After meeting someone or something, do we stay the same, or do we change forever? The process installation invites the viewer to reflect on these questions together with the author.

Xenia Torska – media artist, theatre director; graduated from Tyumen State Academy of Culture and Art in 2011 (Director of Amateur Theatre) and Adam Mickiewicz University in 2021 (Interactive Media and Performance). She was born in Siberia, where she began to be interested in contemporary theatre and Russian new drama; she worked as a theatre director. After moving to Poland, she became interested in contemporary art, with which Xenia started to work during her studies. She is focused on the observation of processes. What matters is not the result, but the process that lead to it. Meditative contemplation is an attempt to stop within the moment, to stop the pace of everyday life and to reflect on what is happening inside a person. Xenia is a part of VIR Gallery.

SPECIAL GUEST MARYOLKAH

29.01.2021 live concert

MARYOLKAH creates music to listen to at parties and on the way back after them. She is a mixture of cultures, references, styles, experiences, communities and ideas combined into one unique sound. By growing up in Tunisia, where she was born, then studying in Poland, Scotland and France, she gathered inspiration for creating her music. She started her artistic activity by creating covers and reinterpreting songs by Lana Del Rey, Arcade Fire, Louisa Tounsia or Yasmin Hamdan, which she mainly performed as part of VIR Gallery events that she co-created since the beginning of 2020 with friends from college. It is a virtual art gallery presenting digital art as well as performances and concerts in a unique intermedia style. During the implementation of events, she cooperated with groups such as Pozqueer, Art Stations Foundation or Mediations Biennale. Her concerts feature electronic music with an admixture of acoustic elements. She performed material from the last album "Dope, Money & Fame" at the DYM Festival, Municipal Art Center in Gorzów Wielkopolski, or Lokum Stonewall (Poznań). Her music is characterized by post-internet, queer and glitch-pop threads. She will also present new songs in which he explores new styles and types of music. https://www.youtube.com/channel/UC9vDln8Jfi3g8Htc1EIa84g https://soundcloud.com/maryolka

Maryolkah is a part of VIR Gallery.

More about VIR Gallery:

This association provides an open, alternative and contemporary platform for artists and creators. It started its activity by organizing monthly exhibitions of multimedia works in virtual spaces by students of Interactive Media and Performance (UAM Poznań, Poland). Over time, virtual concerts of various genres were organized there. Currently, VIR Gallery organizes intermedia livestreams of concerts and performances enriched with visual effects. Thus, it creates "live music videos" in its original VIR style, which is livestreamed from the Projekt LAB Club in Poznań.

https://www.facebook.com/VIR-Gallery-108269387522059

https://www.instagram.com/vir_gallery/

https://www.youtube.com/channel/UCRKMdfnqUNjn7GzyBkCW-6w

CONFETTI

20 Jahre Kunst - Retrospektive

Die Anden als kulturelle Grenzzone Perus

MOTYLEK - F.Zieminski

KAPRIZIÖSE KREATUREN

SPIRITUELLE INSPIRATION

Berlin Fine Young Artists präsentiert

Justyna Dominika Rybska mit:

SPIRITUELLE INSPIRATION

Ausstellung vom 27.04. - 12.05.2019 im art.endart

Vernissage am Freitag zum KW Wochenende 26.04.2019 um 19:00 Uhr

Begrüßung: Dorota Kot

Kurator: Drazen Muse

Über mich:

(Deutsch)

Willkommen in meiner Welt der Farben, Schattierungen und Fantasie.

Ich bin Justyna Dominika Rybska, geb. am 03.04.1986 und wohne zur Zeit in Berlin, wo ich meine Kunst lebe. Ich bin in Santok aufgewachsen, einem kleinen Ort in der Nähe der Stadt Gorzów Wielkopolski in Polen. Ich male gerne was ich „fühle“. Im Jahr 2014 gab es ein lebensveränderndes Erlebnis in meinem Leben. Es hat die Art wie ich die Welt, die Realität, die Menschen und mich selbst wahrnehme total verändert. Es war so etwas wie eine Verbindung mit allem was existiert – die vollständige Vereinigung mit allem was da ist. Nach vielen Abenteuern der inneren Transformation fand ich mich schließlich wieder. Ich fand die Stille die immer der Teil meines Lebens war. Die Stille, die entsteht und aus der die ganze Welt hervorgeht. Und so begann mein Wunsch, Abstraktion zu schaffen. Ich habe diese Form gewählt, weil sie mir die Freiheit gibt, die Person zu sein, die ich wirklich bin.Es geht nicht darum zu verstehen, was meine Kunst angeht, es geht um Gefühle, die mich beim Malen begleiten. Das möchte ich mit den Menschen teilen.Die Kraft für meine Kunst kommt vom Leben und an einem unbeschreiblichen Ort kommt die Inspiration meine Bilder zu kreieren. Ich wünsche Ihnen eine schöne Reise durch meine Welt der Farben, Gedanken und Gefühle.

(Englisch)

Welcome to my world of colors, shadows and fantasy

I´m Justyna Dominika Rybska, born at 03.04.1986 and currently I’m living in Berlin where I create my art. I was raised in Santok – in a small location near Gorzów Wielkopolski in Poland. I love to paint and “feel”. In 2014 there was a life-changing event in my life which totally modified the way I started to perceive the world, reality, people as well as myself. It was something like a connection with everything that exists – the complete union with everything there is. After many adventures of inner transformation I finally found myself I found the silence, which had always been the part of my life. Silence which occurs and from which the whole world emerges. And this is how my desire to create abstraction began. I’ve chosen this form because it gives me the freedom to express myself, the person I truly am. It’s not about understanding when it comes to my art, it’s about emotions and feelings which accompany me while painting. This is what I want to share with people. The inspiration for my art comes from life. From an indescribable place comes the inspiration to create my paintings therefore. Have a great trip into my world of colors, minds and emotions.

7 Wege / 7 Dróg / 7 Ways

sieben wege / siedem dróg

wojciech sternak

eröffnung: fr, 29.03.2019 um 19.00

29.03.2019 bis 07.04.1019

art.endart gallery, dronthheimer str. 22, 13359 berlin

„Siedem dróg”

Prezentowane fotografie powstały podczas dłuższych bądź krótszych podróży i wędrówek. Opowiadam o niecodziennych szlakach i próbie doboru możliwie adekwatnej techniki fotograficznej – medium pomiędzy podróżnikiem a odbiorcą, które ma przekazać nie tylko obraz świata, ale również doświadczenie samej podróży. Parafrazując Marshalla McLuhana – fotografia staje się samym szlakiem, a widz – podróżnikiem na jednej z tych dróg.

Lappland

Laponia to północne rubieże Europy. Tu dzień potrafi trwać pół roku. Podroż miała ponad siedem tysięcy kilometrów i trwała niepełny miesiąc. Okrążyliśmy Bałtyk od wschodu, przekroczyliśmy krąg polarny, by później rozpocząć drogę na południe: przez Lofoty, Dalarnę i Danię.

Jak w tysiącach zarejestrowanych zdjęć oddać niespieszną jazdę i spokojne biwakowanie po drodze czy kilkugodzinne wałęsanie się nad wodą, po lasach, miastach i miasteczkach? A może wystarczy ich jedynie kilkadziesiąt, kilkanaście?

Jedną z prób odpowiedzi są prezentowane fotografie: wykonane prostym, starym aparatem na niezwykle długich czasach naświetlania sięgających od dwóch do kilkunastu godzin – tyle, ile trwał nasz pobyt w danym miejscu, posiłek czy sen. Tyle, ile trwała nasza podroż.

Barwny wydruk cyfrowy z neg analogowego 6x6cm, 12,2x12,2cm

Lapland is the northern border of Europe. Here the day can last six months. The trip was over seven thousand kilometers long and lasted an incomplete month. We circled the Baltic Sea from the east, crossed the Arctic Circle, and then started the road to the south: through Lofoten, Dalarna and Denmark.

How to record, in thousands of taken pictures, that unhurried driving and peaceful camping along the way or a few hours of wandering around lakes, through forests, cities and towns? Or maybe just a few dozen would be enough?

One of the attempts to answer is presented photographs: made with a simple, old camera on extremely long exposure times ranging from two to several hours - as much as our stay in a given place, meal or sleep lasted. As much as our journey lasted.

Digital colour print from 6x6cm negative, 12,2x12,2cm

Monte Silentii:

Podróż w inną kulturową czasoprzestrzeń może rozpocząć się ledwie kilkanaście kilometrów od wielkiej aglomeracji i trwać od rana aż po gęsty zmierzch. Góra Milczenia – jak tłumaczono pierwotnie pochodzenie jej nazwy – to jeden z najstarszych zachowanych obszarów słowiańskiego kultu, a pamięć o przypisywanej jej magicznej mocy przechodzi z pokolenia na pokolenia. W połowie XIX wieku zaczęła być popularnym celem turystycznych peregrynacji – to okres, w którym losy fotografii i turystyki zaczęły łączyć się nierozerwalnie w silnym sojuszu wzajemnie nakręcających się spiral, a technika albuminowa stała się kluczowym medium. I w tej właśnie, ponad 150 letniej technice wykonano prezentowane odbitki w klasycznym formacie 5x7cala.

Odbitki albuminowe, 5x7 cala

A journey to another cultural space-time can begin only a dozen kilometers away from a big agglomeration and last from the morning until the dusk. The Mount of Silence - as the origin of the name used to be explained - is one of the oldest preserved areas of Slavic Pagan worship, and the memory of the magical power attributed to it passes from generation to generation. In the mid-nineteenth century, it began to be a popular destination for tourist excursions – that was the period in which the fate of photography and tourism began to unite inseparably in a strong alliance of mutually wobbling spirals, and the albumin technique was a key medium. The presented prints are made in that over 150 years old process, using the classic 5x7 inch format.

Albumen prints, 5x7”

Wojciech Sternak

Fotograf i kulturoznawca. Doktorat w dyscyplinie sztuki piękne. W 2006 roku wydał pierwszy polski album o katastrofie czarnobylskiej „Cień Czarnobyla”. W 2013 roku zaprezentował w Państwowym Muzeum Etnograficznym w Warszawie dokumentalny projekt „Dopóki. Wisła” opowiadający o Polsce z perspektywy jej najdłuższej rzeki. Od 2014 tworzy wielowątkowy cykl badający wzajemne wpływy podróży i fotografowania. Wykłada teorię i praktykę fotografii na Uniwersytecie Warszawskim, dyrektor Studium Fotografii ZPAF (Związek Polskich Artystów Fotografików). Autor tekstów o fotografii oraz wystaw indywidualnych i zbiorowych, czasem kurator.

Die Essenz der Worte

Der Ritter von der Panke

Berlin Soup Art Festival

Magia Moraw - Magie Mährens

TRANSITIONS

: Vernissage am KW Freitag, dem 25.Mai 2018 ab 19:00 Uhr. Ausstellung vom 26.5 - 10.6.2018

Tytuł wystawy: Przejścia / Transitions/ Übergänge

Warstwy papieru nakładane jedne na drugie nieustannie na siebie wpływają. Wciąż zachodzi między nimi niekończąca się interakcja. Powstające przestrzenie, zwielokrotnienia, rozpoczynają proces krystalizowania się nowej realności, która tak jak każdy krystalizujący się płatek śniegu, przyjmuje zawsze odmienną, niepowtarzalną formę. W mnogości form próżno szukać powtórzeń. Każda chwila stwarza novum, odmienność wzbogacającą odbiór. Interesuje mnie zwłaszcza sam moment przejścia od jednego stworzenia struktury do kolejnych jego odsłon. Ciekawią mnie sytuacje pośrednie, przejściowe, które cechują się ciągłą zmiennością.

The swell of forms and structures is additionally intensified by diversity of levels and accumulation of different stratums of paper. The stratums of paper put one on the other incessantly influence each other. New spaces come to the existence, multiplications begin the process of the crystallization of the new reality which as each crystallizing flake of snow takes each time its own unique shape. In the multitude of the flake forms you cannot find any repetition. Each moments creates novum -difference enriching receipt. For me the very moment of the crossing frome one buildig structure towards following

ones is the most important question.I am interrested in the indirect, momentary

situations in permament change.

VITA:

ALICJA JEZIORECKA

Alicja Jeziorecka- urodzona w 1981 roku.W latach 2002-2007-studiowała na Wydziale Edukacji Artystycznej na Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu, dyplomy w zakresie pedagogiki sztuki,rysunku i malarstwa w architekturze i urbanistyce w 2008 roku u prof.. A.Kępińskiej, prof.B.Wojtasiaka oraz prof..J.Gawrona.

W latach 2003-2008 studiowała na Wydziale Architektury i Wzornictwa na Akademii

Sztuk Pięknych w Poznaniu, dyplom w zakresie architektury wnętrz u prof.J.Usarewicz-Owsian.

W 2013 roku uzyskała stopień doktora sztuki w dziedzinie sztuk plastycznych w dyscyplinie artystycznej sztuki piękne na Wydziale Malarstwa na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu.

Pracuje na stanowisku adiunkta w X Pracowni Rysunku prof. A. Załeckiego na Wydziale Malarstwa i Rysunku na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu.

Prace obejmują rysunek, instalacje, fotografię i projektowanie.

Otrzymała stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego(2006/2007).

Finalistka Konkursu Marii Dokowicz (2007)

Stypendystka A-21 International in Osaca w Japonii(rezydencja artystyczna 2011)

Alicja Jeziorecka-born in 1981. In the years 2001-2008 study at the Artistic Education

Faculty in the Academy of Arts Faculty in Poznań. Diploma in specialities of pedagogy of arts,

drawing, architectural painting in 2008( profesors:A.Kępińska, B.Wojtasiak, J.Gawron)

In the years 2003-2008 study at the architecture and design faculty in the same school.

Diploma in the domain of inner architecture(prof..J.Usarewicz-Owsian)

Doctor of art in degree 2013.

Works as a senior assistant in the Drawing studio in the University of the Arts in Poznań, Poland

In search of a lost body

In search of a lost body

The body always eludes its materiality. It oscillates between what is in the past and what

is in the present and - above all - in the future, hidden in its potentiality, which will come true

in a moment. It appears in time already lost or in time that will soon be lost, lost in nothingness.

For the body does not have its own "now", it is only a place of becoming, passing, passing away.

So if you look for some kind of its "nature", it will certainly be fantomaticy - it will be an illusion,

that you are in the body, will finally be, able to resort to the elementary language of psychoanalysis, its projection.

But - on the other hand - we know perfectly well, that we have a body: we finally feel its real presence, its real needs and desires, its pleasures and pains. Its all kinds of rich states.

Therefore, the body is still as if it is fleeing us and at the same time it is still close to us.

It is still not with us (and us) - and it is still with us (and us). It still manifests simultaneously in its continuity and discontinuity, in crazy dynamism, in change - and in permanence, in abiding with us and with us.

Photographs of Łukasz Owczarzak are a sensitive - but also brutal - attempt to wander into this tear between the two states of things, between the two extremes, so to speak, the situations of the body. Between what is real in him and what is illusory in him, belonging to the world of illusion. And at the same time between what is drastically material in it, as if "animal" or "wild", and what has already been tamed and assimilated, thoroughly own and unique (but also, for the same reason, spent on spoils and transformations, for the protection of mysticism, dark fears and erotic desires, distortions and somnambulinary delusions).

The artist reveals himself here as an archaeologist of our lost and subjected to constant loss of the body, condemned, with all its explicitness, to an apartment in a hell populated by spectres

and hallucinations. But also, it is his second important idea, he is directed cold to the pain - where

he focuses as if on the body shell itself, on morphology - entomologist instinct, without scruples collecting his specimens: human effigies and masks, human meat exhibited (and exhibiting) for the show.

The aesthetics of Łukasz Owczarzak's photographs is not an aesthetics of pity, especially cheap pity and tearful pity. This is often a kind of Grand Guignol - a theater of dread and human suffering, enchanted in the body and through this body experienced in various ways: from acquiescence to pain to escape to sleep, bitter, metaphysical grotesque or provocative sexuality without being embarrassed. The artist knows well, like few people, that the body has its unpleasant secrets and ugly wounds, has its restless whims and gloomy stigmata. And that they too, although pushing them to the unconscious and trying to invalidate or invalidate this way, make up its identity, its fullness, free from temptation - inhuman in essence - idealism. Therefore, searching for a lost body in this context means the same as recovering the degraded and rejected form of our humanity.

Dimension G, Anima Animals, and Hidden Desires are three independent photo sessions made by Łukasz Owczarzak in 2009 - 2017. All are related to the fun and the type of psychological game. The artistic group Black Dwarf was active in all of them, and repeatedly stood in front of the artist's lens, creating a kind of happening, during which the roles of the participants and the sense assigned to them were often changed. Each session, according to the intentions of the artist, had its leading idea related to the search for truth, sometimes blunt and paradoxical truth: the truth about beauty in Dimension G, truth that would connect with discovering the animal human nature in Anima Animals or finally internal - extremely introverted - the gaze of closed eyes in Hidden Desires.

Professor Zbigniew Mikołejko

philosopher and essayist

The exhibition is co-financed by the city of Bydgoszcz

ATMOSPHÄREN

Digital Feeling

FEINSCHATTIERUNG

Dis-Appearance

The Antidepressive Graffiti

DAILY ROOM. kitsch & art

Osteuropa Tage Berlin

HACKEPETERJESUS

Bunte Haut

Bunte Haut

Krzysztof Jarzebinski

Vernissage am 31 März 2017 um 19 Uhr

Ausstellung vom 31.03 bis 16.04.2017

Öffnungszeiten : Samstag und Sonntag von 14 bis 18 Uhr und nach telefonischer Verainbarung unter 01573 496 9888

Die Ausstellung Bunte Haut von Krzysztof Jarzebinski porträtiert Akte und deren stoffliche Hülle. Kleidung wie Person wurden einzeln abgelichtet und wirken in ihrem Ausdruck kongruent. Die Fragen wer bin ich und wie stelle ich mich dar, werden in einer Reduktion präsentiert, die die Persönlichkeit jedes einzelnen Aktes erscheinen lässt.

Worauf bist Du stolz?

Liebst Du Dich?

Wofür schämst Du Dich?

Was ist besonders an Dir?

Tja, wer bin ich eigentlich? Und wer möchte ich sein? Die kleinsten Fragen sind meist die schwersten. Es sind Fragen, die sich zur Beantwortung an unser persönliches Inneres, unser Selbst, wenden müssen. Lexikalische Fakten sind hier nicht zielführend.

Diese Fragen leiten ein. Krzysztof Jarzebinski versetzt damit seine Modelle in eine introspektive Stimmung. Es geht hier weniger um die nackte Haut der Aktfotografie denn um die Entblößung des inneren Wesens. Der Akt bei Jarzebinski zeigt einen persönlichen Moment. Einzig und allein der Mensch zählt: Das Selbstbild in seiner äußeren Haltung wird sichtbar.

Kleidung hat schon lange ihre Urbedeutung des zweckhaften mechanischen Schutzes verloren. Sie dient uns heute als Versteck, Repräsentation, Verkleidung, Wunsch, Sehnsucht, Schmuck… als stoffliche Hülle und textiles Abbild unserer Selbst.

Krzysztof Jarzebinski porträtiert daher den Menschen ebenso wie dessen dazugehörige Kleidung. Was sagt das Stoffliche aus?

Das einzelne Kleidungsstück – in seiner Wahl, Zusammenstellung und Präsentation, losgelöst von seinem Köper, schafft im Abgleich mit diesem einen voyeuristischen Moment von erstaunlicher Intimität. Die Platzierung der Hülle, vom Modell persönlich arrangiert, fesselt das Interesse. Es ist das abgestreifte Selbstbild, was so erstaunt. Wie die Häutung einer Schlange, wenn die Hülle zu eng wird, liegt sie da, die bunte Haut.

Krzysztof Jarzebinski schafft es die Vielfalt einer Persönlichkeit im Moment festzuhalten. So paradox es klingt. Aber es scheint, als ob der Persönlichkeitsfixstern porträtiert wurde, von dem alle Facetten des Ichs einzeln strahlen.

Mirjam Casandra Wendt

The exhibition Bunte Haut by Krzysztof Jarzebinski portrays nudes and their veils. The individuals and their clothes were photographed independent of each other however their expression are in congruence. The questions of who I am and how I present myself are introduced through this reductive process, shedding light on each respective nudes' personality.

What are you proud of?

Do you love yourself?

What are you ashamed of?

What is special about you?

Well, who am I? And who would I want to be? The smallest questions are usually the most difficult. In order to answer to our inner self these questions must be addressed. Lexical facts are not relevant here.

Whilst Jarzebinski puts his models into an introspective mood, these questions are initiated. It is not so much about the naked skin of the figures, rather exposing the inner being.

Jarzebinski's nudes show a personal moment. Only being human counts: the self-image in its external attitude becomes visible.

Clothing has lost its original function of mechanical protection. It serves us today as a veil, representation, disguise, desire, longing, decoration ...

Therefore Jarzebinski portrays the human being as well as his accompanying attire, so then what does this material mean?

The individual pieces of clothing detached from the body create a voyeuristic moment of astounding intimacy. The placement of the clothes, personally arranged by the model captivates interest. It is the stripped self-image which is so astounding.

Like the molting of a snake when the sheath becomes too tight, there it lies, the colored skin.

As paradoxical as it might seem, Jarzebinski manages to capture the diversity of a personality at an instant. It seems as if the personality fixation was portrayed from all facets of the ego radiating individually.

Rabbit In Progress

Treasures Collection II

the night bell with lightning

THE NIGHT BELL WITH LIGHTNING

* MEMORY (…) das Gedächtnis ist unsere ganzes Leben. Ein Leben ohne Gedächtnis wäre kein Leben (…) ist unser Zusammenhalt, unser Grund, unser Handeln, unser Gefühl. Ohne Gedächtnis sind wir nichts. Luis Buñuel Mein letzter Seufzer. Erinnerungen / 1982

"Wer im Gedächtnis seiner Lieben lebt, der ist nicht tot, der ist nur fern; tot ist nur, wer vergessen wird"

Immanuel Kant

Die Ausstellung ist ein Versuch darüber, was für die Künstlerin Gedächtnis sein kann. Die Künstlerin bezieht sich auf ihre persönliche, oft intime Erinnerung und berührt zudem das kollektive Gedächtnis. Vorstellung und Phantasien stürmen unentwegt auf die Erinnerung ein, und da wir versucht sind, der Realität des Imaginären zu glauben, machen wir schließlich aus unserer Lüge eine Wahrheit.* Was auch nur von relativer Bedeutung ist, beide sind ebenso gelebt, ebenso persönlich. *Eigene Erinnerungen werden vergessen, unterliegen oft unerbittlichen Angriffen der Phantasie und der Träume.* Das Gedächtnis wird falschen Erinnerungen ausgesetzt, die es dauernd bedrängen, es Tag für Tag überfluten. In einer natürlichen Art und Weise verflechten und vermischen sie sich, um wie ein Bild zu wirken, die Landschaft zu erschaffen, real und nicht real. Sie konfrontiert sich mit ihrem eigenen und dem kollektiven Gedächtnis. Fotografie und Gewebe ist der Ausgangspunkt der Installation, Fotografie als Medium ist schon wie eine materialisierte Erinnerung, ersetzt sie sogar für viele. Wir sehen die Bilder und wissen - die Sepiafarbe weist darauf hin: es geht um Erinnerungen, die Gesichter im Fotonegativen sprechen über die Vergangenheit und Gedenken. Wir beginnen uns zu fragen, um was es sonst noch geht.

Man kann Fragen stellen und diese beantworten, den Satz beginnen und ihn schließlich zu Ende bringen. Der zweite Teil der Arbeit basiert auf der Reflexion, sie gibt uns die Möglichkeit, unsere Gefühle, Gedanken, Erinnerungen miteinander und letztlich uns mit uns selbst zu konfrontieren.

(Iwona Borkowska, Bunuel *)

MUSE LIVE

AN_IMA(L)GINATION

AN_IMA(L)GINATION. Als sie eins wurden, erblickten sie neue Horizonte

Eine Ausstellung von Herlambang Bayu Aji mit Y.M. Adhimiharja und Niyah Rosfita Dewi Linolschnitt trifft Batik, Stoff und Schere. Kuratiert von Camilla Kussl

Vernissage am Freitag, 21. Oktober 2016 um 19 Uhr

Tanz-Improvisation: Katerina Valdivia Bruch

Vom 22. Oktober bis 20. November 2016

Öffnungszeiten Mittwoch bis Sonntag, 13 Uhr - 18 Uhr.

Wir freuen uns auf Euren Besuch und bieten ein vielseitiges Begleitprogramm: Mit großer Vorfreude können wir zur Vernissage am 21.10. Katerina Valdivia Bruch mit einer Tanz-Improvisation ankündigen. Während der Ausstellung wird es Workshops geben, in denen ihr in kleiner Runde gemeinsam mit den KünstlerInnen die Techniken des Linolschnitts und der indonesischen Batik lernen könnt.

An drei Abenden bereiten die KünstlerInnen ein Abendessen für euch vor, bei dem ihr die indonesischen Spezialitäten probieren könnt und bei einem Glas Wein mit den KünstlerInnen über die Ausstellung ins Gespräch kommen werdet. Am 4. November wird die wunderbare Dorle Ferber unsere Ohren mit Stroh zu Gold erfreuen.

Termine:

22. und 23. Oktober von 13 bis 17 Uhr

Linolschnittworkshop mit Herlambang Bayu Aji.

Bitte anmelden, die Teilnehmerzahl ist begrenzt.

4. November ab 19 Uhr Indonesisches Abendessen:

Bayu Aji kocht Nasi Pecel, Reis mit Gemüse, hausgemachter Erdnusssoße, gebratenem Tempe, Tofu und Spiegelei. Vegetarisch oder Vegan. Bitte anmelden, die Teilnehmerzahl ist begrenzt.

21 Uhr musikalischer Salon mit Dorle Ferbers Stroh zu Gold, Stimme und Violine.

5. und 6. November von 13 Uhr bis 18 Uhr

T-Shirts drucken. Bringt eure T-Shirts mit. Jeder Druck 5,-€.

11. November ab 19 Uhr:

Indonesisches Abendessen: Niyah R. Dewi kocht Sate, Lammfleischspieße in Erdnuß- und Sojasoße. Dazu gibt es Lontong, in Bananenblättern gedämpften Reis, Krupuk und Acar, indonesische Pickles. Bitte anmelden, die Teilnehmerzahl ist begrenzt.

12. November 2016 von 13 Uhr bis 17 Uhr

Linolschnittworkshop mit Herlambang Bayu Aji.

Bitte anmelden, die Teilnehmerzahl ist begrenzt.

13. November 2016 von 13 bis 17 Uhr:

Batikworkshop mit Niyah R. Dewi. Bitte anmelden, die Teilnehmerzahl ist begrenzt.

18. November indonesisches Abendessen ab 19 Uhr:

Y.M Adhimiharja kocht Tutug Tempe, sundanesischen gebratenen Reis mit Tempe und Karedok, Gemüsesalat und Pepes Ikan, in Bananenblättern gedämpftem Fisch.

Bitte anmelden, die Teilnehmerzahl ist begrenzt.

19. und 20. November 2016 von 13 bis 17 Uhr:

Batikworkshop mit Niyah R. Dewi, jeweils. Bitte anmelden, die Teilnehmerzahl ist begrenzt.

Anmeldung für Workshops und Abendessen bei: herlambangbayuaji@gmail.com

Kostenbeitrag 10,-€ pro Person/Termin.

Weitere Information unter:

www.herlambangbayuaji.webs.com

www.koloniewedding.de/artendart/

www.facebook.com/events/1591564661147787/

Flying Wild and Free

Alexandra Fly

Flying Wild and Free

Alexandra Holownia

Alexandra Holownia arbeitet seit mehr als zwei Jahrzehnten an einem vielschichtigen Werk, das sich mit Erweiterung der Begriffe Performance/Kostüm/Skulptur umschreiben lässt. Seine Werk umfasst Weichskulpturen, Installationen, Aktionen im Öffentlichen Raum, Performances Videos, Fotos, Zeichnungen und Bücher. Eine der einflussreichsten Werkgruppen stellen dabei Holownias Alexandras Fly Flesh Sculptures.

Der Menschliche Körper steht im Zentrum ihre Interessen.„In den 80. hat mich mit seiner Veränderung der Dinge in Weiche Skulpturen, Claes Oldenburg Inspirieret“ – sagt die Künstlerin, die Ihre ersten weichen Skulpturen „Ulisses“ aus Farbigen Leinen hergestellt hat.

Die weichen Körperteile wie: Mund, Auge, Nase, Hand und Bauch haben

zwei Funktionen. Erstens, die geben Schauspielern die Möglichkeit mit ihnen zu

spielen und können so in Spektakels oder Performance eingesetzt werden.

Sie können aber auch als unabhängige Elemente ausgestellt werden.

Diese Idee hat Sie in Ihrer ersten Performance „Ulisses“ vom James Joyce

in Warschauer Theater „Buffo“ so wie in Multimedia Kunst Festival MuKu

in K-18 in Kassel 1989 gebracht.

Alexandra Holownia Performance „Ulisses“ bezieht sich auf „Bloomusalem“

Den XIV Kapitel der „Ulisses“ vom James Joyce und sorgte für Aufregung in 1989 in Poznan Theater „Nowy“. Dort durch die Direktorin, Izabella Cywinska,

(die in Solidarnosc Zeiten auch polnische Kulturministerin war) Holownias

Werke zensiert worden und vor den Vernissage in Keller eingeschlossen.

Die Entwicklung der Idee der weichen Formen führte zu den Skulpturen

Und Performance Installationen „Verwandlung und Vergänglichkeit“,

die 1991 auf der Art Nürnberg 5 gezeigt wurde. Zwanzig Jahre später in 2002 kehrt Alexandra Holownia zu Skulpturen, Installationen zurück und beschäftigt sich mit Aktionen und Interaktionen

im Öffentlichen Raum. In Ihre Installation „Dolly Baum“ aus dem Jahr 2002 werden Poppige Puppen-Skulpturen und Skulpturen-Kostüme mit zugenähten Körperteilen dem Passanten am Wismar Platz in Berlin angeboten. Die lustige Interaktion mit Publikum basierte auf die „Ulisses“ Skulpturen Prinzip und ist als eine Toleranz Probe für die Heutige Gesellschaft zu verstehen. 2007 realisiert sie Kunst Projekt Alexandra Fly. Für Ihre Gestalt Entwickelt sie Begriff Kunst Figur. Kunstfigur “Alexandra Fly “bezieht sich auf Tabus in populärer Kultur, Geschlechterrollen in

Religion, Sexualität, Erziehung und Bildung. Künstlerin Alexandra Holownia als Life Sculpture „Alexandra Fly“ kostümiert in ein „Vagina Kleid“ manifestiert die freie Betrachtung des Individuum. Steht für Geschlechter, die ohne Religiösen Einfluss und jedes Tabu gesellschaftlich existieren sollten. Sie Ruft zur gesellschaftspolitischen Toleranz, Akzeptanz des Menschenrechts und zu der Freiheit dersexuellen Selbstbestimmung auf. Alexandra Flys Auftritt soll zum Dialog führen. Das Publikumwird mit geschlechtsspezifischen Erziehungsmodellen und Rollen konfrontiert die zum Denken anregen sollen.Seit 2007 Alexandra Holownia als Alexandra Fly ist in Europa unterwegs. Performance Alexandra Fly Dance hat seine Premiere an der Performance Festival in Zentrum für Zeitgenössischer Znaki Czasu in Torn in 2014 gehabt. In Performance waren Alexandra Fly´s Kostüme präsentiert: Kunstmütze, Hut, Tuch, auch Bluse

mit extra genähte Stoff Brüste, Lippen oder Penis aus Seide. Die Besucher könnten diese tragen und

für ein paar Minuten in die Rolle von Alexandra Fly schlüpfen um die Intension der Künstlerin

besser nachzuvollziehen.Jeder kann mit machen. Jeder kann Kostümiert sein, Tanzen und Singen. Alexandra Fly zeigt die Tanz schritte. Abstrakte Bewegungen und Provokante, Lustige Kostüme wecken die Direktheit des körperlichen Ausdrucks, Wahrnehmung und Kommunikation. Vermitteln Toleranz aber auch vor allem beweisen Einfluss Dada auf heutige Kunst. Alexandras Fly Flesh Sculptures sind die einmalige Foto-Schnappschüsse und Unikate vom Posen die Kunst Figur Alexandra Fly zusammen mit andere Werke zeigen.

Presse: http://www.art-in-berlin.de/incbmeld.php?id=4039

SPUREN Carolina Lopes

Spuren

Carolina Lopes

Vernissage am 26.August 2016 um 19:00 Uhr mit Livemusik

Ausstellung vom 26.August bis 11.September 2016

CV English:

Carolina Lopes is a portuguese Graphic Designer and Fine-Artist, currently living and working in Berlin. She studied Multimedia Design in Beira Interior University (PT) and has exhibited in solo and collective Exhibitions, including Portugal, Spain, Poland and England.

"Her work has the poetic ability to interrupt the continuous current of the visible and the simplistic ambuigity of the senses to go beyond where emotion takes us to the mysterious reality of beings.

There is like a metaphysical concern to find the truth of the being and it is on emotion, as in love, that the innermost reality manifests itself, becomes more exposed, as an almost irrational force carrying us to the absolute. Her Photography and Painting works are of great deepness, lasting, that, as a motionless time, occur in the silence of the shadows, creating ghostly effects on the way up to the light." (in Aleixo, Artur. Paradigmas da Arte Contemporânea)

CV Deutsch:

Carolina Lopes ist eine portugiesische Grafikdesignerin und bildende Künstlerin, die zur Zeit in Berlin lebt und arbeitet. An der Beira Interior University (PT) studierte sie Multimediadesign und hat ihre Werke unter anderem in Portugal, Spanien, Polen und England bereits in Einzel- und Gruppenausstellungen präsentiert. "Ihre Arbeit hat die poetische Fähigkeit, den kontinuierlichen Strom des Sichtbaren und die vereinfachte Mehrdeutigkeit der Sinne zu unterbrechen, um über das hinauszugehen, wo Emotionen uns in de geheimnisvolle Wirklichkeit des Wesens führen. Darin scheint eine metaphysische Sorge zu liegen, die Wahrheit des Seins zu finden. Man erkennt Emotionen, wie in der Liebe, die die innerste Wirklichkeit manifestieren … eine fast irrationale Kraft, die einen das absolute Enthoben-Sein spüren lässt. Ihre Fotografie und Malerei ist von großer Tiefe, nachhaltig, lässt die Zeit still stehen. Ihre Werke schaffen geisterhafte Effekte auf dem Weg nach oben zum Licht."(In Aleixo, Artur. Paradigmas da Arte Contemporanea)

MIGRATION.VERÄNDERUNG.NEUANFANG

Eye never sleeps & Berlin-Bydgoszcz

Grzegorz Pleszyński translated by: Błażej Wiśniewski

ANTIDEPRESSANT OPERA EYE NEVER SLEEPS

CRISTOFORO COLOMBO HAS THE FLOOR

October 11, 1492 A.D. one day before discovery of America

What is it about me that makes me a slave to illusion?

perhaps the illusory approach to the object of knowledge has a potential to hypnotize an individual with its charm?

the horizon

it seems to be coming closer to us

in actual fact, it remains a mere line

at the end of the world we see

it lures us and breeds opinions

that the illusion is actually a borderline between two worlds - Heaven and Earth

the seas and the sky

between the reality and those lurking feelings

What makes me so insensitive to dangers?

to the temptations of living in prosperity with a beautiful wife at my side who would take me to the gardens of pleasure every night

make me neglect my children and deprive me of the delightful thought that, by raising them, I am extending into the future of this world

a thing that is half me should be strong enough

to make the illusory hallucinations worthy of the attention - if only for a few hours, minutes;

a few seconds to spare

for something that is so vague

to say nothing of my own life

What’s inside of me?

the force that makes me lie to all the men on board of my ships

Santa Maria..... Nina..... Pinta....

and thus estranging them from me

in the world that is so foreign and fraught with danger

like the Unknown Ocean and the uncertainty of what may come our way

i should be praising these men

because together we can face any ordeal but I expose them

to danger

losing dignity

suffering

and missing the loved ones

Something about it

if this should be true then God himself guides me and if that’s the case, I ought to trust and believe that He knows the whats and the whys

I don’t know if my vision is agreeable to Him?

thinking that God wants to introduce me to some great mystery

do I succumb to conceit that deserves to be condemned?

thinking I Know God’s Plan

thinking I have Him on my side when we struggle to accomplish His and now - our - design

i might think that

i am exploited when I try to achieve the goals

What are they?

i hope that He will give me a glimpse of his design

unless he chooses to guide me to the world’s end

and punish my sinful pride throwing me into the depths of hell and my fleet with me

another day goes by over the ocean.

the Glow.....the horizon.....it takes time.....for everything.....to go silent and grey

tired people

hug the deep blue sky

fall into the depths

and everything becomes one

and it is a new beginning

Artists:

SOCIAL CHORUS BLACK DWARF

Grzegorz Pleszyński - words and music, trumptes, samplers Bartek Kapsa - drums

Jarosław Majewski - bass

Emilia Mikołajczyk - conductor

Łukasz Przykłocki - baritone

Die Farbenwelten

reworks 2015/16

MATERIE RAUM ZEIT II

Die Reise nach verlassenen Orten - Workshop Linolschnitt

Convergence. BelarussianRussianArt.26.02.2016

Wayang Rajakaya 9. Januar bis 7. Februar 2016

Zimt Party 17.12.2015 bis 02.01.2016

WATA CUKROWA MILLENIUM / ZUCKERWATTE 2000 KRAKOW 27.11. bis 13.12.2015

Dort und Hier, Hier und Dort 30.10 bis 15.11.2015

"VotiVtraum" 25.09. bis 11.10.2015

„Anywhere But Here“ 28.08. - 13.09. 2015

„Mal ́dein ́Kiez – Male deine Welt“ 15.06 - 28.06.2015

In mea arte veritas est !!! 29.5. bis 13.6. 2015

In mea arte veritas est !!!

Ludek Pesek Pachl - REBELART-BERLIN www.rebelart.de

Ausstellung von 29. Mai bis 13. Juni 2015

Vernissage am 29. Mai 2015 um 19.00 Uhr

Ludek Pesek Pachl - freischaffender Maler

Kunst bedeutet für den Maler Ludek Pesek Pachl absolute Freiheit. Getreu seinem Motto Ich male, wann ich will, womit ich will, wo ich will und was ich will, bezeichnet der tschechische Künstler seine Kunst als Rebel Art. Die Bilder im Poster-Pop-Stil sind wegen ihrer farbenfreudigen Gestaltung nicht nur dekorativ, sie geben dem Betrachter genügend Freiraum zum Nachdenken.

Für seine Bilder lässt sich Ludek gern von visuellen Medien, vor allem von Fernsehen und Film, inspirieren. Experimentierfreudig und unbefangen spielt er mit realen wie fiktiven Symbolen, Figuren, Personen, Geschichten, die in den Medien gezeigt werden. Ironische Absichten sind oft nicht zu übersehen. Beim Malen, bevorzugt mit Acrylfarbe, zeigt Ludek große Ausdauer und Genauigkeit. Alle Details, ob winzig oder hundertmal, bringt er geduldig mit Hand und Pinsel sorgfältig auf seine Bilder. Kultverdächtig sind vor allem die Bilder, die an die amerikanische Poster-Pop-Art angelehnt sind.

Wie sein tschechischer Lieblingsmaler Josef Lada, der in den zwanziger Jahren den Soldat Schwejk illustrierte, brachte sich Ludek das Malen selbst bei. In Bewunderung für dessen Arbeit ließ sich Ludek ein Motiv Ladas auf seinen Rücken tätowieren. Das Motiv ist eine Kneipenschlacht.

Geboren wurde Ludek 1971 in Stary Most, heute Most, in der ehemaligen Tschechoslowakei. Obwohl die Lehrer sagten, dass er sehr begabt sei, wurde ihm keine künstlerische Ausbildung ermöglicht. Er besuchte als Schüler in seiner Freizeit gelegentlich einen Malzirkel. Als der Jugendliche seine erste offizielle Auszeichnung für seine Bilder erhalten sollte, verweigerte er deren Annahme. Es handelte sich um einen Preis der Regierung, deren Politik er aus vielen Gründen ablehnte. Von da an war sein Leben von staatlichen Schikanierungen geprägt.

Der Zusammenbruch des kommunistischen Regimes, das ihn als Punk unterdrückt hatte, brachte ihm die lang ersehnte Freiheit. Mit achtzehn Jahren begann er Europa zu erkunden. Er reiste nach Italien, Spanien, Frankreich, in die Niederlande. Am längsten, etwa drei Jahre lang, lebte er in Neapel und Süditalien, weil ihm das warme Klima dort so gut gefiel. Er schlief am Strand und in verlassenen Häusern. In Neapel besetzten er und seine Freunde ein verlassenes Kino. Dort veranstalteten sie Partys und spielten Theater.

Durch Zufall verschlug es Ludek im Winter 1998 nach Berlin.

Ich war sofort Feuer und Flamme, denn ich war bereits im Sommer ein paar Tage in Berlin gewesen, und die Stadt hatte mich verzaubert. Und ich bin, bis auf ein paar Unterbrechungen, bis heute geblieben.

In Berlin zu leben empfindet er als Vorteil, weil alles offener und toleranter sei als in anderen Städten. Berlin findet er super, da es viele Gesichter habe. Vor allem zwei, nämlich Ost und West. Berlin ist auf jeden Fall eine Weltstadt. Sie gibt jungen Menschen eine Chance und ist nicht so konservativ wie Prag oder Wien. Berlin ist überhaupt eine besondere Stadt, sie hat zwei Zentren und das ist auf der Welt einmalig.

Im Bezirk Prenzlauer Berg wohnt Ludek und dort befindet sich auch sein Atelier. Wenn er im Sommer durch seinen Kiez läuft ist er leicht an seinen Lieblingsklamotten, kompletten Fußballoutfits, zu erkennen. Dabei spielt Ludek gar nicht Fußball. Als Tscheche ist er selbstverständlich Eishockeyfan. Neben seinem malerischen Talent ist Ludek ein guter Koch. Wer Glück hat von ihm zu seiner selbstgemachten Pizza eingeladen zu werden, dem serviert er eine leckere, knusprige, dünne Pizza mit Belägen nach Wunsch, genauso wie er es vor Jahren in Italien gelernt hat.

Sein Lebensmotto hat Ludek bereits gefunden. Genieße das Leben, solange es geht. Und solange du genug Energie dafür hast. Bei uns sagt man: Und es wird noch schlimmer kommen! Ich bin zufrieden hier. Die Welt ist für alle da. Er denkt positiv und diese Einstellung überträgt sich auch auf sein Schaffen. Ich liebe die Kunst. Weil sie absolute Freiheit bedeutet und niemand dir was hereinzureden hat.

(text Tanka Ticker, photo Robert Sedmik)

"A Place to Be…" 24.04. bis 10.05.2015

QUADRO ART 2014 - Retrospektive 10.04-22.04.2015

Treasures Collection 27.-29.03 2015

"Susan Red isn´t dead" 27.2-15.3.2015

12 Korken einer Flasche & AI-WEI-WEI ( N )

Summer Preferred 18.1.2015

"Verflechtungen" - 28.11-14.11.2014

"Verflechtungen"

28.11 bis 14.12.2014

Bernadeta Wdzieczna, Malerei

Eröffnung am 28.11 2014 um 19-22 Uhr

mit einem Solo Konzert von Slawomie Koc (Gitarre) - Balladen und Romanzen

Bernadeta Wdzieczna, geb. in Radom Polen.

Besuchte das Kunstgymnasium in Stettin, danach Studium bei Prof.: Boehlke, hat ihr Atelier in Stargard. Seit einigen Jahren lebt und arbeitet sie auch in Berlin. Sie malt Porträts in Öl und Pastell. Sie hat eine diese einzigartige Technik in der Ölmalerei entwickelt, um auf Stoff zu malen. Dabei erzielt sie eine besonders plastische Wirkung des Porträtbildes.

Eine Besonderheit besteht in der Verwendung von außergewöhnlichen Malgründen, die in einem unmittelbaren Kontext zur dargestellten Persönlichkeit stehen. So nahm sie beispielsweise die Schürzen und Kopftücher derjenigen Frauen, welche sie porträtierte. Dabei passte sie das Porträt auch dem Muster des Stoffes an. Wodurch Bernadeta Wdzieczna gleichzeitig auch eine außergewöhnliche Harmonie zum Maluntergrund erzeugt.

Wer bereit ist sich von seinen üblichen Sehgewohnheiten zu lösen, der hat bei der Betrachtung von Bernadetas Gemälden, die Möglichkeit seinen üblichen Erlebnishorizont zu überschreiten. Es gilt aber auch hier: NUR DIE ORIGINALE ZÄHLEN! Digitalisierte Gemälde im Internet vermitteln immer nur einen rudimentären Eindruck. Aber auch dieser, ist schon beeindruckend!

Bernadeta Wdzieczna künstlerisches Schaffen ist durch eine Vielzahl kultureller Aktivitäten begleitet. Sie organisiert Kunstausstellungen für andere Künstler und Künstlerinnen und setzt sich für den deutsch-polnischen Kulturaustausch ein. Insbesonder der deutsch-polnische Kulturaustausch wird in Zukunft eine zentrale Rolle im Leben der Künstlerin darstellen, denn es besteht ein großes, gesellschaftliches Interesse dass die Künstlerin ihre Erfahrungen in diese aktuelle Thematik einbringt.

Ihre Werke sind in öffentlichen und privaten Sammlungen im In-und Ausland vertreten. Da- runter die Medizinische Akademie in Stettin, die Stadt Wijchen, das Lothar-Günther-Buchheim Museum in München, das Museum in Stargard. Sie ist Mitglied der polnischen Künstlervereinigungen, Ars Pomerania, SSMSP und “The Gate”. Bernadeta Wdzieczna arbeitet mit Künstlern und Vereinen in Berlin und Mecklenburg zusammen. Seit 1994 wurden ihre Arbeiten in mehr als 90 Ausstellungen präsentiert. Darunter sowohl Einzel- als auch Gruppenausstellungen im In-und Ausland.

EINSCHMIEGEN II von KUNST: ABSEITS VOM NETZ

EINSCHMIEGEN II von KUNST: ABSEITS VOM NETZ

29.8.-29.9.2014

Christian Eisenberger, Karin Frank, G.R.A.M, Ronald Kodritsch, Ina loitzl, Claudia Nebel, Michael Petrowitsch, Michael Pinter / Lucina Viale, Erwin Stefanie Posarnig, Arnold Reinisch, Werner Reiterer, Judith Rohrmoser, Markus Wilfling, Josef WURM, Zweintopf, Karl Karner

Vernissage am 29.08.2014 von 19 – 23 Uhr

20.00 Uhr Performance 'Weich Schpülen'

Weich Schpülen

Kriege werden nicht nur mit Panzern und Gewehren geführt, sondern zunehmend mit Worten und Bildern. Die Härte des Medienkriegs kontert die Berliner Künstlergruppe Bloodyblackredrabbits mit "Weich Schpülen". Die kuschelweiche Performance im Projektraum art.endart demonstriert den idealen Umgang mit Propaganda: Durch den Vorgang des "weich schpülens" wird die politische Agenda des Zweiten Deutschen Österreich (ZDÖ) zum Balsam für die Seele.

BloodyBlackRedRabbits

Finnisage am 26.09.2014

20.00 Performance

Einschmiegen bedeutet sich anpassen, assimilieren, enge verbindung eingehen und vieles mehr. Dieser Begriff wird seit 2 Jahren im Rahmen der Trilogie

„Einschmiegen“ inoffizielle _ offizielle Eingriffe

2013 Sensible Eingriffe

Kunst schmiegt sich ein

2014 Kunst schmiegt sich anKunst mischt sich ein

2015 Radikale Eingriffe

in unterschiedlichen Räumen mit unterschiedlichen Mitteln untersucht,

In diesem Reisekunstprojekt reiben sich 16 Künstlerinnen, mit Werken, in der Holzseekiste als Labor am Begriff „schmiegen“. Die unterschiedlichen Ergebnisse werden in der Ausstellung im Projektraum art.end art in Berlin, Wedding zum Ersten mal sichtbar. Ein multifunktioner Trailer ist das Transportmittel und die Reiseskulptur zu anderen Orten Europas. Dort werden die Kisten mit den Werke der Künstlerinnen in Folge, im Jahr 2015, gezeigt werden.

(Kurator/Organisator: erwin stefanie posarnig)

Ausstellung Organisation + Renovierung

Fotos der Vernissage vom 28.08.2014

Weitere Entwicklung - 28.03.-10.04.2014

ERINNERUNG(S)ZERSETZUNG - 28.02.-14.03.2014

ERINNERUNG(S)ZERSETZUNG

Fotografie und Performance

mit Nadine Rahimtoola, Rike Varga, Vinzenz Fengler

28.02.2014

19.30-22 Uhr Eröffnung,

ab 20 Uhr Performance "Regression#2"

02.03.2014

geöffnet 14-18 Uhr

03.03.-14.03.2014

geöffnet nach telefonischer Vereinbarung

ERINNERUNG(s)ZERSETZUNG

I am a reflection photographing other reflections within reflections. It is a melancholy truth that I must always fail. To photograph reality is to photograph nothing.

Duane Michals, A Failed Attempt to Photograph Reality, 1976

Erinnerungen im Sinne von Erlebnissen bzw. Erlebtem sind oft trügerisch und wenig nachprüfbar. Gefühle, Gerüche und Klänge, die vielleicht damit in Zusammenhang standen und im Erinnerungsprozeß wieder auftauchen, können uns zum Narren halten und wir können keinen fragen, wie es sich im Moment des Erlebnisses wirklich verhalten hat. Erinnerungen die unserem autobiographischen Gedächtnis entstammen sind oft nur Interpretationen vergangener Wirklichkeitskonstruktionen, die nicht mehr viel mit uns zu tun haben. Ganz anders verhält es sich mit Erinnerungen an Ereignisse, also das Wissen über Episoden; diese sind sehr wohl nachprüfbar und anhand von Zahlen und Fakten gut zu rekonstruieren. Und im Spannungsfeld dieser zwei Arten von Erinnerung bewege ich mich auch, wenn ich mich diesem Thema photographisch annähere: Was ist meine Geschichte, welche Erlebnisse haben mich geprägt, welche Spuren finde ich retrospektiv noch, welche kann ich wieder aufnehmen, was habe ich vergessen? Denn Erinnerung hat auch immer mit Vergessen zu tun, mit bewußtem Vergessen im Sinne von Verdrängen und unbewußtem, wenn es sich um Dissoziation handelt. Und so ist diese Ausstellung gewissermaßen auch eine Retrospektive mit Blick auf Arbeiten aus den vergangenen Jahren, und aus verschiedenen Serien, in denen ich mich mit dem Thema Erinnerung auseinandergesetzt habe, aber auch ganz neuen Arbeiten.

Wenn ich mich mit diesen Themen dann aber performativ beschäftige, wie in der Arbeit „Regression #2“, kommt noch die politisch-geschichtliche Dimension des kollektiven Erlebens bzw. der kollektiven Geschichte dazu. Dann nämlich stehen auch Begriffe wie kollektives Erinnern, kollektives Gedächtnis, wahlweise auch kollektives Verdrängen und kollektive Schuld, im Raum. Und so wird auch die Nähe des Ausstellungstitels zum Begriff der Wehrkraftzersetzung deutlicher: Wie ernst sind Erinnerungsarbeit und Gedenken gemeint? Ab wann, und warum, setzt das Vergessen ein? Was muß in der Erinnerung behalten werden?

Grundsätzlich beschäftige ich mich in der Performance-Reihe „Regression“ mit kultischen, spirituellen und liturgischen Handlungen, welche einen gebetsmühlenartigen Charakter haben und die ich – teilweise – als Kind auch selbst kennengelernt und praktiziert habe. In diesem Fall geht es mir um den Prozeß der Reinwaschung.

Vinzenz Fengler, Februar 2014

Bilder von der Ausstellung:

Radiologische Beichte - 31.01.-27.02.2014

Radiologische Beichte

[CARTOON VON ILTER REZAN]

aus einem Kleinen Schauspiel von Jürgen Nafti

31.01.2014 ab 19.30 Uhr Vernissage

01.02.2014 14-18 Uhr

02.02.2014 14-18 Uhr

03.02.-26.02.2014 nach telefonischer Vereinbarung

27.02.2014 ab 19.30 Uhr Finissage

Der Künstler darf sich nie

auf die Seite des Modells herüberziehen lassen.

Das ewige Modell, die Gesellschaft.(Oskar Kokoschka)

Wir fragen uns, was in Europa, sonderlich einen osteuropäischen, und meinetwegen mag es auch nur ein polnischer Radiomoderator sein,der vom religiösen Standpunkt aus allein aufgrund von Spenden – neudeutsch Sponsoring genannt und von ehedem als Edler Gönner,vielfältiger Förderer bzw. Freund und Helfer (und dergleichen Sprachphänomene seit Erfindung der Reformation mindestens) bekannt –herrschaftsrelevante Mehrheiten zusammenpredigen kann, bewegt, zur Verbreitung absolutistischen Gedankengutes gegen denvorherrschenden demokratisch-pluralistischen Konsens der Europäischen Institutionen Mittel beantragt. Kann eine Art von Chefideologeeines Radiosenders google zufolge ausgerechnet mit jenen Argumenten aufwarten, die er verteufelt, um den Segen des Geldes aus allennur möglichen Quellen zu ergattern?

Wieviel Trost muß er nötig haben, wieviel Zuwendung wird ihm immer noch nicht zuteil? Hat es nicht genügt, daß nach dem Erfolg derSolidarnosc, die inzwischen weitläufig als Urheber der Globalisierung gilt - nebst Untergang der Sowjetunion und nachzwischenzeitlicher Öffnung der Ungarischen Grenzen eben auch zum nicht mehr aus der Welt zu denkenden Fall der Berliner Mauergeführt hat - ? so könnte man polemisch fragen, wenn man in den politischen oder historischen Wissenschaften zu Hause wäre und nachepochemachenden Skandalen Ausschau halten wollte. Doch selbst die Kunstgeschichte und ihr Schreiben ist nur ein Teil der Geschichte,auch wenn ein TV-Sender wie arte wieder zunehmend Substanz an interessanten Fragestellungen der SUBJEKT-OBJEKT-Grammatik inden sogenannten Medienwissenschaften gewinnt.

Wo Tizians ASSUNTA den Aufstieg Mariä aus einem Wirbel um eben dieselbe zur Landung bei Gott aufklärerisch aus dem allgemeinenReligionstheater und seiner ebenso vielschichtigen wie vielfältigen gläubigen Diener deutlich werden läßt, da läßt sich auch dasSchindluder mit den künstlerischen Schmähungen – oder, wenn man so will, experimentellen Variationen – des Kreuzigungsthemas, wiesie durch eifrig sich diesem Historienstoff widmende Kunstgeschichtsforschung an die Oberfläche williger Fondgründungen und derenVerteilungskriterien gespült werden, nur allzu leicht begreifen. Hingegen liegt die eigentliche oder zumindest wesentlichere Pointe dochin der Frage verborgen, welches Leiden durch wen oder was verursacht scheinen darf, um in der Erlösung auch tatsächliche Genugtuungwirklich zu erfahren. Die gesellschaftlichen Partialmanagements schielen auf Eingrenzung der Definitionsräume, der hohe Geist muß erstentsprechend tief fallen, um einerseits medioker gesellschaftsfähig zu bleiben, andererseits eben dadurch vollkommen indiskutabel zuwerden für jene Spektakel, von denen der Kunstbetrieb sein täglich Brot erhält, bekommt, bezieht, oder zuweilen auch einfach nur kriegt.

Das alles aber ist von einem menschlichen Standpunkt der Seelsorge für die Pfaffen, Bischöfe, Kardinale und selbst bislangunverstorbenen bzw. unsterblich gewordenen (also heilig gesprochenen) Päpste und ihre idealistischen Nachkommenschaften weidlichirrelevant. Das Fleisch ist die Wahrheit der Weide und ihrer Schäfer, wie der Hund die Wärme des Hirtenstocks beschert. Die Wächter derNatur sind einfach gestrickt, Tuch oder Krawatte? - derlei Fragen ihnen keine Trägerschaft der Ruhe. Contraire sind die Moden bloßeSchau auf die Schnelle. Nachhaltig wirken dagegen Symbole und ihre Zerstörer oder willentliche Symbolignoranten bzw. -vermeider.Am Ende aller Tage sind wir nackt, und ein neuer Morgen mag beginnen oder das Ende aller Zeiten wäre gekommen. Was den Friedendes Alltags jedoch ausmacht, ist die Auskömmlichkeit der Sättigung jenes corpus, der die Leibfreundlichkeit willkommen zu heißenvermag. Und sei es auch nur als bloße Augenweide und das Tröstliche, das darin auch lediglich vermutet werden kann.

Was macht Gott im Angesichte seiner Kreaturen, die ihrer Kreatürlichkeit im Kreativitätswahn begegnen wollen, so es ihn gibt?

Das Schweigen wird zur Stille, was das Bild im Worte weiht.

Im Anfang sprach das Licht

bitte

ich nicht.

Erst die Beene von die Kleene

hat zur Andacht

nicht gereicht

Wo die Ahnen seyn ge-

bene-

deiht.

Der Rock der schützet,

das Wort das spützet,

legt den Blick aufs Auge frei.

Pax

not only

in the

city!

(Jürgen Nafti, Novembre 2013)

Das Menschliche Leben ist die Farbe seiner Vorstellungskraft - 29.11.-20.12.2013

Retrospektive - 25.10.-10.11.2013

LIGHTWORKERS PERFORMANCE THEATER - 19.09.-29.09.2013

Kaligraficka expresja-Calligraphy Expression - 28.06.-14.07.2013

Photography Workshops - 22.06.-23.06.2013

Konrad Pustoła - Photography Workshops

Sat-Sun, 22nd-23rd June 2013| 2 pm - 5pm | art.andart |

Drontheimer Str. 22/23, 13359 Berlin

The workshops is addressed to the community of Wedding district and all interested. The meetings will be held in English.

Admission is free!

Photography is a primary tool mediating and magnifying the atrocities of war; since the beginnings of its existence – and with the invention of mass reproduction – photography has been used to influence the public opinion. Other types of early photographic “activist” projects are, among others, documenting poverty, child labour or governmental propaganda. In the last decades, when it seemed that photography lost its influence in the favour of television, the technological shifts created new opportunities. Electronic media created what was before unattainable – the capacity for a direct, immediate and global distribution of image, accessible to everyone connected to the Internet. However, as much as the new technologies expedite the message, they also blur and silence it in the multiplicity of voices. The question that arises is what is the actual potential offered by the new media to photographic image, and what are its capabilities in affecting social reality.

During the two days session, we are going to look for the answers to following questions: Can photography exert a real influence on reality? Why should we try to alter social reality through photography? Are the presupposed changes radical or is their character more discreet? What is the role of performative documentation in relation to the general potential of capturing? What are the most effective methods and strategies of working with photographic image? How is the age of electronic media causing the relationship between the photograph and the editor to change?

How can we use new image-distribution channels to evoke a social change?

Konrad Pustoła (b. 1976) is a graduate of University of Warsaw’s Economics Department (2003) and Royal College of Art in London (2008). His projects are centered around the examination of the visual aspects of social and economic relations. He won the First Prize of the Polish Press Photo Competition for his Sanna series (2001). He has participated in many exhibitions, including The New Documentalists (2005) at the Center for Contemporary Art at Ujazdowski Castle in Warsaw, Bloomberg New Contemporaries (2008) in London, Storia, Memoria, Identitia (2009) in Modena, and PhotoEspana (2010) in Madrid. In 2010 he published Darkrooms, an album that won a prize at The Best Art Album and Catalogue Competition Reminiscencje. Myśl i Patrz (Think and Gaze)

Workshop-animation with PGR art. Photos by Olga Koch.

Finissage IMPRESSIONEN AN DER PANKE - 21.06.2013

„Impressionen an der Panke“

Finissage am 21.06.2013 um 17 Uhr

Das Austauschprojekt (Malerplenar) zwischen Goluchow und Berlin-Wedding hat die künstlerische Zusammenarbeit und den internationalen Austausch zum Ziel. Vier etablierte Künstler aus Osteuropa werden eingeladen, um in dem Zeitraum vom 27.05.2013 bis zum 03.06.2013 den Berliner Wedding kennenzulernen, mit Berliner Künstlern zu arbeiten und gemeinsam auszustellen.

Die Projektorganisation und Kuration der Ausstellungen in Berlin Wedding liegt bei Lucyna Viale, Künstlerin und Betreiberin des Kunstprojektraumes art.endart. Sie ist Mitglied des Kunstverbundes und Netzwerks von Kunstprojekträumen im Soldiner Kiez Kolonie Wedding e.V. (www.koloniewedding.de). Gwen Lesmeister, Kulturwissenschaftlerin und junge, talentierte Künstlerin und Drazen Muse, Kulturmanager, sind für die Projektkoordination und die interne sowie externe Kommunikation zuständig.

Die künstlerisch-internationale Zusammenarbeit wirkt sich nicht nur auf die Reputation des Weddings als internationalen Kunststandort, sondern gleichfalls aufwertend auf die direkte Nachbarschaft und ihre Vernetzung aus. Es werden Workshops neben der laufenden Arbeit stattfinden. Neben der gegenseitigen künstlerischen Bereicherung ist auch die Vermittlung künstlerischer Fähigkeiten Gegenstand des Austausches. Die Präsentation der Werke findet im Rahmen des

monatlichen Ausstellungswochenendes des Kolonie Wedding e.V. vom 31.05.-02.06.2013 statt.

Die Künstler stellen ihre Arbeiten vor und vermitteln ihre Kunst in Gesprächen mit den Besuchern. Mit dieser Kooperation nutzen die Künstler die Reputation und öffentliche Präsenz des Kolonie Wedding e.V., um ihre Werke einem möglichst breiten, öffentlichen und kunstinteressierten Publikum zu präsentieren. Die Kooperation stärkt den künstlerischen Austausch somit auch auf institutioneller Ebene.

Im Austausch wird das Malerplenar im Zeitraum vom 09.- 22. September 2013 in Goluchow stattfinden. Vier etablierte Künstler aus Berlin-Wedding werden von dem privaten Mäzenen Roman Bartosik nach Goluchow eingeladen. Es wird ebenfalls ein Workshop mit Kindern in der Grundschule Szkola Podstawowa stattfinden. Abschließend wird eine Finissage in Museum-Goluchow organisiert und von Volodymyr Chornobay kuratiert. Zwei Arbeiten von jedem Künstler werden dem Finanzier Roman Bartosik übergeben.

Abschließend sollen die Werke zusammengeführt werden, um die Partnerschaft noch stärker zu akzentuieren. Innerhalb des Haushaltsjahres wird die Gesamtschau im Oktober/November 2013 in Berlin Wedding im Kunstprojektraum art.endart und im

Stadtmuseum von Kalisz, nahe Goluchow, gezeigt.

Das Projekt fördert die Etablierung des Weddings als Standort aktueller, internationaler Kunst und als Ort der deutsch-osteuropäischen Verständigung. Über die Qualität und Entgrenzung Berliner Kunst hinaus schafft das Projekt einen Raum der multikulturellen Kommunikation und europäischen Integration.

Teilnehmer am Projekt:

Gwen Lesmeister - Lüneburg - Deutschland

Iwona Borkowska - Berlin - Polen

Armin Kauker - Berlin - Deutschland

Sylwia Ratajczak - Berlin - Polen

Volodymyr Chornobay - Ternopyl - Ukraine

Artem Pogribny - Kharkiv - Ukraine

Otchyk Hleb - Minsk - Weißrussland

Ales Falej - Baranovichi - Weißrussland